Nelson Alves Barboza

CINEMA – ARTE, CULTURA, HISTÓRIA

Rio de Janeiro

2007

ÍNDICE

–INTRODUÇÃO

VISÃO MUNDIAL DO CINEMA

ESTADOS UNIDOS DA AMÉRICA

–O poderoso cinema norte-americano – Primórdios

–O cinema dos EUA na década de 1920

–EUA 1930/1939 – A década de grandes produções

–Os grandes filmes dos EUA na década de 1940

–Melhores filmes dos EUA, de 1950 em diante

–O cinema dividido – Os seriados

–Oscar: os preferidos e os preteridos

ALEMANHA

–O Expressionismo no cinema alemão

–O novo cinema alemão, a partir dos anos 1960

CHINA

–Chinês, o cinema censurado

DINAMARCA

–O melhor do cinema dinamarquês

ESPANHA

–Cinema da Espanha

FRANÇA

–O cinema francês dos anos 1930/1940

–A Nouvelle Vague

GRÃ-BRETANHA

–O cinema da Grã-Bretanha

IRÃ

–A explosão do cinema iraniano nos anos 1990

ITÁLIA

–O neorrealismo italiano

–O cinema italiano pós-neorrealismo

JAPÃO

–O premiado cinema do Sol Nascente

POLÔNIA

–A renovação do cinema polonês

RÚSSIA

–A época de ouro do cinema soviético

SUÉCIA

–O audacioso cinema sueco

OUTROS PAÍSES

–Cinema de outras partes do mundo

CINEMA NA SEGUNDA METADE DO SÉCULO XX

–Anos 1950, uma década de grandes filmes

–Os bons filmes da década de 1960

–A década de 1970

–As tendências contemporâneas – Cinema dos anos 1980

–Cinema anos 1990: um computador na mão e uma ideia na cabeça

ASPECTOS DO CINEMA BRASILEIRO

–Grandes cineastas brasileiros

–Filmes brasileiros premiados

–O período da chanchada

–Cinema arretado – O ciclo do cangaço

–O Cinema Novo

–Erotismo e chanchada no cinema brasileiro

–Os bons filmes da nova safra do cinema brasileiro

–O cinema e a realidade brasileira

CINEMA DE GÊNIOS

–Jacques Tati – Um olhar atento sobre a vida

–Chaplin, um gênio e um símbolo

CINEMA E SOCIEDADE

–Cinema e sociedade - As ideias humanísticas - A preocupação social

A HISTÓRIA E OS FILMES HISTÓRICOS

–Filmes ambientados na Antiguidade

–Filmes ambientados na Idade Média

–Filmes ambientados na Idade Moderna

–Filmes sobre a Revolução Francesa e o Período Napoleônico

–Filmes relacionados à Revolução Russa

–Filmes ambientados na I Guerra Mundial

–Filmes ambientados na II Guerra Mundial

–A Guerra do Vietnã

CURIOSIDADES

–Super size me - A dieta do palhaço

–Cinema  e gastronomia

–Filme noir - O cinema sombrio

–Os clichês no cinema

FILMES PREMIADOS

–Premiados com o Oscar

–Premiados com o Oscar de Filme Estrangeiro

–Premiados com o Globo de Ouro

–Premiados no Festival de Cannes

–Premiados no Festival de Veneza

–Premiados no Festival de Berlim

–Premiados no Festival de Gramado

–Premiados no Festival de Cinema de Brasília

LISTAS DE MELHORES

–Os 100 melhores filmes, segundo os usuários do IMDB

–Os 100 melhores filmes ingleses, conforme o BFI

–Os 100 melhores filmes americanos, conforme o AFI

–As 100 melhores comédias, segundo o AFI

–BIBLIOGRAFIA

INTRODUÇÃO

Este livro é um guia de filmes dirigido ao leitor interessado em melhorar ou expandir sua cultura cinematográfica, sendo útil, também, para estudantes ou professores de Comunicação, área de cinema.

Procuramos dar uma visão panorâmica do que aconteceu nos principais países, desde a projeção dos primeiros filmes até o início do século XXI.

Com amplo trabalho de pesquisa, buscamos os principais fatos que marcaram as produções, os principais movimentos inovadores e sua relação com a história dos países.

É claro que quando se fala de cinema o tema é por demais abrangente e não pode ser esgotado em apenas um livro.

Neste livro o leitor vai adquirir o conhecimento básico: tudo que é necessário para melhor selecionar os filmes que irá ver daqui por diante, com conhecimento de causa. O bom cinema ainda existe. Basta saber procurar. E não é outro o nosso propósito senão o de dar uma orientação ao leitor, para que veja o que de melhor foi feito no cinema mundial, desde o seu nascimento até os dias atuais.

Para começar este nosso objetivo, relacionamos os dez melhores filmes de todos os tempos, segundo pesquisa efetuada pelo jornal Folha de São Paulo, junto a 100 dos melhores críticos de cinema de 27 países de todo o mundo, publicada em 10 de maio de 1995:

OS DEZ MELHORES

1 – Cidadão Kane (Orson Welles) - EUA, 1941 (48votos);

2 – A regra do jogo (Jean Renoir) - França, 1939 (22 votos);

3 – O encouraçado Potemkim (Eisenstein) - URSS, 1925 (19 votos);

4 – Rashomon (Akira Kurosawa) - Japão, 1951 (17 votos);

5 – Um corpo que cai (Alfred Hitchcock) - EUA, 1958 (16 votos);

6 – Oito e meio (Federico Fellini) - Itália, 1963 (15 votos);

7 – Aurora (F. W. Murnau) - EUA, 1927 (14 votos);

8 – Apocalypse now (Francis Ford Coppola) - EUA, 1979 (13 votos);

9 – Viagem a Tókio (Yasujiro Ozu) - Japão, 1953 (12 votos);

10 – Amarcord (Federico Fellini) - Itália, 1973 (12 votos).

Nas próximas páginas, o leitor terá artigos em que será abordada a história do cinema nos principais países produtores, com comentários sobre seus melhores filmes.

O PODEROSO CINEMA NORTE-AMERICANO - PRIMÓRDIOS

Desde 1881, Thomas Alva Edison (1847-1931) já estava interessado nas dificuldades do registro e da reprodução do movimento.

Como se sabe, a reconstituição do movimento é obtida pela projeção de fotografias sucessivas – diferentes umas das outras e separadas por intervalos – e é devida ao fenômeno da persistência retiniana, que nos permite continuar a perceber impressões luminosas mesmo depois de seu desaparecimento. Estudada por Isaac Newton desde o final do séc. XVII, sua duração é de 1/8 de segundo. Teoricamente, a projeção de oito imagens por segundo seria suficiente para que não aparecessem fases de obscuridade entre os fotogramas. Verificou-se, entretanto, que eram necessárias 16 imagens por segundo para evitar a cintilação na percepção do movimento. A sociedade Edison adotou esta velocidade no “Cinetoscópio”, que não era um projetor e sim um aparelho dotado de um visor para observação individual e que já utilizava uma película fotográfica onde as imagens eram impressas em rápida sucessão (a velocidade passou para 24 imagens por segundo somente com o advento do cinema falado, devido à necessidade de assegurar a reprodução e a gama de frequências acústicas entre 30 e 10.000 hertz).

Empenhados em projetar os filmes de Edison, os irmãos Lumière construíram, em 1894, seu primeiro projetor e, em 13 de fevereiro de 1895, patentearam o “Cinematógrafo”, fazendo, em 28 de dezembro do mesmo ano, em Paris, a primeira exibição com entrada paga.

A primeira projeção de um filme em Nova York, entretanto, aconteceu em 1896, graças a um aparelho que a sociedade Edison patenteou, o “Vitascope”, que nada mais era do que o equivalente americano do “Cinematógrafo”

Edison, para alguns, ficou conhecido como o inventor do cinema, mas a verdade é que WILLIAM DICKSON, um escocês

que era seu assistente, construiu, em 1889, o “Cinetofonógrafo”, um projetor sincronizado com um disco, que usava filme de celuloide e tinha uma câmara, o “Cinetógrafo” e um visor, o “Cinetoscópio”. Inclusive Dickson construiu para Edison o primeiro estúdio de cinema do mundo, em 1892, o “Black Maria”. Mas o “patrão” (e quem patenteava tudo) era Edison...

Sendo considerado, na época, uma atração secundária, o cinema era restrito às pequenas casas de espetáculos, feiras e music-halls. Baseados em fragmentos de fatos ou situações cotidianas, não tinham enredo. Temas como Veneza e suas gôndolas, Ondas do mar, Pugilismo cômico e O bar foram anunciados, em 1896, como oitava atração de um music-hall.

Embora até mesmo Edison acreditasse que se tratava de algo passageiro, o interesse público cresceu rapidamente e o cinema foi se tornando um grande negócio, despertando o interesse de magnatas.  Edison provoca, então, nos fins de 1907, a “Guerra das Patentes”, agrupando, em torno de si, oito das maiores produtoras americanas, a fim de monopolizar a produção (inclusive, faz contrato de exclusividade com Charles Eastman, o maior fabricante de fitas virgens da época).

O truste criado por Edison, que não hesitava em empregar a violência e a sabotagem contra os que a ele se opunham, retardou um pouco o desenvolvimento do cinema americano, voltado, então, para a venda de patentes dos aparelhos de filmagem e de projeção, em prejuízo da qualidade e produção dos filmes, que eram medíocres.

Produtores e exibidores independentes se unem contra as regras draconianas do truste de Edison, conseguem derrotá-lo e impor o Star System, uma das bases benéficas para o desenvolvimento, pois, até então, os atores e atrizes eram desconhecidos. Entre estes produtores, estavam: Carl Laemmle, Adolph Zukor, Marcus Loew e Samuel Goldwyn, fundadores de grandes produtoras como a Universal, a Paramount, a Loew Metro (atual Metro-Goldwyn-Mayer).

Eram, quase todos, magnatas proprietários de diversas salas de cinema populares – calculadas, na época, em torno de 400 – nas quais, por um nickel (moeda de 5 cents) eram apresentadas atrações de meia hora. Eram as chamadas Nickelodeons.

Em 1912, William Fox, outro dos grandes exibidores, funda a Fox, que em 1935 iria fundir-se com a Twentieth Century, de Joseph M. Schenck e Darryl F. Zanuck, resultando na Twentieth Century-Fox.

Os independentes, com base em uma forte estrutura industrial, passam a conquistar, quase totalmente, o mercado doméstico e mundial.

Considerando que Nova York, Chicago e Boston eram cidades com sociedades inteiramente implantadas e fechadas, decidem sediar-se na promissora costa da Califórnia, em Hollywood (Bosque de Azevinhos), um bairro de Los Angeles, onde concentram a produção cinematográfica dos EUA e realizam os primeiros filmes longa-metragem com história. O local, originalmente chamado Hollywoodland, tinha este letreiro, que era para ser temporário, no topo do Beachwood Canyon; as letras L, A, N, D caíram por falta de manutenção nos anos 1940 e o nome Hollywood permanece até hoje.

Clima favorável (muito sol), produção ininterrupta, sistema de distribuição organizado (circuitos de cinemas), o know-how americano em negócios, filmes melhores e em mais quantidade logo levariam a supremacia da Europa para os EUA, apesar de países como a Alemanha, a França, a Grã-Bretanha e a Itália, entre outros, estarem aperfeiçoando suas próprias indústrias cinematográficas.

Era a sorte e a fortuna chegando para alguns como, por exemplo, para um certo húngaro chamado Zukor, antigo faxineiro e, depois, vendedor de peles de coelho; para um velho tintureiro, tornado clown, de nome Fox; ou para quatro consertadores de bicicletas, Jack, Harry, Albert e Samuel, os chamados Irmãos Warner...

Após anos de luta, imigrantes judeus de várias origens (Zukor, Hungria; Goldwyn, Polônia; Mayer, Rússia; os irmãos Warner, Polônia; William Fox, Hungria; Lewis J. Selznick, Rússia; Joseph M. Schenck, Rússia), que conseguiram escapar dos pogroms (ataques com pilhagem e homicídios contra comunidades judaicas, durante o Império Russo – de 1881 a 1921) e, em sua maioria, americanizados na nova pátria, viram seus esforços serem recompensados.

Deve-se a Edison, entretanto, o fato de ter propiciado uma oportunidade a EDWIN S. PORTER (1869-1941), um dos grandes pioneiros do cinema americano. Porter começa a filmar em 1899, sofrendo a influência de Méliès, faz uma obra importante em 1902, A vida de um bombeiro americano e, em 1903, O grande roubo do trem, considerado o primeiro western da história do cinema, que conta, de modo coerente e bem elaborado, o drama do ataque de um trem por bandidos.

Porter foi, ainda, o fundador, em 1909, da Rex Pictures (ocasião em que se desligou de Edison) e, em 1912, com Zukor e Frohman, fundou a Famous Players, que em 1916 se fundiria com a Feature Play, de Jesse Lasky, passando a se chamar Famous Players-Lasky Corporation e, em 1917, se transformaria na Paramount (em 1949, a lei antitruste iria obrigá-la a separar-se do seu setor de exibição cinematográfica. A partir de 1966, passaria a fazer parte da Gulf and Western Industries). Porter perdeu sua fortuna no crack da Bolsa em1929 e morreu no ostracismo.

Um grande nome do período inicial e do cinema americano em geral foi DAVID W. GRIFFITH (1875-1948). Começou a carreira como ator, em pequeno papel, na Companhia Edison, contratado por Edwin S. Porter, em 1907. Promovido a diretor, rodou, de 1908 a 1913, mais de 400 filmes, em geral de curta duração, para a Biograph, integrante do truste de Edison, o que lhe granjeou considerável experiência e a criação de inúmeras técnicas cinematográficas: flash-back, visão panorâmica, montagem paralela, plano americano,

câmera móvel etc. Sua verdadeira carreira começa quando se reúne aos independentes. Em 1915, passa para a Triangle, onde se encontra com Thomas Ince e Mack Sennett e, valendo-se das experiências adquiridas anteriormente, realiza sua primeira grande obra-prima: Nascimento de uma nação (1915), filme com 186 minutos de duração (159, no Brasil) e com cenas espetaculares de batalhas da Guerra da Secessão, com milhares de figurantes. Por seu conteúdo racista, o filme foi veementemente atacado. As origens sulistas de Griffith levaram-no a exaltar a Ku Klux Klan e a condenar os negros aliados a políticos brancos, com uma suspeita nostalgia da escravidão. Houve cidades em que conflitos explodiram durante a projeção. Mas o escândalo lhe foi benéfico: ele e a produtora fazem fortuna pelo excepcional comparecimento do público, ansioso por ver a novidade. Decide, então, investir seus ganhos em um vasto afresco: Intolerância (1916), onde, em quatro episódios, podem ser vistos: a história de uma injustiça judicial, momentos da vida de Cristo, O massacre de São Bartolomeu e a queda da Babilônia. Produção de dois milhões de dólares foi, entretanto, uma catástrofe financeira da qual só foi refazer-se depois de dois anos.

Em 1919, junta-se a Charles Chaplin, Mary Pickford e Douglas Fairbanks, criando a United Artists e fazendo outra obra importante: O lírio partido; mas sucesso comercial quase igual ao de Nascimento de uma nação só viria com Horizonte sombrio (Way down East, 1920), no qual, durante a produção, a estrela Lílian Gish teve danos permanentes em sua mão mergulhada nas águas de um rio congelado. Abordou, ainda, a Revolução Francesa em Órfãs da tempestade (1922). Em 1924, faz o grande afresco histórico América e, em 1930, O libertador (Lincoln).

Um pioneiro bem original e tecnicamente competente foi THOMAS HARPER INCE (1882-1924), que implantou o sistema de grandes estúdios. Em 1910, realizou seu primeiro filme, com Mary Pickford. Especializado em westerns, logo

deixou a direção e passou à função de supervisor, impondo aos diretores seu estilo e suas ideias. Foi um dos fundadores da produtora Triangle, em 1915, junto com David W. Griffith e Mack Sennett. Seu melhor e mais ambicioso filme foi Civilização (1916), uma alegoria de tendência pacifista (numa guerra declarada por uma nação mítica, Cristo intervém sob a forma humana e o tratado de paz é assinado); Ince tinha esperanças na manutenção da neutralidade dos EUA na guerra que se alastrava pela Europa, em consonância com as ideias do presidente Woodrow Wilson que, inevitavelmente, terminaria por declarar guerra à Alemanha, em 6 de abril de 1917. Ince faleceu misteriosamente a bordo do iate do milionário americano William Randolph Hearst (aquele que inspirou o Cidadão Kane, de Orson Welles).

O maior produtor de comédias do cinema mudo foi MACK SENNETT (1880-1960), merecidamente chamado “The king of comedy”. De artista de vaudeville passou para ator e escritor na Biograph, como auxiliar de Griffith, em 1808. Em 1910, estreia como diretor, especializando-se na comicidade burlesca e, dois anos após, funda sua própria companhia, a Keystone Company, o mais importante estúdio de comédias. Sennett descobriu muitos talentos cômicos e lançou atores e atrizes como: Mabel Normand, Gloria Swanson, Roscoe “Fatty” Arbuckle (o “Chico Boia”) e Charles Chaplin – o genial ator, diretor, roteirista e compositor, do qual nos ocuparemos mais adiante –, lançado em Carlitos repórter (1914).

Sennett também criou os clássicos Keystone Cops, os policiais desengonçados; as Bathing Beauties e as Kid Komedies. Em 1915, associa-se à Triangle, mas sai em 1917 e funda a Mack Sennett Comedies, levando Mabel Normand. Em 1923, descobre Harry Langdon.  Aposenta-se em 1935 e em 1937 recebe o Oscar pelo conjunto de sua obra e “duradoura contribuição à técnica da comédia no cinema”.

Uma importante contribuição para a implantação do cinema hollywoodiano deve-se ao imigrante SAMUEL GOLDWYN (Shmel Gelbfisz, depois Samuel Goldfish, 1882-

1974). De origem polonesa (Varsóvia), mudou-se para os EUA e casou-se com a irmã do produtor JESSE LASKY entrando para a indústria cinematográfica. Em 1916, retira-se da sociedade, vendendo sua parte para Lasky e Zukor. Em 1918, associa-se a EDGAR SELWYN e forma a Goldwyn Picture Corporation. Algum tempo depois, passou a adotar o nome de Samuel GOLDWYN. Em 1924, a Goldwyn incorporou-se à Metro Picture Corporation, de MARCUS LOEW, e à Louis B. Mayer Pictures, resultando, daí, a poderosa Metro-Goldwyn-Mayer, nossa conhecida MGM.

Contrariado por não ter sido consultado sobre a criação da MGM, saiu da sociedade e fundou a Samuel Goldwyn Productions.

É o autor de gafes verbais que ficaram famosas, como: “Resumirei em duas palavras: Im – possível” ou, ainda, “Um contrato verbal não vale o papel onde está escrito”.

Outro imigrante que ajudou a fazer a história do cinema dos EUA foi CARL LAEMMLE (1867-1939). Vindo da Alemanha, começou nos EUA com a abertura de um cinema popular, mas, sofrendo a pressão do monopólio de Thomas Edison, abandonou a distribuição e passou para a produção com a Independent Motion Picture Company que, em 1912, incorpora outras empresas e transforma-se na Universal.

Outro grande empreendedor foi LOUIS BURT MAYER (1885-1957). De origem russa (Minsk), era comerciante de sucata em New Brunswick (no Canadá) e em Boston. Arrematou um cinema em decadência em Massachusetts, na Nova Inglaterra, onde fez sua primeira fortuna como distribuidor, no lançamento de Nascimento de uma nação (1915). Fundou, então, sua própria produtora, a Louis B. Mayer, em 1924, que, conforme já vimos, iria fundir-se com duas outras e originar a MGM, onde foi diretor-geral até 1951, tornando-se, durante um bom tempo, o homem mais bem pago dos EUA.

Outros imigrantes importantes na formação do poderio hollywoodiano foram quatro irmãos poloneses, fundadores

da Warner Bros., em 1923: JACK (1892-1978), HARRY (1881-1958), ALBERT (1884-1967) e SAMUEL (Sam, 1888-1927).

Vindo da Hungria (Tulchva), WILLIAM FOX (1879-1952), após vários empregos, começou a interessar-se pelo cinema, com a compra de um nickelodeon em Brooklyn. Outros se seguiram e Fox tornou-se um exibidor de sucesso. Após ganhar uma longa batalha judiciária contra a Motion Pictures Patent Company, terminando com o truste de Thomas Alva Edison, fundou sua própria produtora em 1912, a Fox, que, em 1935, iria fundir-se com a 20th Century, originando a 20th Century-Fox. Um ano após a fusão, Fox subornou um juiz num processo de falência contra suas empresas e foi condenado a um ano de prisão, a partir de 1941. Um fim melancólico o aguardava. Solto em 1943, tornou-se um pária em Hollywood. As portas da indústria cinematográfica estavam fechadas para ele. Nenhum representante dela compareceu ao seu funeral.

Outro imigrante, JOSEPH M. SCHENCK (1878-1961), originário da Rússia (Rybinsk), aportou em Nova York em 1893, com seu irmão NICHOLAS. Os dois irmãos russos, junto com WILLIAM FOX (Hungria), ADOLPH ZUKOR (Hungria) e SAMUEL GOLDWYN (Polônia) são conhecidos como os “five moguls”, que foram vitais para a criação da indústria cinematográfica dos EUA. JOSEPH e NICHOLAS começaram com o negócio de drogaria. Uma parte dos lucros resultantes foi investida, com sucesso, em parques de diversões. Um dos parques foi comprado por MARCUS LOEW, em 1907, tornando os Schenks seus sócios na Consolidated Enterprises, sua cadeia de casas de teatro e cinema. Nicholas, que permaneceu na Consolidated, tornou-se, mais tarde, presidente da Loew’s International.

Joseph chegou a presidente da United Artists, em 1927. Em 1930, funda a 20th Century Produtions (com Darryl F. Zanuck), que iria fundir-se com a Fox Film Corporation e resultar na 20th Century-Fox. Em 1936, Joseph foi indiciado

por evasão do imposto de renda – crime sério nos States. Condenado a prestar um ano de sentença, em 1946, foi perdoado pelo presidente Truman após cumprir quatro meses e voltou para a Fox como diretor de produção. Dizia-se que Marilyn Monroe era uma de suas namoradas, embora ele o negasse (na Fox, ela era chamada de “a garota do Schenck”). De qualquer modo, ele foi útil em sua carreira, propiciando-lhe sua primeira “ponta” num filme B (Scudda hoo! Scudda Hay! – de 1948) e, depois, emprestando-a para a Colúmbia, onde teve seu primeiro papel de bom tamanho em Mentira salvadora (1949).

Em 1953, Joseph associou-se a MICHAEL TODD (1907-1958) na fundação da Magna Corporation, para comercializar o Todd-AO, sistema de projeção wide-screen, usado pela primeira vez no filme Oklahoma!, de 1955.

Um húngaro de origem humilde, ADOLPH ZUKOR (1873-1976), chegou a magnata do cinema graças a muito esforço pessoal. Foi faxineiro e comerciante de peles, antes de entrar para a indústria das máquinas de jogo, em 1903. Em seguida, partiu para a aquisição de cadeias de teatro e cinema, em sociedade com MARCUS LOEW. Em 1912, lançou o filme francês Queen Elizabeth, estrelado por Sarah Bernhardt e criou a Famous Players, junto com EDWIN S. PORTER (com quem também produziu O prisioneiro de Zenda, em 1913) e que iria evoluir para o gigantesco império de produção e distribuição chamado Paramount, da qual foi presidente até 1936, passando depois a presidente do conselho até sua morte, aos 103 anos de idade.

Outro que batalhou bastante para conseguir o sucesso foi DARRYL F. ZANUCK (1902-1979). Abandonado pelos pais quando tinha treze anos, mentiu sobre sua idade e serviu ao exército aos 15, indo lutar na Bélgica, na I Guerra Mundial. Depois da baixa, sobreviveu graças a uma série de empregos diversos, sendo até boxeador profissional enquanto tentava a carreira de escritor. Tendo habilidade para enredos, produziu os roteiros da série Rin-Tin-Tin para a Warner,

onde, depois de escrever muitos textos, passou a chefe de produção, aos 23 anos. Dali saiu para fundar, junto com Schenck, em 1933, a 20th Century, que, conforme já vimos, iria resultar na 20th Century-Fox, da qual foi diretor de estúdio. Entre os filmes mais importantes do período em que esteve no comando, estão: As vinhas da ira (1940), Como era verde o meu vale (1941), A malvada (1950) e O mais longo dos dias (1962). Em maio de 1971 retirou-se do comando da empresa.

Outro polivalente foi JESSE L. LASKY (1880-1958). Antes de se dedicar à indústria cinematográfica, foi repórter, músico, maestro e agente. Fundou, em 1913, a Jesse L. Lasky Feature Play Company, junto com o seu cunhado, SAMUEL GOLDFISH (depois GOLDWYN) e CECIL B. DEMILLE (1881-1959), o grande produtor e diretor. O primeiro sucesso da sociedade foi Amor de índio (The squaw man, 1914).

Em 1916, a Feature Play fundiu-se com a Famous Players, de ADOLPH ZUKOR o que, em 1917, iria resultar na poderosa Paramount, onde Lasky tinha grande poder, até ser forçado a sair, por Zukor, em 1932, indo para a Fox como um produtor independente.

Entre suas produções, destacam-se: Sargento York (1941), As aventuras de Mark Twain (1944), Rapsódia Azul (1945), Sem reservas (1946), O milagre dos sinos (1948), entre outras. Sua autobiografia, I blow my own horn, foi publicada em 1957.

Acreditamos ter dado uma ideia bem abrangente do que foi a implantação da indústria cinematográfica nos Estados Unidos da América. Como se pôde verificar, os judeus imigrantes foram partes importantíssimas do processo, criando, em Hollywood, a América com que haviam sonhado. Os moguls do cinema já se foram, mas deixaram consolidada uma indústria que é a mais poderosa do mundo. O sonho hollywoodiano não acabou...

O CINEMA DOS EUA NA DÉCADA DE 1920

Após a implantação de Hollywood, a década de 1920 ressaltou o desenvolvimento gigantesco das principais indústrias que passaram a dominar a produção cinematográfica: Metro-Goldwin-Mayer, Paramount, Warner Bros, Fox, RKO, United Artists e First National.

Destacaram-se grandes diretores nacionais, como: David Wark Griffith, King Vidor, Harry Langdon, Clarence Brown, Henry King, William Wellman, Robert Flaherty e Frank Borzage, bem como o inglês Charles Spencer Chaplin – o grande criador de Carlitos – e outros diretores estrangeiros de grande talento que imigraram para os EUA: Ernst Lubitsch (Alemanha); Eric Von Stroheim (Áustria); Friedrich Wilhelm Murnau (Alemanha); Josef Von Sternberg (Áustria); Victor Sjöström (Suécia), que nos EUA adotou o nome de Victor Seastrom.

Só em 1920, foram produzidos 600 filmes de longa metragem. Em 1928, já era atingida uma quantidade equivalente à metade da produção mundial.

Estes são os principais filmes dos cineastas citados, no período:

–DAVID W. GRIFFITH (1875-1948): Horizonte sombrio (1920); Órfãs da tempestade (1922); América (1924);

–KING VIDOR (1894-1982): O grande desfile (1925); A turma (1928); Show people (1928); Aleluia (1929);

–HARRY LANGDON (1884-1944): O andarilho (1926); O homem forte (1926); O pinto calçudo (1927);

–CLARENCE BROWN (1890-1987): A Águia (1925); A carne e o Diabo (1926); Ouro (1927); Mulher de brio (1928);

–HENRY KING (1888-1982): Tol’able David (1921); Stella Dallas (1925);

–WILLIAM WELLMAN (1896-1975): Asas (1928);

–ROBERT FLAHERTY (1884-1951): Nanook, o esquimó (1922); Moana (1926);

–FRANK BORZAGE (1893-1962): Sétimo céu (1927);

–CHARLES CHAPLIN (1889-1977): O garoto (1921); Em busca do ouro (1925); O circo 1928;

–ERNST LUBITSCH (1892-1947): Rosita (1923); O círculo do casamento (1924); Paraíso proibido (1924); O leque de lady Margarida (1925); O príncipe estudante (1927); Alvorada do amor (1929);

–ERIC VON STROHEIM (1885-1957): Esposas ingênuas (1922); Ouro e maldição (1924); A viúva alegre (1925);

–F. W. MURNAU (1888-1931): Aurora (1927);

–JOSEF VON STERNBERG (1894-1969): Amor e sangue (1927); Docas de Nova York (1929);

–VICTOR SJÖSTRÖM (1879-1960): Lágrimas de palhaço (1924); Vento e areia (1928).

Entre as grandes divas da época, temos:

–Lílian Gish (1896-1993), cuja carreira prolongou-se até 1987, quando participou de As baleias de agosto, de L. Anderson;

–Gloria Swanson (1897-1983), atriz máxima da Paramount, que interrompeu sua carreira pouco tempo depois da chegada do cinema falado, só voltando a triunfar em 1950, com Crepúsculo dos deuses;

–Norma Talmadge (1893-1957), a “queridinha” de Hollywood, que se aposentou com o início do cinema falado, devido ao seu sotaque nasalado.

Entre os atores do período, o italiano Rodolfo Valentino (1895-1926) era a fantasia sensual de mulheres do mundo inteiro. Participou de filmes, como:

–Os quatro cavaleiros do Apocalipse (1921);

–O sheik (1921);

–Sangue e areia (1922);

–A Águia (1925);

–O filho do sheik (1926).

Stan Laurel (inglês – 1890-1965) e Oliver Hard (norte-americano – 1892-1957), “O gordo e o magro”, atingiram o máximo de popularidade quando formaram uma dupla, a partir de 1926. Já haviam trabalhado juntos em Lucky dog (1918).

HOWARD HAWKS (1896-1977) é outro grande nome que começa a produzir em 1926, com o filme O caminho para a Glória. Em 1928, lança Louise Brooks em Uma garota em cada porto (mais tarde, ela iria ser Lulu, a mulher fatal de A Caixa de Pandora, dirigido por G. W. Pabst).

WALTER ELIAS DISNEY (1901-1966), o rei do cinema animado, foi para Hollywood em 1922, após algumas tentativas em outras profissões. Um ano depois, funda o Disney Studio, juntamente com seu irmão Roy. De 1923 a 1926, começou a combinar desenho animado e atores em uma série: Alice no país dos desenhos animados. Em 1926/1927, cria seu primeiro personagem, o coelho Oswald. Mas o sucesso viria em 18.11.1928, data da estreia de Mickey Mouse, com o primeiro desenho sonoro do rato malandrinho: Steamboat Willie.

O ano de 1927 marca o início do cinema sonoro, com O cantor de jazz, de ALAN CROSLAND (1894-1936), que antes, em 1926, já produzira Don Juan, primeiro filme com uma música pós-sincronizada. Uma nova era que iria revolucionar todo o modo de produção e proporcionar inúmeros recursos aos cineastas, com grandes mudanças nos planos econômico, técnico, industrial e artístico, tornando os filmes mais atraentes. Mas os custos de produção aumentaram e um dos recursos da indústria foi dividir os programas de produção de filmes em gêneros. Os dois gêneros mais favorecidos foram a comédia musical e a comédia musicada, além do western – onde pontificou o mestre JOHN FORD –, caracterizando, nos anos seguintes, a produção norte-americana.

EUA, 1930/1939 – A DÉCADA DE GRANDES PRODUÇÕES

Com o advento do cinema sonoro, a partir de outubro de 1927, a produção americana experimentou uma nova era, com uma revolução no nível técnico, nas condições e nos métodos dos trabalhos dos estúdios.

Embora no início do sonoro a preferência dos realizadores fosse para o espetáculo musical, outros gêneros tiveram notável progresso, como a comédia (ligeira, sofisticada ou burlesca), o policial, a aventura, o romance, bem como filmes de guerra e de faroeste, além de adaptações de livros etc.

A recessão dos anos 1930, advinda do crash da Bolsa de Wall Street, em outubro de 1929, afetou, no início, os grandes produtores, com alguns reduzindo suas atividades em mais de cinquenta por cento. Foram feitos vários filmes de orçamento reduzido. Como havia problemas de aceitação, no exterior, dos filmes originais (legendas? Nem pensar!), provocando queda nas vendas, estes passaram a ter versões sonoras adequadas aos idiomas de destino.

Em novembro de 1933, Roosevelt é eleito e, com o apoio do povo, implanta o New Deal, política de reformas sociais e econômicas que iria promover lenta e contínua recuperação da economia norte-americana. Uma certa fantasia e conformismo marcou a produção cinematográfica durante os anos do New Deal.

No fim da década de 1930, a Polônia é invadida por Hitler e os americanos, que estavam saindo da depressão, têm em mãos outro problema: a II Guerra Mundial. Configurou-se, assim, uma ocasião ideal para a indústria do divertimento e do escapismo. O ano dourado da década é 1939, com vários clássicos imperdíveis.

A seguir, faremos um breve resumo dos melhores filmes.

A década se inicia timidamente em 1930 e o destaque fica apenas com o filme de Lewis Milestone, Sem novidade no front, adaptação cinematográfica do conto pacifista de Erich Maria Remarque, que conta a experiência e a desilusão de sete jovens soldados alemães, voluntários para lutar na I Guerra Mundial.

Em 1931, temos a obra-prima de Charles Chaplin, Luzes da Cidade, onde Carlitos fica apaixonado por florista cega e consegue, a duras penas, pagar a operação para devolver-lhe a visão; há, ainda, cenas antológicas de sua amizade com um milionário que o trata como amigo quando está bêbado e o escorraça quando está sóbrio. Filme mudo, em plena era do som, supera, em muitos pontos, o ganhador do Oscar do ano: Cimarron.

Outro filme de destaque, em 1931, é Frankenstein, de James Whale, clássico pioneiro de terror, baseado no romance de Mary Shelley. É uma obra com forte influência de filmes mudos do expressionismo alemão, notadamente O monstro de Barro (1920), além de Nosferatu (1922) e O gabinete do dr. Caligari (1919). Nele, Boris Karloff atinge o estrelato com a interpretação do monstro imprevisível e atormentado que às vezes causa medo, mas é digno de pena.

Uma obra-prima de 1931 é Tabu, de F. W. Murnau, filmado no Taiti em 1929. Casal de nativos tem seu amor interrompido quando a mulher é escolhida para ser consagrada aos deuses, passando a ser tabu para os homens. Murnau faleceu dias antes da estreia do filme. Segundo alguns, foi vítima de uma maldição do sacerdote do Taiti, que não gostou de algumas cenas que foram filmadas.

Tivemos, ainda, em 1931, um ótimo curta-metragem de Stan Laurel e Oliver Hardy (o gordo e o magro): Um amigo trapalhão.

Selecionamos seis destaques para 1932:

– Ladrão de alcova, de Ernst Lubitsch, sutil comédia sofisticada sobre um casal de ladrões que vê perigar sua relação quando aparece charmosa vítima;

– O fugitivo, de Mervyn Leroy, que, por sua conotação social, abalou a opinião pública, obrigando a reforma de muitos sistemas penitenciários; conta a história de um homem injustamente acusado de um crime (Paul Muni) que é condenado a trabalhos forçados, mas escapa e torna-se um criminoso para sobreviver;

– Ama-me esta noite, de Rouben Mamoulian, um dos mais benfeitos e encantadores musicais; mistura romance, comédia e sofisticação; trilha sonora com canções de Rodgers e Hart, na voz de Maurice Chevalier e Jeanette MacDonald;

– Uma loura para três, de Lowell Sherman, com a irreverente e opulenta loura Mae West (1892-1980), famosa por seus problemas com a censura, em mais um filme polêmico em que exalta suas qualidades e habilidades sexuais (alguns dizem que este filme acelerou a criação – pelos bispos americanos, por apelo do Papa – da Legião da Decência nos EUA);

– Grande Hotel, de Edmund Goulding, o ganhador do Oscar do ano, reuniu Greta Garbo, Joan Crawford, John Barrymore, Wallace Beery, Lionel Barrymore, Lewis Stone e outros em uma série de dramas interligados num hotel de Berlim onde “nada acontecia”...;

– “Entrega a domicílio” (sic), curta de Laurel e Hardy foi premiado com o Oscar da categoria.

Em 1933, destacamos sete filmes:

– King Kong, de Merian C. Cooper e Ernest B. Schoedsack, clássico de aventura, pioneiro na criação e uso de efeitos especiais, inigualáveis por décadas. Com uma clara analogia ao tema de A bela e a fera, tem sequências antológicas, como a luta do gigantesco macaco contra os aviões, no topo do Empire State Building;

– Diabo a quatro, de Leo McCarey, uma diversão garantida, com os Irmãos Marx em suas melhores cenas: Groucho é “Rufus T. Firefly”, primeiro-ministro da “Freedonia”, que declara guerra à vizinha “Sylvania”; Zeppo está impagável como seu ajudante-de-ordens; os irmãos Harpo e Chico figuram como espiões inimigos; notáveis sequências de humor, como a do espelho, a dos tiros e a da barraca de limonada, entre outras;

– Cavalgada, de Frank Lloyd, uma nostálgica reconstituição da vida de duas famílias inglesas, do final do século XIX até o início dos anos 1930 é uma dura crítica da guerra e dos sobressaltos dela advindos. Ganhou o Oscar de filme, diretor e decorações interiores;

– Rua 42, de Lloyd Bacon, musical sobre a Broadway que tem seu ponto alto na sensacional coreografia do mestre Busby Berkeley, foi indicado para o Oscar;

– Filhos do deserto, de William A. Seiter, considerado o melhor longa-metragem de Laurel e Hardy (o gordo e o magro). Stan e Ollie enganam as esposas, dizendo que vão para o Havaí a fim de curar uma doença em Ollie, mas, na verdade, vão para Chicago farrear em uma convenção exclusivamente masculina; só que elas descobrem a farsa e a encrenca começa...;

– Jantar às oito, de George Cukor, ótima comédia sofisticada, com grande elenco da constelação MGM, mostra a reunião de diferentes pessoas convidadas para um jantar de sociedade e os diálogos daí resultantes; Jean Harlow, a “platinum blonde”, destacou-se por sua atuação. O filme teve um remake para a TV a cabo, em 1989, com Lauren Bacall;

– Quatro irmãs, de George Cukor, cativante adaptação cinematográfica do romance de Louisa May Alcott, conta as aventuras de quatro jovens na Nova Inglaterra, durante a Guerra Civil Americana. Ganhou o Oscar de melhor roteiro adaptado.

Temos quatro destaques para o ano de 1934:

– Aconteceu naquela noite, de Frank Capra, clássica comédia romântica, foi o primeiro filme a ganhar os cinco principais Oscar: filme, ator, atriz, diretor e roteiro; rica (e mimada) herdeira (Claudette Colbert) foge de casa, conhece num ônibus um tipo bonitão (Clark Gable), viajam pelo país e ela vai apaixonando-se e descobrindo a vida, sem saber que ele é um repórter e pretende escrever sobre a história de sua fuga;

– Suprema conquista, de Howard Hawks, comédia amalucada: diretor egomaníaco transforma caixeira em grande estrela do teatro; no auge da carreira, ela o deixa; numa viagem de trem, onde se encontram novamente, ele faz tudo que está ao seu alcance para tê-la de volta;

– Rainha Christina, de Rouben Mamoulian; Greta Garbo, em excepcional forma, personifica a rainha da Suécia que, no século XVII, renuncia ao trono para viver com o embaixador espanhol, seu amante;

– A ceia dos acusados (The Thin Man), de W. S. Van Dyke, filme policial que mistura comédia e mistério, inspirado em história de Dashiell Hammett. Seu sucesso inspirou uma série de cinco filmes – não tão bons quanto o primeiro –, baseados na mistura de comédia pastelão e mistério: After the Thin Man (1936), Another Thin Man (1939), Shadow of the Thin Man (1941), The Thin Man goes home (1944) e Song of the Thin Man (1947); detetive pinguço e esposa bêbada piadista são os protagonistas da série.

Foram selecionados sete filmes em 1935:

– O grande motim, de (Frank Lloyd), adaptação do romance de Charles Nordhoff e James Norman Hall sobre o motim contra o sádico, provocador e tirânico capitão Bligh (Charles Laughton, em espetacular atuação), numa viagem do HMS Bounty pelos mares do sul; foi o ganhador do Oscar do ano;

– David Copperfield, de George Cukor; baseado no romance de inspiração autobiográfica de Charles Dickens, lançado em 1849, este filme reúne um elenco brilhante, perfeita reconstituição de época, ótima fotografia e fiel roteiro; relata a mudança na vida do jovem David, que vivia feliz ao lado da mãe viúva, até ela casar-se novamente;

– Uma noite na ópera, de Sam Wood; os Irmãos Marx, desta vez entrando no mundo da ópera, em comédia que alguns críticos consideram como a melhor do trio; aqui, eles batalham para lançar um cantor desconhecido, destroçam um teatro, viajam clandestinamente em um navio etc. Diálogo no navio: – “É permitida gorjeta neste navio?” – “Sim, senhor”. – “Você tem duas moedas de cinco centavos?”  – “Sim, senhor”. – “Então não precisa dos dez centavos que eu ia lhe dar”. E por aí vai...;

– O Picolino, de Mark Sandrich; a dupla Fred Astaire e Ginger Rogers em outro excelente musical com belos números de dança e canto, como Cheeck to cheeck, Piccolino, Top hat, White tie and tails e Isn’t this a lovely day to be caught in the rain, além de outras canções de Irving Berlin;

– A noiva de Frankenstein, de James Whale; continuação, à altura, do clássico Frankenstein, de 1931; o fúnebre barão, agora obcecado na criação de uma companheira para o monstro. Boris Karloff novamente em excelente atuação;

– Lanceiros da Índia, de Henry Hathaway, obra-prima do filme de aventuras extravagantes, passada em Bengala, império britânico construído no noroeste da Índia; filme cheio de ação, com maravilhosos cenários; embora seja uma obra fantasista, a diversão é garantida;

– Anna Karenina, de Clarence Brown, versão luxuosa do romance de Leon Tolstoi, passado na Rússia do século XIX; Greta Garbo faz a linda mulher casada que enfrenta os maiores riscos por sua paixão proibida, desafiando as regras da sociedade da época.

Destacamos apenas quatro filmes em 1936:

– Tempos modernos, de Charles Chaplin, genial sátira sarcástica sobre a industrialização, a desumanização e a luta pela sobrevivência na sociedade moderna dos tempos da depressão; crítica, também, ao descaso com que são tratados os operários e os deserdados da vida; obra-prima com cenas inesquecíveis, como a da linha de montagem da fábrica e a em que Carlitos é tido como líder grevista ao pegar uma bandeira vermelha que havia caído de um caminhão. Último filme de Chaplin sem diálogos; são dele, ainda, o roteiro, a história e a música (Smile, a canção-tema, tornou-se imortal);

– Ritmo louco, de George Stevens, figura entre os melhores musicais da dupla Fred Astaire e Ginger Rogers; canções inesquecíveis de Jerome Kern e Dorothy Fields, como: Pick yourself up, A fine romance e a vencedora do Oscar, The way you look tonight;

– O galante mr. Deeds, de Frank Capra, mostra a moral e a decência de um poeta do interior que pretende fazer, para pessoas carentes, a doação da herança de vinte milhões de dólares que recebeu; o filme pretende fazer a defesa dos valores sociais numa época em que os EUA estavam procurando consertar sua situação econômica; em Portugal, o filme ficou com o nome de “Doido com juízo”...;

– Fogo de Outono, de William Wyler, ótima adaptação da obra de Sinclair Lewis, Dodsworth, de 1929, que conta a história de industrial americano de meia-idade que vai para a Europa com a esposa e ali encontra novos valores e novas amizades.

Cinco filmes se destacaram em 1937:

– Branca de Neve e os sete anões, de Walt Disney; baseado num conto dos irmãos Grimm, este é o primeiro longa-metragem de animação; custou 700 mil dólares e teve na produção uma equipe de 570 artistas que o redesenharam cerca de cinco vezes em busca da perfeição; sucesso mundial pioneiro, ganhou um Oscar especial;

– Emile Zola, de William Dieterle, considerado o melhor dos filmes biográficos dos anos 1930; exata biografia do famoso escritor francês do século XIX, desde sua juventude até a velhice; sua luta contra a injustiça e sua defesa do capitão Alfred Dreyfus, vítima do antissemitismo e erroneamente exilado sob a falsa acusação de traição; ganhou o Oscar de filme, roteiro e ator coadjuvante;

– Marujo intrépido, de Victor Fleming; baseado no livro de Rudyard Kipling, Capitães corajosos, de 1897, conta a história de um menino rico e mimado que cai de um navio, é resgatado por um pescador português, passa a viver o dia-a-dia dos pescadores e começa a moldar sua personalidade; notável interpretação de Spencer Tracy como Manuel, o pescador português, o que lhe valeu seu primeiro Oscar;

– Horizonte perdido, de Frank Capra, adaptação do best-seller de James Hilton, de 1933, conta a história de cinco fugitivos da Guerra da China cujo avião cai numa isolada região do Tibete onde encontram Shangri-La, um paraíso utópico onde reina a paz, a saúde, a longevidade e a felicidade; filme ganhou o Oscar de cenários;

– O prisioneiro de Zenda, de John Cromwell, a melhor versão do romance de Anthony Hope (já adaptado em filmes de 1914 e 1922 e, após, em 1952 e 1979); inglês (Ronald Colman) é obrigado a se fazer passar pelo rei da Ruritânia – seu primo que fora sequestrado –, mas se apaixona pela princesa (Madeleine Carrol); ótima atuação de Douglas Fairbanks Jr. como o vilão Rupert; o filme conta com boas lutas de esgrima, além de belos vestuários e cenários.

No ano de 1938, ressaltamos os seguintes:

– Do mundo nada se leva, adaptação de um sucesso da Broadway, é um peculiar filme de Frank Capra, que procura, de modo bem-humorado, uma mistura de idealismo e sentimentalismo, mostrando a revolução que se processa na família de dois namorados que anunciam seu desejo de casar; ganhou os Oscar de filme e diretor;

– Levada da breca, de Howard Hawks, considerada, por muitos, a melhor comédia dos anos 1930; uma herdeira provocante e louca (Katharine Hepburn em sua primeira atuação como comediante) tem um leopardo de estimação, “Baby”; Cary Grant é o confuso e distraído zoólogo; caos total e ação intensa;

– As aventuras de Robin Hood, de Michael Curtiz e William Keighley, é um dos melhores filmes do gênero, numa versão clássica da famosa lenda dos livros de sir Walter Scott; a história, por todos conhecida, tem Errol Flynn no papel principal, Basil Rathbone como o maquiavélico xerife de Nottingham, Claude Rains como o príncipe João, Olivia de Haviland como o amor de Robin, Lady Marian, e Ian Hunter como o rei Ricardo Coração de Leão.

1939, o ano de ouro da década, teve os seguintes destaques:

– No tempo das diligências, o clássico impecável de John Ford que inspirou e serviu de modelo a muitos outros filmes de faroeste, mostra o tenso relacionamento de heterogêneo grupo de passageiros de uma diligência e o contraste entre suas classes e valores sociais, em viagem por um território hostil, infestado de índios apaches, que acabam por atacá-los;

– ...E o vento levou, de Victor Fleming; em quase quatro horas de filme (222 minutos), a saga da bela e decidida sulista Scarlett O’Hara, por ocasião da Guerra Civil americana. Uma epopeia romântica meticulosamente produzida por David O. Selznick, com trilha sonora memorável; ganhou os Oscar de filme, diretor, roteiro, fotografia, atriz (Vivien Leigh), atriz coadjuvante (Hattie McDaniel), montagem e direção de arte;

– O mágico de Oz, de Victor Fleming, fantástica e encantadora fantasia musical com inesquecível trilha sonora e excelentes efeitos especiais; a história “além do arco-íris” da menina que é levada da casa dos tios por um ciclone para a lendária Terra de Oz, onde encontra o Homem de Lata, o Espantalho e o Leão Medroso; filme revelou o talento de Judy Garland e ganhou os Oscar de melhor canção (Over the rainbow) e trilha sonora; “Um perfeito elenco na perfeita fantasia”, segundo Leonard Maltin, em seu Movie and video guide, edição 2001;

– A mulher faz o homem, de Frank Capra; político honesto e idealista (James Stewart) é enviado a Washington e consegue derrotar um corrupto membro do Senado americano (Claude Rains); exaltação aos valores da decência e da honestidade que guarda certa relação com a história de O galante mr. Deeds (1936), do mesmo diretor e com Gary Cooper como protagonista;

– Ninotchka, de Ernst Lubitsch, comédia sofisticada, primeira de Greta Garbo e que ficou famosa pela propaganda da MGM, na época, que dizia: “Garbo ri”; é uma crítica espirituosa aos regimes totalitários; Garbo faz a fria agente russa que vai para Paris em busca de três comissários de seu país, mas acaba se rendendo aos encantos de matreiro conde playboy (Melvin Douglas), que está atrás das joias de uma grã-duquesa (Ina Claire), também procuradas pelos três funcionários soviéticos; esta obra foi refilmada como comédia musical em 1957, com o título de Meias de seda, último filme de Rouben Mamoulian;

– Atire a primeira pedra, de George Marshall, faroeste satírico e divertido onde se misturam drama, música e comédia; xerife (James Stewart) pretende limpar tumultuada cidade sem empregar violência e envolve-se com turbulenta dona de um saloon (Marlene Dietrich);

– Gunga Din, de George Stevens, grande clássico do cinema de aventura cômica, baseado em poema de Rudyard Kipling; na Índia do século XIX, as aventuras de três soldados ingleses que enfrentam nativos hindus, ajudados por um carregador de água (Gunga Din);

– O morro dos ventos uivantes, de William Wyler, foi eleito o filme do ano, pela Associação de Críticos de Nova York, o que é um grande feito, devido às ótimas produções do período; considerado a melhor adaptação da obra-prima de Emily Brontë (o maior romance do Romantismo inglês), mostra a trágica e violenta história de amor passada numa casa açoitada por ventos na Inglaterra pré-Vitoriana.

Além desta seleção, outros bons filmes da década foram:

–1930: Os galhofeiros (direção de Victor Heerman), Anna Christie (dir. Clarence Brown), Anjos do Inferno (dir. Howard Hughes), Alma do lodo (Mervyn Le Roy), Marrocos (Josef Von Sternberg);

–1931: O campeão (King Vidor), Drácula (Tod Browning), A última hora (Lewis Milestone), O inimigo público (William Wellman);

–1932: Vítimas do divórcio (George Cukor), O médico e o monstro (Rouben Mamoulian), Monstros (Tod Browning), Os gênios da pelota (Norman Z. McLeod), Terra de paixões (Victor Fleming), Scarface – A vergonha de uma nação (Howard Hawks); A múmia (Karl Freund);

–1933: Voando para o Rio (Thornton Freeland), Belezas em revista (Lloyd Bacon), Cavadoras de ouro (Mervin Le Roy), Santa não sou (Wesley Ruggles), O homem invisível (James Whale);

–1934: Mulheres e música (Ray Enright), Alegre divorciada (Mark Sandrich); O gato preto (Edgar G. Ulmer); A patrulha perdida (John Ford);

–1935: O delator (John Ford), Capitão Blood (Michael Curtiz); Duas almas se encontram (Howard Hawks);

–1936: Fúria (Fritz Lang), Floresta petrificada (Archie Mayo), A cidade do pecado (W.S. Van Dyke), O prisioneiro da Ilha dos Tubarões (John Ford), Irene, a teimosa (Gregory La Cava); Lloyds de Londres (Henry King); Sossega leão (Our relations, curta de Laurel e Hardy);

–1937: A dama das camélias (George Cukor), Nasce uma estrela (William Wellman), Uma dupla do outro mundo (Norman V. McLeod), Um dia nas corridas (Sam Wood), Beco sem saída (William Wyler), Nada é sagrado (William A. Wellman); Dois caipiras ladinos (curta de Laurel e Hardy);

–1938: A ceia dos veteranos (John G. Blystone), Anjos de cara suja (Michael Curtiz), A patrulha da madrugada (Edmund Goulding), Boêmio encantador (George Cukor), Jezebel (William Wyler), Belinda (Jean Negulesco);

–1939: Beau geste (William A. Wellman), Adeus, mr. Chips (Sam Wood), Vitória amarga (Edmund Goulding), O cão dos Baskervilles (Sidney Lanfield), O corcunda de Notre Dame (William Dieterle), A mocidade de Lincoln (John Ford), Ao rufar dos tambores (John Ford) e Intermezzo, uma história de amor (Gregory Ratoff).

OS GRANDES FILMES NORTE-AMERICANOS DA DÉCADA DE 1940

Prosseguindo nosso estudo sobre a produção cinematográfica dos EUA, selecionamos os melhores filmes do período 1940/1949.

Em 1940, temos oito destaques:

– As vinhas da ira (John Ford): baseado em um romance de John Steinbeck, mostra a história de uma família de camponeses pobres que é forçada a abandonar suas terras, no solo seco do Meio-Oeste, e sua dura viagem para os vales da Califórnia, em busca de trabalho, durante a Depressão nos EUA. Um retrato dos problemas sociais ocasionados naquele período difícil, como tão bem soube expor Steinbeck em seus romances;

– Rebecca, a mulher inesquecível (Alfred Hitchcock): primeiro filme americano de Hitchcock. Bela produção do romance gótico de Daphne du Maurier. Garota tímida se casa com um nobre britânico, dono de enorme mansão e passa a ser atormentada pela cruel e sinistra governanta, que cultua a memória da primeira esposa de seu patrão, Rebecca. Oscar de filme e fotografia;

– O turbulento (The bank dick): clássica comédia dirigida por Edward Cline, um especialista do burlesco, e com W.C. Fields como ator e roteirista (sob o pseudônimo de “Mahatma Kane Jeeves”). Irresponsável e preguiçoso elemento consegue, acidentalmente, interromper um assalto e capturar o ladrão. É contratado como guarda de um banco e tira um proveito nada elogiável disso;

– Núpcias de escândalo (George Cukor): comédia amalucada, baseada em peça da Broadway escrita por Philip Barry, sobre as atribulações de uma socialite (Katharine Hepburn) que, após separar-se do marido beberrão (Cary Grant), está disposta a casar-se com um puritano. Tudo se complica quando o ex-marido reaparece junto com um repórter falastrão (James Stewart) e uma fotógrafa (Ruth Hussey). A brilhante atuação de Stewart em seu inusitado papel levou-o a conquistar o Oscar de melhor ator. Filme teve uma versão musical em 1956: Alta sociedade, com Grace Kelly em sua última atuação;

– Orgulho e preconceito (Robert Z. Leonard): comédia de costumes em notável, inteligente e fiel adaptação da obra-prima homônima da romancista inglesa Jane Austen (1775-1817), publicada em 1813, que conta a história de cinco irmãs à procura de marido, na sociedade provinciana dos anos 1800. Excelente elenco, com destaque para Laurence Olivier, no papel do janota mr. Darcy, e Greer Garson como a espirituosa Elizabeth Bennett. Um dos roteiristas foi Aldous Huxley, o célebre escritor inglês, autor de O admirável mundo novo, de 1932.

No ano de 1940, tivemos, também, duas grandes realizações dos Estúdios Disney, ambas sob a supervisão de produção de Ben Sharpsteen:

– Fantasia, agradável e criativa combinação de desenho animado e música erudita, um bom instrumento para levar as crianças ao conhecimento e gosto pela boa música. Trilha sonora com a Orquestra de Filadélfia, sob a regência de Leopold Stokowski;

– Pinóquio, baseado na célebre obra do escritor e jornalista italiano Carlo Callodi (1826-1890), As aventuras de Pinocchio, de 1880, uma fantasia pedagógica que mostra a transformação de um pequeno boneco de madeira em um menino de verdade e seus problemas com o aprendizado da vida. Obra-prima de animação que contribuiu para a popularização da cativante história e seus personagens: o “pai” Gepeto, o grilo falante, a raposa “João Honesto” etc. Na trilha sonora de belas canções, destaca-se When you wish upon a star, ganhadora do Oscar.

Outras boas produções do ano de 1940, que merecem ser vistas, foram: Jejum de amor (Howard Hawks); O grande ditador (Charles Chaplin); O galante aventureiro (William Wyler); Correspondente estrangeiro (Alfred Hitchcock); A marca do Zorro (Rouben Mamoulian); A carta (William Wyler); A longa viagem de volta (John Ford); Bandeirantes do Norte (King Vidor).

No ano de 1941, também tivemos grandes produções, com destaque para:

– Cidadão Kane (Orson Welles): extraordinário filme, baseado na carreira do magnata e jornalista William Randolph Hearst. Descrito por Welles como “o retrato da vida privada de um homem público”, o filme causou escândalo logo após o seu lançamento, em 1o de maio de 1941, devido às inúmeras semelhanças satíricas e maliciosas entre o protagonista do filme (Kane) e o milionário Hearst, proprietário de mais de 100 jornais nos EUA. Hearst tentou destruir o filme, chegando a oferecer mais de 800 mil dólares à RKO, para queimar os negativos. Além disso, ainda processou Welles. Nada adiantou; não conseguiu impedir a exibição de uma das melhores obras do cinema, que mostra, com sensibilidade e inteligência, a transformação do ambicioso cidadão “Charles Foster Kane”, desde o seu início como dono de um pequeno jornal, que adotaria uma linha editorial sensacionalista e seria o ponto de partida para a criação de um verdadeiro império jornalístico, com poder de influenciar a opinião pública. Com uma narrativa não linear, o filme começa mostrando a morte solitária do magnata em sua mansão. Sua última palavra é “rosebud”, mistério que posteriormente um repórter tenta investigar. Seria a evocação nostálgica de uma infância perdida? Rosebud (botão de rosa) era o nome do trenó em que Kane passeava quando criança. Ironicamente, “rosebud” era o eufemismo que Hearst utilizava, carinhosamente, para se referir ao sexo de sua amante... O filme teve nove indicações para o Oscar, mas só levou o de melhor roteiro. Em 1970, a Academia de Hollywood quis reparar o erro, oferecendo um Oscar honorífico a Welles, pelo conjunto de sua obra, mas o cineasta recusou-se a ir à cerimônia, ressaltando a incongruência de tal medida;

– Como era verde o meu vale (John Ford), ganhador de cinco Oscar: filme, diretor, ator coadjuvante (Donald Crisp), fotografia e direção de arte. Com um belo cenário e excelente direção, mostra as alegrias e tristezas de uma família de mineradores de carvão no País de Gales;

– Relíquia macabra (John Huston), cult movie do gênero noir, baseada na novela policial “O falcão maltês”, de Dashiell Hammett (1894-1961), conta a história de um grupo de pessoas gananciosas em busca da valiosa estatueta de um falcão negro, que conteria em seu interior um tesouro fabuloso. Excepcional performance de Humphrey Bogart como o duro detetive particular Sam Spade e excelentes atuações de Peter Lorre (como o ambíguo Joel Cairo), Mary Astor (a cliente) e Elisha Cook Jr. (a neurótica Wilmer);

– Contrastes humanos (Preston Sturges): bem-sucedido diretor de cinema, cansado de fazer comédias leves durante a Depressão, resolve realizar um drama pretensioso sobre a questão social; um filme sério, retratando a dura realidade da vida. Vai à luta, com dez cents no bolso, em busca do que considera “o mundo real”, mas é assaltado, acusado de homicídio e preso. Na prisão, descobre que, na realidade, algumas pessoas preferem a diversão à política, pois isso é tudo que elas possuem na vida. Mais profundo do que parece, esta mistura de comédia pastelão e drama é considerada um marco na história de Hollywood;

– Que espere o céu (Alexander Hall): ótima comédia fantástica. Lutador (Robert Montgomery) é vítima de acidente de avião e enviado para o céu antes da hora. Deve retornar a Terra, mas descobre que seu corpo já estava cremado, sendo forçado a encarnar em outro. Elenco perfeito e atuações de primeira. Refilmado em 1978, por Warren Beatty, com o título O céu pode esperar, inferior ao original, mas bem divertido;

– Dumbo (Ben Sharpsteen): indicado para crianças e adultos, este clássico desenho animado dos Estúdios Disney é uma de suas mais belas obras. Cenas maravilhosas e sentimentais, mostrando a história do elefantinho que é humilhado no circo por causa de suas orelhas enormes. Ganhou o Oscar de melhor trilha sonora, que contém ótimas canções como Pink elephants on parade e Baby mine.

Outros bons filmes de 1941 que merecem ser vistos são: As três noites de Eva (Preston Sturges), Pérfida (William Wyler), Sargento York (Howard Hawks), Adorável vagabundo (Frank Capra), O lobisomem (George Waggner), O homem que vendeu a alma (William Dieterle), Adivinhe quem vem para jantar? (William Keighley), O diabo e a mulher (Sam Wood) e O homem que quis matar Hitler (Fritz Lang).

Em 1942, os filmes acima da média foram:

– Casablanca (Michael Curtiz) – Obra-prima. Sério candidato a melhor filme hollywoodiano de todos os tempos. Tem de tudo: romance, suspense, intriga, aventura etc. Dono de bar em Casablanca (Humphrey Bogart) reencontra, durante a II Guerra Mundial, mulher com quem manteve intenso romance (Ingrid Bergman), mas ela está casada com um líder da resistência (Paul Henreid). Num gesto nobre, sacrifica seu amor pela causa, ajudando o casal a escapar do local. Dooley Wilson interpreta o pianista Sam, que toca a inesquecível As time goes by. Oscar de filme, roteiro adaptado e diretor;

– Soberba (Orson Welles): brilhante drama, baseado em um romance de Newton Booth Tarkington (1869-1946), “Os magníficos Ambersons”, de 1918, ganhador do Prêmio Pulitzer. Embora remontado pelos produtores à revelia de Welles (quando ele estava no Brasil para filmar dois episódios de É tudo verdade), o filme mantém o notável plano técnico de Cidadão Kane, com utilização de planos-sequência e profundidade de campo (foco total – sem desfocar o fundo para mostrar o primeiro plano, ou vice-versa). A obra, outro aspecto do modo de vida americano, mostra o declínio financeiro e a desintegração de orgulhosa e rica família de uma pequena cidade, no início do século XX, com os conflitos daí resultantes;

– Ídolo, amante e herói (Sam Wood): considerado o melhor filme de beisebol, uma ótima biografia do astro dos Yankees, Lou Gehrig (Gary Cooper em excelente atuação). Símbolo de saúde, energia e constância – Lou jamais esteve ausente de um jogo –, sucumbe, entretanto, a uma atroz doença dos músculos. Sequência final emocionante onde, moribundo, se despede com um discurso no Yankee Stadium e é ovacionado. Destaque, ainda, para Teresa Wright, no papel da devotada esposa de Lou;

– Bambi (David Hand, supervisor): clássico desenho dos Estúdios Disney, com tudo para agradar a crianças e adultos. A trama é cheia de aventura, drama, comédia, tragédia, ternura e humor. O cervo Bambi, órfão de mãe, suas amizades com outros animais, os perigos da floresta (como o aterrorizante incêndio) e seu aprendizado sobre as coisas da vida, ao longo das quatro estações do ano. Uma lição para as crianças (e adultos), com uma mensagem em favor dos animais, no sentido de serem tratados de uma forma mais carinhosa e humana;

– Rosa da esperança (William Wyler): feito em plena II Guerra Mundial, um filme que teve o poder de levantar o brio do público americano. Dona-de-casa de família de classe média inglesa que aprende a lutar com a guerra, parando seus afazeres apenas para capturar um piloto nazista enquanto o marido resgata a BEF (Força Expedicionária Britânica), em Dunquerque, onde também estavam encurraladas dez divisões do I exército francês e o exército belga. Oscar de filme, diretor e atriz (Greer Garson), entre outros.

Em 1942, tivemos, ainda, A canção da vitória, de Michael Curtiz, superpatriótica e ufanista biografia de um teatrólogo norte-americano, com James Cagney em dinâmico desempenho como dançarino, ator e cantor, o que lhe valeu o Oscar do ano.

Outros bons filmes de 1942 foram: Ser ou não ser (Ernst Lubitsch), Bonita como nunca (William A. Seiter), Em cada coração um pecado (Sam Wood), Mulher de verdade (Preston Sturges), A incrível Suzana (Billy Wilder), Estranha passageira (Irving Rapper), A mulher do dia (George Stevens) e A sedução do Marrocos (David Butler).

Em 1943, não tivemos filmes excepcionais. Com os EUA envolvidos em sua mais dispendiosa guerra, no combate às forças do Eixo (aliança entre a Alemanha hitlerista e a Itália fascista) e seus aliados: Japão, Hungria, Bulgária e Romênia, os reflexos foram sentidos na produção cinematográfica. Tivemos alguns bons filmes, com destaque para:

– Consciências mortas (William Wellman): intenso drama sobre a violência das turbas do Velho Oeste. Após o assassinato de um fazendeiro, um bando toma as leis em suas próprias mãos e promove o linchamento de três forasteiros inocentes que haviam capturado, provocando protestos. Filme hoje considerado clássico, embora não tenha tido sucesso quando lançado;

– A canção de Bernadette (Henry King): adaptação da biografia romanceada de mesmo nome, de 1941, do escritor austríaco Franz Werfel (1890-1945), sobre a camponesa francesa Bernadette Soubirous (1844-1879), que aos 14 anos, de 11 de fevereiro a 16 de julho de 1858, teve por 18 vezes a visão da Virgem (Imaculada Conceição) – o que deu origem às peregrinações a Lourdes (Fr) – e que foi canonizada em 1933. Filme longo, com 156min de duração, realça, de modo sentimental, os poderes da fé. Ganhou quatro Oscar: atriz (Jennifer Jones), trilha sonora (Alfred Newman), fotografia (Arthur Miller) e direção de arte. Linda Darnell aparece como a Virgem Maria, mas não consta dos créditos do filme.

Outros filmes de 1943 de boa qualidade são: Cinco covas no Egito (Billy Wilder), O diabo disse não (Ernst Lubitsch), Por quem os sinos dobram (Sam Wood) e A sombra de uma dúvida (Alfred Hitchcock).

Passado o impacto inicial das consequências da II Guerra Mundial, a produção de bons filmes nos EUA começa a ter um incremento em 1944, com sete destaques:

– O bom pastor (Leo McCarey): história sentimental de um jovem padre que é designado para a paróquia de um bairro pobre de Nova York e cujas ideias avançadas entram em choque com o conservadorismo ali existente. Oscar de filme, diretor, ator (Bing Crosby), ator coadjuvante (Barry Fitzgerald) e canção (Swinging on a star);

– Agora seremos felizes (Vincente Minnelli): sentimental, cativante e nostálgico musical que retrata as experiências de uma família, desde o verão de 1903 até a primavera de 1904, captando bem o clima da época. Belas canções na voz de Judy Garland, como: The trolley song e Have yourself a merry litttle Christmas. Margaret O’Brien (1938-), na época a mais popular estrela infantil dos EUA, encanta como Tootie, a irmã caçula de Garland, roubando a atenção do expectador em todas as cenas de que participa;

– Papai por acaso (Preston Sturges): comédia do tempo em que não havia exame de DNA. Filmada em 1942, somente foi liberada pela censura em 1944. Betty Hutton é “Trudy Knockenloker”, que fica grávida e esquece com qual soldado se casou. Farsa atrevida que escarnece valores da sociedade americana na época da guerra;

– Herói de mentira (Preston Sturges): fuzileiro naval é dispensado por problemas de saúde e se sente constrangido em comunicar o fato ao seu pai, velho herói da I Guerra. Seus amigos conseguem fazer a cidade em que nasceu acreditar que ele é um herói e ele é lançado como candidato à prefeitura. Outra sátira de Sturges passada durante a época da II Guerra;

– Pacto de sangue (Billy Wilder): clássico do filme noir, baseado em um romance de James Mallahan Cain (1892-1977). Agente de seguros (Fred MacMurray), apaixonado por atraente e intrigante mulher (Barbara Stanwyck), concorda em ajudá-la a matar seu marido para poderem receber o dinheiro do seguro, mas a coisa se complica com a entrada em cena de um perito investigador (Edward G. Robinson). Filme um pouco ousado para a época teve várias indicações para o Oscar;

– A mocidade é assim mesmo (Clarence Brown): garota determinada (Elizabeth Taylor) resolve participar do grande prêmio equestre da Inglaterra, o famoso Grand National Steeplechase. Para tanto, se disfarça de menino, com a ajuda de um jóquei (Mickey Rooney) que lhe dá apoio e a auxilia no treinamento do seu cavalo. Com grande atuação de Taylor e Rooney, coadjuvados por um perfeito elenco, o filme tem uma corrida de cavalos que é considerada uma das melhores que o cinema já produziu. Oscar de melhor atriz coadjuvante para Anne Revere, que faz o papel da sofrida mãe da jovem amazona;

– Laura (Otto Preminger): clássico inovador do gênero noir. Planejado, inicialmente, por Rouben Mamoulian, que se desentendeu com a FOX e foi substituído por Preminger, o filme ganhou o Oscar de melhor fotografia, embora merecesse, também, o de melhor trilha sonora, considerada, até hoje, uma das mais perfeitas. Fascinante história de mistério e desejo, sucesso de crítica e de público: Gene Tierney é Laura, uma mulher que teria sido morta. Cabe a um detetive obcecado (Dana Andrews) o esclarecimento do mistério. Tudo se passa no requintado mundo da alta sociedade nova-iorquina, que tem até um cínico e excêntrico colunista (Clifton Webb) e personagens ambíguos. Atuação soberba de Vincent Price e Dame Judith Anderson, como os suspeitos do crime.

Outros bons filmes de 1944 que constituem um bom entretenimento são: – Um retrato de mulher (Fritz Lang); – O solar das almas perdidas (Lewis Allen); – Este mundo é um hospício (Frank Capra); – Um barco e nove destinos (Alfred Hitchcock); – Uma aventura na Martinica (Howard Hawks).

O ano de 1945 teve dois grandes destaques:

– Farrapo humano (Billy Wilder): um drama profundo sobre o alcoolismo e suas consequências. Excelente performance de Ray Milland no papel de um escritor que, dominado pelo vício, chega a ponto de penhorar sua máquina de escrever para comprar bebida e, também, roubar. Oscar de filme, diretor, ator (Milland) e roteiro;

– Fomos os sacrificados (John Ford): dramático relato do heroísmo e tragédia de um esquadrão de “PT-boats” americano em sua luta contra os japoneses, nas Filipinas, logo após o ataque a Pearl Harbor; de dezembro de 1941 até abril de 1942. Baseado em fatos reais ocorridos com os tenentes John Bulkeley e Robert Kelly, depois premiados com a Medalha de Honra e a Cruz da Marinha, respectivamente.

Outros bons filmes de 1945 que merecem ser vistos são: – O retrato de Dorian Gray (Albert Lewin); – Quando fala o coração (Alfred Hitchcock); – O túmulo vazio (Robert Wise); – Um punhado de bravos (Raoul Walsh); – Alma em suplício (Michael Curtiz); – Um passeio ao sol (Lewis Milestone).

Em 1946, Os melhores anos de nossas vidas, de William Wyler, clássico ganhador de sete Oscar, conta a história de três pracinhas que voltam ao lar após a II Guerra Mundial e suas tentativas de adaptar-se à vida civil. Comovente drama sobre os problemas decorrentes dos horrores da guerra. Harold Russel, que perdera realmente as mãos na guerra, tem uma participação extraordinária, lutando para superar sua deficiência física. Oscar de filme, diretor, ator (Fredric March), montagem, ator coadjuvante (Russel), roteiro e trilha sonora.

Entretanto, em 1946, tivemos grandes filmes, capazes de competir à altura com o ganhador do Oscar, como:

– A felicidade não se compra (Frank Capra): excelente fantasia do mestre Capra, considerada por ele como o seu melhor filme. Dentro do estilo capriano de que as boas ações e sentimentos são sempre dignos de recompensa, características já expostas em filmes anteriores, o diretor enfatiza o idealismo, o sacrifício pessoal em prol do coletivo, a inocência, o otimismo, a solidariedade, o heroísmo e a bondade, entre tantas outras virtudes do ser humano. George Bailey, um homem decente e bondoso (James Stewart), assume, após a morte de seu pai, o controle de uma empresa, angariando, em contrapartida, um cruel inimigo: o ambicioso e inescrupuloso banqueiro Potter (Lionel Barrymore). Enquanto o banqueiro explora os mais pobres, Bailey os ajuda. Ao se ver sufocado por problemas financeiros, talvez causados por sua própria generosidade, Bailey resolve suicidar-se, mas é salvo por um anjo (Henry Travers), que lhe mostra como o mundo seria se ele não tivesse existido e o encoraja a enfrentar os problemas;

– Paixão dos fortes (John Ford): um dos grandes filmes do mestre do faroeste. Versão nostálgica da história do lendário xerife de Tombstone (Arizona), Wyatt Earp (Henry Fonda em sua melhor atuação no gênero) e do seu amigo Doc Holliday (Victor Mature) que, juntos, participam do famoso duelo com os bandidos da família Clanton, em OK Corral. A canção do filme, My darling Clementine, tornou-se célebre. Em 1957, John Sturges também filmou a saga do xerife Earp em “Sem lei e sem alma” (Gunfight at the OK Corral), um bom espetáculo, com Burt Lancaster e Kirk Douglas nos principais papéis;

– O destino bate à sua porta (Tay Garnett): clássico filme noir com Lana Turner no seu melhor papel. Baseado num romance de 1934 de James Mallahan Cain (1892-1977), especialista em histórias de suspense e violência – que reclamou das mudanças feitas no filme para adaptar-se às exigências da censura do Hays Office –, mostra o drama do casal de amantes (Lana Turner/John Garfield) que planeja a morte do marido traído (Cecil Kellaway). Em 1981, com a censura mais abrandada, foi feita uma versão mais explícita da história de Cain, com cenas de sexo e violência, tendo como protagonistas Jessica Lange e Jack Nicholson, sob a direção de Bob Rafelson, mas sem o mesmo vigor da original;

– À beira do abismo (Howard Hawks): obra-prima para quem gosta de filme noir com trama complexa. Esplêndida adaptação de O sono eterno, primeiro romance policial de Raymond T. Chandler (1888-1959), criador do detetive Philip Marlowe, aqui interpretado por Humphrey Bogart. Marlowe é procurado por misteriosa mulher (Lauren Bacall, casada com Bogart desde 1945) e sua irmã (Martha Vickers), que o contratam para esclarecer um caso, envolvendo-o em intricada trama, repleta de assassinatos e pistas complicadas. Embora presa ao puritanismo existente na época, a história tem lances de loucura, drogas, ninfomania e pornografia, abordados superficialmente. O filme contou com os três maiores roteiristas do período: Jules Furthman, Leigh Brackett e, até, William Faulkner, o grande escritor norte-americano ganhador do Prêmio Nobel de Literatura de 1949.

Outros bons filmes de 1946 que podem ser vistos são: Interlúdio (Alfred Hitchcock); O pecado de Cluny Brown (Ernst Lubitsch); Virtude selvagem (Clarence Brown); Gilda (Charles Vidor).

Em 1947, tivemos alguns bons filmes, nada de excepcional. Entre os que merecem uma olhada, temos: Monsieur Verdoux (Charles Chaplin); Corpo e alma (Robert Rossen); Domínio dos bárbaros (John Ford); O justiceiro (Elia Kazan); Rancor (Edward Dmytryk); De ilusão também se vive (George Seaton).

No ano de 1948, tivemos uma pequena melhora na produção hollywoodiana, com destaque para três filmes:

– Odeio-te meu amor (Preston Sturges): obra-prima do especialista da comédia, diretor de vários sucessos, como: As três noites de Eva, Contrastes humanos, Papai por acaso, Herói de mentira. Maestro (Rex Harrison), que acredita estar sendo enganado por sua mulher, arquiteta sua vingança enquanto está regendo um concerto, imaginando os modos de agir, que variam conforme os trechos da música;

– O tesouro de Sierra Madre (John Huston): bela adaptação do romance de 1928 de Bruno Traven (1890-1969). Um estudo da natureza humana diante da cobiça. Neste espetacular faroeste, Huston, mais uma vez, aborda a temática do fracasso (Vide: Relíquia Macabra, 1941), que teria continuidade com Resgate de Sangue (1949) e Segredo das joias (1950): três homens ambiciosos vão a busca de ouro nas montanhas do México, dispostos a fazer fortuna. Enfrentam muitos obstáculos juntos, mas obcecados pela cobiça deixam vir à tona o que de pior existe em suas personalidades. Neste filme, Huston ganhou dois Oscar (direção e roteiro) e dirigiu seu pai, Walter Huston, que levou o Oscar de ator coadjuvante. Humphrey Bogart não ganhou um Oscar, apesar de sua excelente atuação no papel do paranoico Dobbs, uma de suas melhores interpretações;

– Rio Vermelho (Howard Hawks): mais uma grande obra de Hawks, retratando aspectos do Velho Oeste. Após o término da guerra civil americana, fazendeiro (John Wayne) mais seu filho adotivo (Montgomery Clift em seu primeiro filme) e alguns ajudantes empreendem penosa viagem pelo Missouri, conduzindo gado para venda no Norte, numa aventura cheia de incidentes.

O ano de 1948 ainda teve outros filmes de qualidade, como: Perdidos na tormenta (Fred Zinnemann); A mundana (Billy Wilder); Paixões em fúria (John Huston); Na cova das serpentes (Anatole Litvak); Sapatinhos vermelhos (Michael Powell, Emeric Pressburger); Festim diabólico (Alfred Hitchcock); Desfile de Páscoa (Charles Walters); A dama de Shangai (Orson Welles); A força do mal (Abraham Polonsky).

E o ganhador do Oscar de 1948 foi um filme inglês: Hamlet, de Laurence Olivier...

Em 1949, seis filmes se destacaram:

– A grande ilusão (Robert Rossen): baseado no romance de 1946 de Robert Penn Warren (1905-1989), ganhador do prêmio Pulitzer, mostra a ascensão e queda de um político antes honesto (Broderick Crawford) e que é seduzido e obcecado pelo poder a ponto de transformar-se num demagogo corrupto, seguindo as artimanhas da política. Oscar de melhor filme, ator (Crawford) e atriz coadjuvante (Mercedes McCambridge);

– Um dia em Nova York (Stanley Donen e Gene Kelly): primeiro sucesso de direção de Kelly e Donen, precursor de outro grande êxito da dupla, o fabuloso Cantando na chuva (1952). Comédia musical inovadora, foi a primeira do gênero filmada em locações externas, uma espécie de “Dançando na rua”, tão ao gosto de Donen. Três marujos (Gene Kelly, Frank Sinatra e Jules Munshin) desembarcam em uma manhã e, com direito a 24 horas de folga, saem à procura de diversão e mulheres. Com belas canções, o filme levou o Oscar de melhor trilha sonora. Destaque para a canção New York, New York, com exuberante atuação de Sinatra, Kelly e Munshin;

– Tarde demais (The heiress, de William Wyler): baseado na obra Washington Square, de 1881, do romancista inglês de origem norte-americana Henry James (New York 1843-Londres 1916) e considerado por muitos como o melhor filme de Wyler (muito feliz na adaptação do romance para a tela), mostra a história de uma herdeira rica (Olivia de Havilland, que levou o Oscar pela interpretação) e pouco atraente que fica apaixonada por um caçador de dotes inescrupuloso (Montgomery Clift), contrariando os conselhos recebidos de seu pai (Ralph Richardson). A história foi refilmada em 1997 pela diretora polonesa Agnieszka Holland, sob o nome Washington Square, mas, como costuma acontecer com os remakes, sem o mesmo brilho do filme original;

– Almas em chamas (Henry King): grande espetáculo sobre a II Guerra Mundial. Sucessor de comandante de um esquadrão de aviadores dos EUA na Inglaterra que fora substituído após sofrer um colapso nervoso, jovem general (Gregory Peck, em uma de suas melhores atuações) passa a sofrer problemas emocionais semelhantes, oriundos das pressões inerentes ao cargo, principalmente a angústia de enviar pilotos para missões arriscadas. Oscar de melhor ator coadjuvante para Dean Jagger, como o ajudante-de-ordem do general;

– A costela de Adão (George Cukor): comédia que mostra, de maneira sofisticada, a batalha dos sexos. Casados na vida real, Spencer Tracy e Katharine Hepburn (em seu sexto filme juntos) vivem um casal de advogados (ela, advogada de defesa; ele, promotor), no julgamento de um caso de assassinato em que uma esposa atirou em marido errante; e a disputa começada na corte vai continuar dentro do lar. A pedido de Hepburn, Cole Porter contribuiu com a canção Farewell, Amanda;

– Quem é o infiel? (Joseph Mankiewicz): filme ganhador do Oscar de melhor roteiro e direção, que evidencia o talento de Mankiewicz, um dos mais cultos e inteligentes diretores de Hollywood. A história é sobre as reações de três mulheres que recebem uma carta sobre caso com um de seus maridos.

Outros filmes de 1949 com boa dose de qualidade são: Legião invencível (John Ford); Punhos de campeão (Robert Wise); A sedutora madame Bovary (Vincente Minnelli); Fúria sanguinária (Raoul Walsh); Trágica decisão (Sam Wood).

NOTA: como não poderíamos comentar todos os filmes feitos nos EUA a partir de 1950, devido ao pequeno porte deste livro, optamos por relacioná-los no capítulo seguinte, não deixando, desta forma, de dar uma orientação ao leitor.

MELHORES FILMES DOS EUA, DE 1950 EM DIANTE

Continuando a história do cinema nos EUA, passamos a relacionar, apenas para uma orientação do  leitor,  os melhores filmes que se seguiram aos primórdios da cinematografia hollywoodiana:

–1950 - Crepúsculo dos deuses, Billy Wilder; Matar ou morrer, Fred Zinnemann; Rio Grande, John Ford; Segredo das Joias, John Huston;  A malvada, Joseph Mankiewicz;  O papai da noiva, Vincente Minnelli.

–1951 - O dia em que a Terra parou, Robert Wise;  Uma rua chamada pecado, Elia Kazan;  A glória de um covarde, John Huston; Uma aventura na África, John Huston;  Um lugar ao sol, George Stevens; Chaga de fogo, William Wyler; Sinfonia de Paris, Vincente Minnelli;  Pacto sinistro, Alfred Hitchcock.

–1952 - Cantando na chuva, Gene Kelly/Stanley Donen

–1952 - Depois do vendaval, John Ford

–1952 - Viva Zapata!, Elia Kazan

–1953 - O selvagem, Laszlo Benedek

–1953 - Os homens preferem as loiras, Howard Hawks

–1953 - A um passo da eternidade, Fred Zinnemann

–1953 - Os brutos também amam, George Stevens

–1953 - A roda da fortuna, Vincente Minnelli

–1953 - A princesa e o plebeu, William Wyler

–1953 - Lili, Charlie Walters

–1954 - A nave da revolta, Edward Dmytryk

–1954 - Johnny Guitar, Nicholas Ray

–1954 - Disque M para matar, Alfred Hitchcock

–1954 - Nasce uma estrela, George Cukor

–1954 - Sabrina, Billy Wilder

–1954 - Sindicato de ladrões, Elia Kazan

–1954 - Janela indiscreta, Alfred Hitchcock

–1954 - Sete noivas para sete irmãos, Stanley Donen

–1954 - Vinte mil léguas submarinas, Richard Fleischer

–1955 - Vidas amargas, Elia Kazan

–1955 - Juventude transviada, Nicholas Ray

–1955 - Férias de amor, Joshua Logan

–1955 - O pecado mora ao lado, Billy Wilder

–1955 - Mister Roberts, John Ford/Mervyn LeRoy

–1956 - Anastácia, a princesa esquecida, Anatole Litvak

–1956 - O bobo da corte, Norman, Panama/Melvin Frank

–1956 - Rastros de ódio, John Ford

–1956 - Os dez mandamentos, Cecil B. de Mille

–1956 - Assim caminha a humanidade, George Stevens

–1956 - Sublime tentação, William Wyler

–1956 - Sede de viver, Vincente Minnelli

–1957 - Glória feita de sangue, Stanley Kubrick

–1957 - A ponte do rio Kwai, David Lean

–1957 - Doze homens e uma sentença, William Friedkim

–1957 - Testemunha de acusação, Billy Wilder

–1957 - Um homem tem três metros de altura, Martin Ritt

–1958 - Gigi, Vincente Minnelli

–1958 - A marca da maldade, Orson Welles

–1958 - Quero viver, Robert Wise

–1958 - Acorrentados, Stanley Kramer

–1959 - Ben-Hur, William Wyler

–1959 - Quanto mais quente melhor, Billy Wilder

–1959 - Intriga internacional, Alfred Hitchcock

–1959 - A hora final, Stanley Kramer

–1960 - Psicose, Alfred Hitchcock

–1960 - Se meu apartamento falasse, Billy Wilder

–1961 - Spartacus, Stanley Kubrick

–1961 - Amor, sublime amor, Robert Wise/Jerome Robbins

–1961 - El Cid, Anthony Mann

–1961 - Julgamento em Nuremberg, Stanley Kramer

–1961 - Bonequinha de luxo, Blake Edwards

–1961 - Desafio à corrupção, Robert Rossen

–1961 - Cupido não tem bandeira, Billy Wilder

–1961 - Os desajustados, John Huston

–1961 - O Sol tornará a brilhar, Daniel Petrie

–1962 - O que terá acontecido a Baby Jane?, Robert Aldrich

–1962 - O homem que matou o facínora, John Ford

–1962 - Sob o domínio do mal, John Frankenheimer

–1962 - Longa jornada noite adentro, Sidney Lumet

–1962 - O mais longo dos dias, Ken Annakin/Andrew Marton

–1962 - Pistoleiros do entardecer, Sam Peckinpah

–1963 - A terra do sonho distante, Elia Kazan

–1963 - Fugindo do inferno, John Sturges

–1963 - O indomado, Martin Ritt

–1964 - Mary Poppins, Robert Stevenson

–1964 - Minha querida dama, George Cukor

–1964 - Dr. Fantástico, Stanley Kubrick

–1964 - Um tiro no escuro, Blake Edwards

–1964 - O trem, John Frankenheimer

–1965 - A noviça rebelde, Robert Wise

–1965 - O homem do prego, Sidney Lumet

–1965 - A nau dos insensatos, Stanley Kramer

–1967 - Bonnie and Clyde - Uma rajada de balas, Arthur Penn

–1967 - No calor da noite, Norman Jewison

–1967 - A primeira noite de um homem, Mike Nichols

–1967 - A sangue frio, Richard Brooks

–1968 - O bebê de Rosemary, Roman Polanski

–1968 - Bullitt, Peter Yates

–1968 - Um convidado bem trapalhão, Blake Edwards

–1968 - 2001 - Uma odisseia no espaço, Stanley Kubrick

–1968 - Petúlia, um demônio de mulher, Richard Lester

–1969 - Tora!, tora!, tora!, Richard Fleischer

–1969 - Butch Cassidy, George Roy Hill

–1969 - Era uma vez no Oeste, Sergio Leone

–1969 - A noite dos desesperados, Sidney Pollack

–1969 - Dias de fogo, Haskell Wexler

–1969 - Meu ódio será sua herança, Sam Peckinpah

–1970 - Perdidos na noite, John Schlesinger

–1970 - Sem destino, Dennis Hoper

–1970 - Cada um vive como quer, Bob Rafelson

–1970 - Pequeno grande homem, Arthur Penn

–1970 – M*A*S*H*, Robert Altman

–1970 - Patton, rebelde ou herói?, Franklin Schaffner

–1971 - Bananas, Woody Allen

–1971 - A fantástica fábrica de chocolate, Mel Stunt

–1971 - Sob o domínio do medo, Sam Peckinpah

–1971 - Perseguidor implacável, Don Siegel

–1971 - Procura insaciável, Milos Forman

–1971 - Cada um vive como quer, Bob Rafaelson

–1971 - Operação França, William Friedkin

–1971 - A última sessão de cinema, Peter Bogdanovich

–1972 - Amargo pesadelo, John Boorman

–1972 - O poderoso chefão, Francis Ford Coppola

–1972 - Cabaret, Bob Fosse

–1973 - Jogo mortal, Joseph Mankiewicz

–1973 - Operação dragão, Robert Clouse

–1973 - Golpe de mestre, George Roy Hill

–1973 - Caminhos perigosos, Martin Scorsese

–1974 - A conversação, Francis Ford Coppola

–1974 - O poderoso chefão – 2, Francis Ford Coppola

–1974 - Chinatown, Roman Polanski

–1974 - Lenny, Bob Fosse

–1974 - Era uma vem em Hollywood, Jack Haley

–1975 - Alice não mora mais aqui, Martin Scorsese

–1975 – Um dia de cão, Sidney Lumet

–1975 - O risco de uma decisão, Richard Brooks

–1975 - Tubarão, Steven Spielberg

–1975 - Um estranho no ninho, Milos Forman

–1975 - Nashville, Robert Altman

–1976 - Todos os homens do presidente, Alan J. Pakula

–1976 - Testa de ferro por acaso, Martin Ritt

–1976 - Rede de intrigas, Sidney Lumet

–1977 - Contatos imediatos de terceiro grau, Steven Spielberg

–1977 – Star wars 4 - Uma nova esperança, George Lucas

–1977 - Noivo neurótico, noiva nervosa, Woody Allen

–1977 - Júlia, Fred Zinnemann

–1978 - Superman - O filme, Richard Donner

–1978 – Grease – Nos tempos da brilhantina, Randal Kleiser

–1978 - O franco atirador, Michael Cimino

–1978 – Halloween, John Carpenter

–1978 - Uma mulher descasada, Paul Mazursky

–1979 - Alcatraz: fuga impossível, Don Siegel

–1979 - Síndrome da China, James Bridges

–1979 - Apocalypse now, Francis Ford Coppola

–1979 – Manhattan, Woody Allen

–1979 - Kramer vs. Kramer, Robert Benton

–1980 - Star wars - O império contra-ataca, Irvin Kershner

–1980 - Touro indomável, Martin Scorsese

–1980 - Gente como a gente, Robert Redford

–1980 - Os irmãos cara-de-pau, John Landis

–1980 - O substituto, Richard Rush

–1981 - Fuga de Nova York, John Carpenter

–1981 - Os caçadores da arca perdida, Steven Spielberg

–1981 – A morte do demônio, Sam Raimi

–1982 - E. T., o extraterrestre, Steven Spielberg

–1982 - O enigma do outro mundo, John Carpenter

–1982 - Tootsie, Sydney Pollack

–1982 - O veredicto, Sidney Lumet

–1983 - Videodrome – A síndrome do vídeo, David Cronenberg

–1983 - El Norte, Gregory Nava

–1984 - Spinal Tap, Rob Reiner

–1984 - O exterminador do futuro, James Cameron

–1984 - À sombra do vulcão, John Huston

–1985 - Depois de horas, Martin Scorsese

–1985 - A rosa púrpura do Cairo, Woody Allen

–1986 - Jornada nas estrelas 4 - A volta para casa, Leonard Nimoy

–1986 - Curtindo a vida adoidado, John Hughes

–1986 - Aliens, o resgate, James Cameron

–1986 – Daunbailó, Jim Jarmusch

–1987 - Baleias de agosto, Lindsay Anderson

–1987 – Amazonas na Lua, Joe Dante

–1987 - Arizona nunca mais, Joel Coen

–1987 - Os intocáveis, Brian De Palma

–1988 - Uma cilada para Roger Rabbit, Robert Zemeckis

–1988 – Duro de matar, John Mctiernan

–1989 - Tempo de glória, Edward Zwick

–1990 - Dança com lobos, Kevin Costner

–1990 - Edward mãos-de-tesoura, Tim Burton

–1990 - Os bons companheiros, Martin Scorsese

–1990 - Ghost – Do outro lado da vida, Jerry Zucker

–1991 - O silêncio dos inocentes, Jonathan Demme

–1991 - JFK – A pergunta que não quer calar, Oliver Stone

–1992 - Os imperdoáveis, Clint Eastwood

–1993 - A lista de Schindler, Steven Spielberg

–1994 - Pulp fiction - Tempo de violência, Quentin Tarantino

–1994 - Forrest Gump - O contador de histórias, Robert Zemeckis

–1994 - Adoráveis mulheres, Gillian Armstrong

–1995 - Coração Valente, Mel Gibson

–1996 - Fargo, Ethan Coen

–1996 - Pânico, Wes Craven

–1996 - Romeu + Julieta, Baz Luhrmann

–1997 - Los Angeles, a cidade proibida, Curtis Hanson

–1997 - Titanic, James Cameron

–1998 - Um amor verdadeiro, Carl Franklin

–1998 - O grande Lebowski, Joel Coen

–1998 - O resgate do soldado Ryan, Steven Spielberg

–1998 - Medo  e delírio, Terry Gilliam

–1998 - A outra história americana, Tony Kaye

–1998 – Pi, Darren Aronofsky

–1999 - Regras da vida, Lasse Hallström

–1999 - Beleza americana, Sam Mendes

–1999 - A bruxa de Blair, Daniel Mysic

–1999 - O  informante, Michael Mann

–1999 – O mundo de Andy, Milos Forman

–1999 - Virgens suicidas, Sofia Coppola

–1999 - Matrix, Larry e Andy Wachowski

–1999 - O sexto sentido, M. Night Shyamalan

–1999 - Quero ser John Malkovich, Spike Jonze

–1999 - Star wars - Ep. 1 - A ameaça fantasma, George Lucas

–2000 - Antes do anoitecer, Julian Schnabel

–2000 - O tigre e o dragão, Ang Lee

–2000 - Réquiem para um sonho, Darren Aronofsky

–2000 - Quase famosos, Cameron Crowe

–2000 - Traffic, Steve Soderbergh

–2000 - Amnésia, Christopher Nolan

–2001 - Moulin Rouge- Amor em vermelho, Baz Luhrmann

–2001 - Uma mente brilhante, Ron Howard

–2001 - Os excêntricos Tenenbaums, Wes Anderson

–2001 - Waking life – O despertar da vida, Richard Linklater

–2002 - Embriagado de amor, Paul Thomas Anderson

–2003 - Kill Bill – vol. 1, Quentin Tarantino

–2003 - 21 gramas, Alejandro González Iñárritu

–2003 – Dogville, Lars Von Trier

–2003 - Piratas do Caribe – A maldição do Pérola Negra, Gore Verbinski

–2003 - Procurando Nemo, animação dos estúdios Disney

–2004 - Kill Bill – vol. 2, Quentin Tarantino

–2004 - Brilho eterno de uma noite sem lembranças, Michel Gondry

–2004 - Diários de motocicleta, Walter Salles

–2004 - A paixão de Cristo, Mel Gibson

–2004 - Perto demais, Mike Nichols

–2005 - Batman begins, Christopher Nolan

–2005 - Sin City – A cidade do pecado, Robert Rodriguez e Frank Miller.

O CINEMA DIVIDIDO – 1o EPISÓDIO

Houve uma época em que tínhamos de esperar uma semana para saber o que poderia ter acontecido ao herói (ou heroína) do filme: foi no tempo dos grandes seriados (também chamados de fitas em série) que eram divididos em 10, 12, 15 episódios, ou mais, contando as variadas aventuras de um mesmo personagem.

Eram, no mínimo, cinco semanas de comparecimento contínuo ao cinema (muito exibidor passava dois episódios de cada vez).

Ficávamos ansiosos para saber como o herói iria livrar-se das inúmeras armadilhas em que caía ou de situações extremas que julgávamos impossíveis de serem solucionadas. Por exemplo: no final de um episódio, o herói, que estava de motocicleta, errou a curva da estrada e pairou no ar. Pensamos logo: “Desta vez ele não escapa!”. Imagem congelada, nós éramos convidados, de forma sensacionalista, a ver a continuação na próxima semana. Claro está que comparecíamos em massa. Como, a exemplo das histórias em quadrinhos em que eram inspiradas, as tramas não primavam pela verossimilhança, acontece o inusitado: ainda sentado na moto, o prevenidíssimo personagem abre um compartimento do veículo e sai um lindo e maravilhoso paraquedas que o conduz são e salvo até o chão. A coisa funcionava assim... O Homem-Foguete andava com foguetes presos às costas e nunca queimou a traseira... O Zorro (em Zorro rides again, 1937) estava com o pé preso nos trilhos e o trem já ia esmagá-lo; no episódio seguinte, ele dá uma chicotada no mecanismo que altera a direção e o trem segue por outra linha... E por aí vai.

Os efeitos especiais (ou, em alguns casos, “defeitos especiais”) eram primários e algumas situações até ingênuas.

E os cinemas? Com cadeiras de madeira, sem estofamento; ar condicionado: só o que passava pelas portas enormes, abertas somente à noite; mas havia aqueles que tinham cerca de 20 metros de pé-direito (altura), o que amenizava um pouco o ambiente; som? Era mono; os nomes dos filmes que estavam passando eram pintados à mão nos vidros ou espelhos; o rolo que acabava de ser exibido saía para outro cinema que iria exibir aquele mesmo episódio, logo em seguida, no mesmo dia; na semana seguinte, ia para os subúrbios. E ainda tinha o “lanterninha”, indivíduo encarregado de manter a ordem e o silêncio dentro do salão de projeção. Era o tempo do cinema lascado. Mas era divertido, pois não havia TV na época e a telenovela ainda não arrebatava o povão, como hoje em dia.

Os seriados já existiam desde a época do cinema mudo, mas nos ocuparemos, apenas, dos sonoros, que atingiram o seu ápice nos anos 1930 e 1940, indo até meados dos anos 1950.

Há divergências em relação ao primeiro seriado sonoro: a Universal Films afirmou que seria The ace of Scotland Yard (1929), dirigido por Ray Taylor e James Horne, mas alguns historiadores optam por A caixa sagrada (The jade box, 1930), também dirigido por Taylor. Por outro lado, Tarzan, o tigre (1930), dirigido por Henry MacRae, com Frank Merril (Tarzan) e Natalie Kingston (Jane), já utilizava o som. Como eram seriados com duas versões, a muda e a sonora, que variavam conforme os recursos das salas de projeção, The spell of the circus (1930), dirigido por Robert F. Hill, torna-se candidato à primazia, por ser, segundo alguns, o primeiro a ter som em toda a trama, embora ainda sofresse a influência da fase muda e com qualidade técnica até inferior. Mas (sempre há um “mas”) historiadores bem embasados afirmam que A voz do trovão (Voice from the sky, 1930), dirigido por Ben F. Wilson é o primeiro totalmente sonoro. Está aberta a polêmica. Vamos em frente.

Passada essa confusa fase inicial, o uso do som logo se afirmaria como um poderoso recurso para evidenciar o medo e o suspense, uma característica dos filmes de mistério.

Dentro das limitações técnicas inerentes à época, grandes filmes foram produzidos e, na opinião de Waldir Mendes Ribeiro, morador do Rio de Janeiro, um dos maiores colecionadores (e conhecedor) de seriados, (a quem agradecemos algumas preciosas dicas para a produção deste trabalho), os melhores são:

1 – O homem-de-aço (Adventures of Captain Marvel, 1941);

2 – O terror dos espiões (Spy smasher, 1942);

3 – Os perigos de Nyoka (Perils of Nyoka, 1942);

4 – Aranha mortal (The black widow, 1947;

5 – Agente federal 99 (Federal operator 99, 1945).

Outros, entretanto, também poderiam ser citados, pois são possuidores de qualidades apreciáveis para os fãs do gênero. Preferimos relacionar os principais cineastas e suas melhores produções:

– ROBERT F. HILL (1886-1966) – Considerado, por alguns, o “pai” dos seriados, teve dois destaques em sua filmografia:

– Tarzan, o destemido (1933) – Um dos primeiros “Tarzan”, com Elmo Lincoln no papel principal; e, dividindo a direção com FORD BEEBE, fez:

– Flash Gordon no planeta Marte (1938) – Uma das mais conhecidas versões para o cinema, com Larry (Buster) Crabbe como Flash Gordon, Jean Rogers como Dale Arden e Charles Middleton como o imperador Ming, o arqui-inimigo de Flash. O herói das histórias em quadrinhos, criado por Alex Raymond, já antecipava conquistas futuras da tecnologia, como: raio laser, jato-propulsão, naves espaciais, comunicação por TV, cabines pressurizadas etc. (além da minissaia, que, ao contrário do que é divulgado nas principais enciclopédias, não foi “lançada” pela figurinista inglesa Mary Quant, entre 1964 e 1965 – é só ver o “modelito” em Flash Gordon conquista o Universo, de 1940);

– HENRY MACRAE (ou MCRAE) – (1876-1944) – Pioneiro dos seriados, realizou um dos primeiros “lobisomem” (The werewolf, em 1913). Destacou-se com O trem desaparecido (1932), considerado um dos melhores seriados de mistério, na época;

– WILLIAM WITNEY (nascido em 1915) – É, sem dúvida, o “rei” dos seriados; rodou, entre 1937 e 1943, cerca de trinta filmes do gênero, muitos co-dirigidos por JOHN ENGLISH. Alguns são clássicos e objeto de procura de colecionadores. Destacamos os seguintes:

– Zorro rides again (1937);

– The Lone Ranger (1938.

– NOTA: são dois personagens distintos: O Zorro usa espada e tem contra si o atrapalhado sargento Garcia; Lone Ranger não usa espada, tem o cavalo Silver e conta com seu fiel amigo, o índio Tonto.

Em 1949, o seriado O fantasma do Zorro, de Fred C. Bannon, chegou ao Brasil e foi um sucesso entre a garotada da época; em 1953, a série Lone Ranger estreia na TV brasileira. Tanto na série como no seriado o mascarado era o mesmo ator: Clayton Moore. Talvez por isso ou influenciados pelo periódico O Globo Juvenil, Lone Ranger passou a ser O Zorro. O negócio não acaba aí. Em 1957, a Disney apresenta a série do verdadeiro Zorro, com Guy Williams. Conclusão: verdadeira “zorra”.

Ressalvas à parte, vejamos outros destaques da obra de Witney:

– A volta de Dick Tracy (1938) – Outras aventuras do famoso detetive (ALAN JAMES já havia filmado, em 1937, Dick Tracy, o detetive).

Em 1939, Witney continua, com: Aventuras de Dick Tracy e Demônios do Círculo Vermelho;

1940 é o ano de Drums of Fu Manchu, O misterioso dr. Satan e de As aventuras de Red Rider; seguem-se:

– Dick Tracy contra o crime (1941);

– A filha das selvas (1941);

– O Homem-de-aço (Adventures of Captain Marvel, 1941).

Todos os seriados até aqui mencionados tiveram a co-direção de JOHN ENGLISH.

Em seguida, Witney realiza: O terror dos espiões (1942); Os perigos de Nyoka (1942).

FIM DO 1o EPISÓDIO.

VEJA A SENSACIONAL CONTINUAÇÃO NO PRÓXIMO CAPÍTULO.

O CINEMA DIVIDIDO – 2o EPISÓDIO

No “episódio” anterior, vimos como se saíram o “pai”, o pioneiro e o “rei” dos seriados. Desta feita, vamos ver o desempenho do “príncipe” e dos demais membros da “corte”:

– FORD BEEBE (1888-1978) – o príncipe dos seriados e o que melhor soube adaptar as histórias de vários heróis dos quadrinhos. Foi roteirista de B. REEVES EASON e ARMAND SCHAEFER em O dominador das selvas (Law of the wild, 1934) e co-diretor em Aventuras de Rex e Rinty (1935), filmes com o cavalo Rex e o cão pastor alemão Rin-Tin-Tin Jr., que já havia participado de O cachorro lobo (1933), dirigido por HARRY L. FRASER (1889-1974); seu descendente, Rinty IV, foi o astro da série de TV Rin-Tin-Tin ou As aventuras de Rin-Tin-Tin (1954/1959), de LEW LANDERS.

Em co-direção com CLIFFORD SMITH (1894-1937), Beebe realizou:

– O Ás Drummond (1936);

– Jim das Selvas (1936);

– Agente Secreto X-9 (1937);

– Rádio Patrulha (1937).

Seguiram-se:

– A sorte de Tim Taylor (1937);

– Flash Gordon no planeta Marte (1938), este em co-direção com ROBERT F. HILL;

– Red Barry (1938);

– Buck Rogers (1940), com co-direção de SAUL A. GOODKING (- 1962);

– Flash Gordon conquista o Universo (1940), direção dividida com RAY TAYLOR;

– SPENCER GORDON BENNET (1893-1987) – Prolífico realizador, foi, juntamente com WILLIAM WITNEY, um expoente dos seriados, embora não se preocupasse muito com a verossimilhança. Foi outro cineasta que utilizou as histórias dos heróis de quadrinhos, numa variada produção.

Dividindo a direção com WALLACE GRISSEL, fez:

– Porto Fantasma (1944);

– O chicote do Zorro (1944);

– A Mulher-Tigre (1944);

– O segredo da ilha misteriosa (1945) e

– Agente Federal 99 (1945), neste ajudado, ainda, por YAKIMA CANNUT (1895-1986), o excelente dublê de John Wayne, Gene Autry e Roy Rogers, em cenas perigosas, e que se revelou um notável diretor de segunda unidade em filmes como: No tempo das diligências, 1939; Ben-Hur, 1959; Spartacus, 1960, e El Cid, 1960.

Em co-direção com FRED C. BRANNON, Bennet fez:

– Marte invade a Terra (1945);

– O Cavaleiro Fantasma (1946);

– A filha de Don Q (1946);

– Aranha mortal (1947) e

– Piratas dos altos mares (1950).

Continuou sua carreira com:

– Brick Bradford (1947);

–O Super-Homem (Superman, 1948);

– Congo Bill (1948);

– O disco-voador (Bruce Gentry, Daredevil of the Skies, 1949);

– A volta do Homem-Morcego (Batman and Robin, 1949);

– O Homem Atômico contra o Super-Homem (1950);

– A ilha misteriosa (1951);

– Mistérios da África (ou Tambores da África, 1952);

– Falcão Negro (1952);

– O homem planetário (1953);

– O sinal do cavalo branco (1954);

– Capitão África, o vencedor (1955).

Em 1956, dirige Pioneiros do Oeste e Prisioneiros das selvas, encerrando o ciclo dos seriados;

– FRED C. BRANNON (1901-1953) – Após Witney e Bennet, pode ser considerado o 3o mosqueteiro dos seriados, com uma produção de mesmo ritmo e criatividade. Além dos seriados que realizou com Bennet, acima mencionados, fez:

– O espírito escarlate (1946);

– A volta de Jesse James (1947);

– Os vingadores do crime (1948);

– O segredo dos túmulos (1949);

– O fantasma do Zorro (1949);

– O rei dos espiões (1950).

Com o ator Tristram Coffin no papel de Homem-Foguete, fez a trilogia:

– O Homem-Foguete (1949);

– Comando Cody (1952) e

– Zumbis da Estratosfera (1952).

Em seguida, dirigiu Tambores feiticeiros (1953).

– RAY TAYLOR (1888-1952) – Fez seriados de baixo custo, muitos com a direção dividida com outros especialistas do gênero, utilizando-se, também, de personagens dos quadrinhos. É o diretor de The ace of Scotland Yard (1929) e de The jade Box (1930), seriados sonoros pioneiros. Fora os filmes co-dirigidos, já mencionados nos diretores correspondentes, fez, ainda:

– A vila dos fantasmas (1933);

– O grande mistério aéreo (1935);

– Aventureiros heroicos (1935);

– O Cavaleiro Fantasma (1936);

– Fronteiras em chamas (1938);

– JAMES W. HORNE (1880-1942) – Experiente diretor, já tendo três obras-primas com O Gordo e o Magro (Mosqueteiros da Índia, 1935; A princesa boêmia, 1936; Dois caipiras ladinos, 1937), além de ter dirigido Buster Keaton em O colegial (1927), fez, entre 1938 e 1942, doze seriados para a Columbia, entre eles:

– O Falcão Mascarado (1939);

– Terry e os piratas (1940);

– O Sombra (1940);

– A Caveira (1940);

– Águia Branca (1941);

– A volta do Aranha Negra (1941);

– Holt do Serviço Secreto (1942);

– B. REEVES EASON (1886-1956) – Também conhecido como “BREEZY” REEVES EASON. Fazendo seriados desde o cinema-mudo (por exemplo, The moon riders, 1920), é o responsável por uma ótima adaptação das aventuras do Fantasma (O Fantasma Voador – The Phantom, 1943).

Dirigiu Charles Middleton em:

– O Cavaleiro Alado (The Miracle Rider, 1935), que teve a participação do famoso Tom Mix (1880-1940);

– O Falcão do Deserto (1944) e

– Flecha Negra (Black Arrow, 1944), este co-dirigido por LEW LANDERS.

O Cavaleiro Alado foi o primeiro seriado de Middleton;

– RICHARD THORPE (1896-1991) – Com mais de quarenta anos de carreira como diretor, sua produção é extremamente variada, com alguns bons filmes. Em seriado, destacou-se com:

          Sentinela avançada (The lone defender, 1930), com o primeiro Rin-Tin-Tin, o cão pastor alemão encontrado por um soldado americano entre os escombros de um acampamento alemão, na França, durante a I Guerra Mundial. Rin-Tin-Tin ainda participou de outro seriado, O grande guerreiro (The lightning warrior, 1931), dirigido por BEN KLINE (1894-1974) e ARMAND SCHAEFER (1898-1967), além de mais 23 filmes.

FIM DO 2o EPISÓDIO.

VEJA A CONTINUAÇÃO NO PRÓXIMO CAPÍTULO.

O CINEMA DIVIDIDO – 3o EPISÓDIO

No  “episódio” anterior vimos o desempenho de FORD BEEBE, SPENCER GORDON BENNET, FRED. C. BRANNON e outros, mas ainda temos novidades e curiosidades históricas sobre os seriados sonoros dos anos 1930-1950, dando ênfase ao trabalho dos seguintes diretores:

– JOHN W. ENGLISH (1903-1969) – Tornou-se conhecido devido à sua associação com WILLIAM WITNEY, na produção de vários seriados que marcaram época, entre 1937 e 1941, já citados. Após desligar-se de Witney, dirigiu:

– A tribo misteriosa (Daredevils of the West, 1943) e

– Capitão América, o vencedor (Captain America, 1944), além de alguns pequenos faroestes com Roy Rogers e Gene Autry;

– WALLACE A. GRISSEL (1904-1954) – Além de alguns filmes de pequena expressão, foi co-diretor de SPENCER GORDON BENNET em seriados de sucesso já mencionados, como:

– Porto fantasma;

– O chicote do Zorro;

– A Mulher-Tigre;

– O segredo da ilha misteriosa e

– Agente Federal 99.

– J. P. MCGOWAN (1880-1952) – Grande diretor de filmes de ação, teve um seriado marcante:

– O trem ciclônico (The hurricane express, 1932), no qual temos um John Wayne (1907-1979) com 25 anos e muita disposição, dando bordoadas a granel em todos os capítulos;

– LEW LANDERS (1901-1962) – Deve-se a este prolífico realizador a primeira adaptação de um personagem dos quadrinhos para o seriado: O Fantasma Aéreo, ou O Rei das Nuvens (Tailspin Tommy, 1934). Especialista em cinema fantástico, Landers dirigiu o filme O Corvo (1935), sucesso entre os aficionados do gênero. Fez, também, algumas séries para a TV, entre elas: As aventuras de Rin-Tin-Tin (1954), já citada. Tailspin Tommy foi seguido de O grande mistério aéreo (Tailspin Tommy in the great air mystery, 1935), dirigido por HENRY MACRAE e RAY TAYLOR.

A partir do pioneirismo de Landers, os heróis das histórias em quadrinhos viraram o tema predileto dos seriados e assim, tivemos: Dick Tracy, Mandrake, Batman, Capitão América, O Vigilante, Ace Drummond, Jim das Selvas, Agente Secreto X-9, Tim Tyler (Tim e Tom), Red Ryder (Bronco Piler), Capitão Marvel, O Fantasma, Brick Bradford, Tex Granger, Superman, Falcão Negro, Flash Gordon e tudo o mais que estava no gibi: a namorada de Flash, Dale Arden; o sábio Zarkoff; o bigodinho do Mandrake e seu gesto mágico; Lothar, o rei africano que o acompanhava; a princesa Narda, a eterna abandonarda, digo, abandonada; Clark Kent, o jornalista tímido e sua colega Miriam Lane, que o Super-Homem nunca namorava; Billy Batson, gritando SHAZAM!; o dr. Silvana, o cérebro do Mal, que, não aguentando mais perder para o Capitão Marvel, resolveu atacar todos os heróis ao mesmo tempo (nos quadrinhos); Robin, o “prodígio”; a caverna da Caveira (Fantasma); os pigmeus Bandar; o lobo Capeto e o cavalo Herói; a noiva Diana; o anel que imprimia uma caveira no rosto dos bandidos; e por aí vai...

– ALAN JAMES (1890-1952) – Fez: Dick Tracy, o detetive (1937); Red Barry (1938); O tesouro dos escoteiros (1939);

– SAM NELSON (1896-1963) – Com a colaboração de NORMAN DEMING, fez: Mandrake, o mágico (1939);

– LAMBERT HILLYER (1889-1969) – Dirigiu O Morcego (Batman, 1943);

– ELMER CLIFTON (1890-1949) – Co-diretor de Capitão América, o vencedor;

– WALLACE FOX (1845-1958) – O Vigilante (1947); O Homem de Ferro (1947);

– DERWIN ABRAHAMS – Chick Carter, o detetive (1946); Tex Granger (1948); As aventuras do Capitão Kidd (1953), em co-direção com CHARLES S. GOULD (1903-1964);

– CLIFFORD SMITH (1894-1937) – Além de As aventuras de Frank, o gladiador (Adventures of Frank Merriwell, 1936), co-dirigiu alguns seriados com FORD BEEBE, já citados;

– COLBERT CLARK (1898-1960) – Fez, com ARMAND SCHAEFER, Os três mosqueteiros (1933); com HARRY L. FRASER: O cachorro lobo (1933); A visão fatal (The whispering shadow, 1933); com DAVID HOWARD (1896-1941), A flotilha misteriosa (The mystery squadron, 1933);

– FRANKLIN ADREON (1902-1979) – dirigiu:

– A Mulher-Pantera (Phanter girl of the Congo, 1954), estrelado por Phyllis Coates, a “Lois Lane” da série de TV Super-Homem (1951 a 1957), com George Reeves;

– Invasores diabólicos (Canadian Mountain vs. atomic Invaders, 1953) e

– A marca da vingança ou O rei do circo (King of the Carnival, 1955).

Os seriados também tiveram suas musas. As opiniões não eram unânimes. Alguns achavam que a rainha inconteste era Kay Aldridge, a segunda Nyoka, de Os perigos de Nyoka, e que estrelou também Porto Fantasma e A tribo misteriosa. Outros votavam na curvilínea Linda Stirling, protagonista de A Mulher-Tigre, e participante, ainda, de O segredo da ilha misteriosa, O chicote do Zorro, Marte invade a Terra, O Espírito Escarlate e A volta de Jesse James. Outra preferida era Jean Rogers, a Dale Arden, de Flash Gordon no Planeta Marte e Flash Gordon no planeta Mongo, e que atuou ainda em O Ás Drummond, O grande mistério aéreo, Agente Secreto X-9 e As aventuras de Frank, o gladiador. Muitos preferiam as curvas de Lorna Gray, a vilã Vultura, de Os perigos de Nyoka, e também presente em O Falcão Mascarado, A Caveira, Agente Federal 99 e Capitão América, o vencedor; com o nome mudado para Adrian Booth, fez, em 1946, A filha de Don Q, seu último seriado. Constance Moore também angariou seus fãs, após participar de Buck Rogers, em 1939. Mas Carol Forman, a vilã de Aranha mortal também tem seus adeptos. Como se vê, musa é o que não falta...

1956 é o ano de encerramento dos seriados. Fim de um ciclo mágico. A TV mostra suas “séries”. Começa um novo ciclo. A juventude atual não teve oportunidade de ver e sentir as emoções dos seriados, mas teve uma ideia de como seriam, ao assistir Os caçadores da Arca Perdida, com o herói Indiana Jones. O filme se inspira e aproveita as diversas situações que aconteciam nos seriados, com cenas parecidíssimas. Mas o avanço tecnológico permitiu belos efeitos especiais que não eram possíveis com os precários instrumentos de trabalho dos antigos realizadores, no tempo do cinema lascado.

Tempo bom, não volta mais...

THE END

OSCAR: OS PREFERIDOS E OS PRETERIDOS

Neste capítulo, relacionamos os ganhadores da estatueta, desde 16 de maio de 1929 e, paralelamente, relacionamos – entre parênteses – produções da mesma época das premiações. São filmes de alto nível, consagrados pela crítica e pelo público em todas as partes do mundo e, em alguns casos, com qualidade superior à dos preferidos. É a lista dos preferidos e, entre parênteses, os preteridos. Analise você mesmo:

–1929: Asas (O circo, Aurora);

–1930: Melodia da Broadway (Marcha nupcial, Vento e areia);

–1931: Sem novidade no front (-);

–1932: Cimarron (Luzes da cidade, Tabu, Frankenstein, Drácula);

–1933: Grande Hotel (Scarface);

–1934: Cavalgada (King Kong, Rainha Christina, Ladrão de alcova);

–1935: Aconteceu naquela noite (-);

–1936: O grande motim (O Picolino);

–1937: Ziegfeld, o criador de estrelas (Tempos modernos, O galante mr. Deeds);

–1938: Emile Zola (No teatro da vida);

–1939: Do mundo nada se leva (As aventuras de Robin Hood, Jezebel);

–1940: ...E o vento levou (O mágico de Oz, No tempo das diligências, O morro dos ventos uivantes, a mulher faz o homem, Ninotchka);

–1941: Rebecca, a mulher inesquecível (Vinhas da ira, O grande ditador);

–1942: Como era verde o meu vale (Cidadão Kane, Adorável vagabundo, Relíquia macabra);

–1943: Rosa da esperança (Soberba, Ser ou não ser, Contrastes humanos);

–1944: Casablanca (-);

–1945: O bom pastor (Pacto de sangue, Laura);

–1946: Farrapo humano (-);

–1947: Os melhores anos de nossas vidas (A felicidade não se compra, Interlúdio, Gilda, Duelo ao Sol);

–1948: A luz é para todos (Monsieur Verdoux, Narciso negro);

–1949: Hamlet (Carta de uma desconhecida, O tesouro de Sierra Madre);

–1950: A grande ilusão (Um dia em Nova York);

–1951: A malvada (Crepúsculo dos deuses, O segredo das joias, No silêncio da noite);

–1952:Sinfonia de Paris (Um lugar ao sol, Uma aventura na África);

–1953: O maior espetáculo da Terra  (Cantando na chuva, Depois do vendaval, Matar ou morrer);

–1954: A um passo da eternidade (Os brutos também amam, A princesa e o plebeu);

–1955: Sindicato de ladrões (Disque M para matar, Sabrina);

–1956: Marty  (Vidas amargas, O mensageiro do Diabo, O pecado mora ao lado);

–1957: A volta ao mundo em 80 dias (Rastros de ódio);

–1958: A ponte do rio Kwai (-);

–1959: Gigi (Da terra nascem os homens, Um corpo que cai);

–1960: Ben-hur (Intriga internacional);

–1961: Se meu apartamento falasse (Psicose, Spartacus);

–1962: Amor, sublime amor (El Cid);

–1963: Lawrence da Arábia (-);

–1964: As aventuras de Tom Jones (O processo, Os pássaros);

–1965: Minha bela dama (Mary Poppins);

–1966: A noviça rebelde (Repulsa ao sexo);

–1967: O homem que não vendeu sua alma (Caçada humana);

–1968: No calor da noite (A megera domada, Bonnie and Clyde - Uma rajada de balas);

–1969: Oliver! (2001 – Uma odisseia no espaço);

–1970: Perdidos na noite (Butch Cassidy);

–1971: Patton, rebelde ou herói? (M*A*S*H*);

–1972:Operação França (A última sessão de cinema, Laranja mecânica);

–1973: O poderoso chefão;

–1974: Golpe de mestre (O exorcista);

–1975: O poderoso chefão-2 (Chinatown);

–1976: Um estranho no ninho (Três dias do Condor);

–1977: Rocky, um lutador (A profecia);

–1978: Noivo neurótico, noiva nervosa (Contatos imediatos de Terceiro Grau);

–1979: O franco-atirador (O expresso da meia-noite);

–1980: Kramer vs. Kramer  (Manhattan, Apocalypse now);

–1981: Gente como a gente (Touro indomável);

–1982: Carruagens de fogo (Caçadores da arca perdida);

–1983: Gandhi (E.T., o extraterrestre);

–1984: Laços de ternura (A hora da zona morta, Os eleitos);

–1985: Amadeus (O exterminador do futuro);

–1986: Entre dois amores (A rosa púrpura do Cairo);

–1987: Platoon (Hannah e suas irmãs, A missão);

–1988: O último imperador;

–1989: Rain man (Mississipi em chamas);

–1990: Conduzindo miss Dayse (Black rain);

–1991: Dança com lobos (O vingador do futuro);

–1992: O silêncio dos inocentes (Cabo do medo);

–1993: Os imperdoáveis;

–1994: A lista de Schindler;

–1995: Forrest Gump;

–1996: Coração Valente (Razão e sensibilidade);

–1997: O paciente inglês (Segredos e mentiras);

–1998: Titanic (O doce amanhã, Gênio indomável);

–1999: Shakespeare apaixonado (O resgate do soldado Ryan);

–2000: Beleza americana;

–2001: Gladiador;

–2002: Uma mente brilhante (O Senhor dos Anéis – A Sociedade do Anel);

–2003: Chicago (O Senhor dos Anéis – As duas torres);

–2004: O Senhor dos Anéis: o retorno do rei;

–2005: Menina de Ouro (O aviador).

O EXPRESSIONISMO NO CINEMA ALEMÃO

Traduzindo um movimento de revolta contra a guerra, a miséria moral, a autoridade, e exibindo um enfoque pessimista da vida, o cinema expressionista alemão surge após a derrota do país na I Guerra Mundial.

Visou, principalmente, mostrar os estados de alma dos personagens, valendo-se de contrastes fortes, exageros na forma de atuar dos atores, cenários fantasmagóricos e distorção voluntária da realidade.

Considerada a primeira obra-prima do cinema expressionista alemão, O gabinete do dr. Caligari (1919), de Robert Wiene, foi uma espécie de premonição do que aconteceria anos adiante: o nazismo. O dr. Caligari foi comparado a Hitler e Cesare, seu assistente sonâmbulo, ao povo alemão, submisso às ordens do Fuehrer, diz-nos Sigfried Krakauer em seu livro De Caligari a Hitler, análise da alma alemã entre as guerras mundiais. O termo caligarismo designa a tendência aos filmes caligarescos, ou seja, de conteúdo mórbido, sinistro e misterioso.

Destacam-se, ainda, no cinema expressionista, grandes diretores, como:-

– FRITZ LANG (1890-1976) - O expoente do Expressionismo. Carlos Reichenbach o classifica como “poeta visionário do inexorável”, “a síntese de todas as artes no cinema”, “o próprio cinema nascido da luz e das sombras”. De sua vasta filmografia, destacamos:

–As três luzes (ou A morte cansada, 1921) - Filme que ajudou na evolução do estilo;

–Doutor Mabuse, o jogador (1922) - Sensível retrato de Berlim no pós-guerra;

–Os Nibelungos (1924) - A lenda de Siegfried, o herói teutônico; tido como uma antevisão da ideia de uma super-raça nazista (era um dos filmes prediletos de Hitler);

–Metrópolis (1926) - Visão fantástica de uma cidade no ano 2000: os donos do poder em orgias e a população trabalhando para sustentá-los...(isso é que é adivinhar!);

–M, o vampiro de Dusseldorf (1931) - O retardado assassino de meninas e sua caçada e julgamento por criminosos. Um retrato da desordem moral da Alemanha de então. Primeiro filme sonoro de Lang;

–O testamento do dr. Mabuse (1932) - Goebbels julga esse filme uma defesa do regime e convida Lang para ser o cineasta supervisor do Terceiro Reich. Lang, de origem judaica, prefere fugir para os Estados Unidos, onde dirige cerca de 24 filmes, sendo os mais notáveis: Vive-se só uma vez (1937); o antinazista: Os carrascos também morrem (1943); Um retrato de mulher (1944); O Diabo feito mulher (1952); Os corruptos (1956).

Lang volta à Alemanha Ocidental em 1957 e faz, entre outros, Os mil olhos do dr. Mabuse (1960);

– F. W. MURNAU (Friedrich Wilhelm Plumpe) - (1889-1931) - Um dos mestres dos anos 1920. Fez 22 filmes. Pioneiro da câmera intimista,  dirige, em 1919, seu primeiro filme, O menino azul. Destaques de sua produção:

–Nosferatu (1922) - Clássico do cinema fantástico, abriu caminho aos filmes de “vampiros”. Adaptação livre de Drácula, de Bram Stoker;

–A última gargalhada (O último homem) (1924) - Melodrama realista. Um grande filme sobre a solidão e a velhice;

–Tartufo (1925);

–Fausto (1926) – Versão da mais popular das lendas alemãs;

–Aurora (1927) - Segundo Chaplin, “O cinema mudo a ponto de perfeição absoluta”;

–Tabu (1931) - O drama do homem primitivo com a civilização;

– G. W. PABST (George Wilhelm Pabst) - (1885-1967) - Outro grande cineasta dos anos 1920. Sua filmografia inclui:

–Rua das lágrimas (1925) - Filme em que ganhou a reputação de cineasta de grande estilo naturalista;

–Segredos de uma alma (1926) – Primeiro filme psicanalítico da história;

–A caixa de Pandora (ou Lulu) (1929) - Seu filme mais notável. Erótico e fascinante. Mulher se prostitui para sobreviver numa sociedade caótica. Pitoresco é o nome deste filme em Portugal: A boceta de Pandora...;

–Guerra, flagelo de Deus (1930) - Amargo balanço da guerra;

–A ópera dos três vinténs (1931) - Visão da peça de Brecht;

–Camaradagem (1931);

–O processo (1948);

– PAUL WEGENER (1874-1948) - Eminente ator e cineasta. Sua principal obra é O Golem (O monstro de barro) -(1920)-, terceira e mais completa versão sobre o golem (na lenda judaica, homem feito de barro por um rabino);

– PAUL LENI (1885-1929) - Distinguiu-se como um mestre do Expressionismo em O gabinete das figuras de cera (1924) - Filme que encerra o ciclo dos personagens tirânicos, mostra, em ambiente onírico, Harun Al-Rashid; Ivan, o terrível; e Jack, o estripador;

– STERNBERG (JOSEF VON) - (1894-1969) - Realizador de O anjo azul (1930), uma visão moderna de Fausto.

Após 1933, na Alemanha sob o nazismo, Goebbels impõe o alinhamento ideológico, acabando com o cinema expressionista. Entretanto, referências estéticas do estilo encontram-se em cineastas como Orson Welles, John Ford, Bergman, Einsenstein, M.Carné e Carol Reed.

O expressionismo influenciou também alguns cineastas do cinema moderno e contemporâneo, como se pode ver em: –A marca da maldade (1958), de Orson Welles; –Cidade dos sonhos (2001), de David Lynch; –Nina (2004), do brasileiro Heitor Dhalia; –O sétimo selo (1957), de Ingmar Bergman; –Repulsa ao sexo (1965), de Roman Polanski; –Spider (2002), de David Cronenberg; –A lenda do cavaleiro sem cabeça (1999), de Tim Burton; –Crepúsculo dos deuses (1950), de Billy Wilder; –O estranho mundo de Jack (1993), de Henry Selick; –O processo (1962), de Orson Welles; –O terceiro homem (1949), de Carol Reed; –Rebecca – A mulher inesquecível (1940), de Alfred Hitchcock.

O NOVO CINEMA ALEMÃO A PARTIR DOS ANOS 1960

Os primeiros sinais de um renascimento do cinema na Alemanha Ocidental após a Segunda Grande Guerra apareceram em meados da década de 1960. Vinte e seis jovens cineastas, desejosos de romper com a estagnação e as arcaicas estruturas da produção alemã, assinam o manifesto de Oberhausen, em 1962: “Nós manifestamos nossa pretensão de criar um novo cinema alemão”. Surgem novos talentos, como: Volker Schlöndorff (O jovem Törless, 1966), Alexander Kluge (Os artistas na cúpula do circo: perplexos, 1967), Edgar Reitz (O insaciável), Vlado Kristl (A carta), Haro Senft (O rumo das coisas).

A década de 1970 – rica em competentes cineastas, com importantes obras radicais e novo senso ético, estético e erótico – iria devolver prestígio internacional à cinematografia alemã.

Entre os principais realizadores do novo cinema alemão, temos:

– VOLKER SCHLÖNDORFF (1939-) – Ex-assistente de Alan Resnais, Louis Malle e Jean-Pierre Melville (que mais o influenciou), buscou fazer uma obra de análise apurada da realidade alemã; filmes mais notáveis:

– O jovem Törless (1966), seu longa de estreia, de admirável técnica;

– A honra perdida de Katharina Blum (1975): por abrigar um anarquista uma jovem é alvo de perseguição por parte da imprensa, mata um jornalista e é julgada em nome da liberdade de imprensa;

– O tambor (1979): magnífica crítica político-social. O garoto de 3 anos que se recusa a crescer, depois de os nazistas tomarem o poder na Alemanha, e seu protesto, batendo com rigor num tambor, sempre que algo dava errado em sua vida. Obra que ganhou o Oscar de filme estrangeiro e que compartilhou, com Apocalypse Now, a Palma de Ouro, em Cannes;

– RAINER WERNER FASSBINDER (1945-1982) – Começando em 1969, realizou, até 1982, ano de sua morte, cerca de 40 títulos para o cinema e a TV; renovador do drama burguês, com um estilo por vezes alegórico, amargo e depressivo, foi um dos que deram nova vida ao cinema alemão; alguns de seus filmes tiveram significativo apoio da crítica internacional; entre eles podemos citar:

– As lágrimas amargas de Petra von Kant (1972), filme em que acrescentou o barroco ao seu estilo;

– O casamento de Maria Braun (1978): poderosa sátira da Alemanha em época do seu soerguimento econômico;

– Despair (1979): descrição, com muita propriedade, de um caso de loucura, nos anos da ascensão de Hitler na Alemanha;

– Lili Marlene (1980): cantora de cabaré frequentado por nazistas apaixona-se por judeu e passa a apoiar a resistência;

– Lola (1981): versão moderna de O anjo azul;

– Veronica Voss (1982): Urso de Ouro em Berlim.

Fez, ainda, para a TV, Berlin Alexanderplatz (1980), série com 15h21min de duração.

Nota: não é o filme mais longo da história do cinema; é apenas o quarto colocado. Heimat (de Edgar Reitz), com 19 minutos a mais é o detentor do terceiro lugar. Em segundo está o chinês O incêndio do Templo do Lótus Vermelho, feito entre 1928 e 1931, com 27 horas. Em primeiríssimo lugar está A cura para a insônia, feito nos EUA, com 85 horas (duvido que alguém não durma antes de acabar de assisti-lo, pois um tal de L. D. Groban passa todo o tempo lendo um poema de sua autoria, de 4080 páginas...);

– WIM WENDERS (1945-) – Um dos expoentes e o mais bem-sucedido cineasta do novo cinema alemão. Revelado em meados dos anos 1970, seu fascínio foi baseado, em parte, numa perspectiva existencialista, com protagonistas alienados do mundo em que viviam e fazendo da meditação uma busca de identidade. Com uma linguagem inovadora, realizou clássicos dos anos 1980 como Asas do desejo e Paris, Texas. Seguiu-se uma fase de moderado sucesso, recuperando-se em 1999 com o documentário Buena Vista Social Club, sua primeira indicação para o Oscar.

Sua filmografia inclui, entre outros:

– O medo do goleiro diante do pênalti (1971): goleiro estrangula, sem explicação, uma jovem. Wenders descreve como o medo afeta as atitudes das pessoas;

– Alice nas cidades (1973);

– O amigo americano (1977): cidadão pacato, com doença incurável, recebe proposta para matar mafioso; tensão o tempo todo;

– O estado das coisas (1982): Leão de Ouro, em Veneza;

– Paris, Texas (1984): após muitos anos, homem dado como desaparecido sai à procura de sua família, reencontrando sua mulher como strip-teaser de uma espelunca no Texas. Palma de Ouro, em Cannes;

– Asas do desejo (1987): um dos maiores êxitos de público do diretor. De concepção impecável, é um filme sobre a descoberta das tentações, um elogio à vida, aos prazeres, aos desejos. Anjo desce a Terra e, maravilhado com o que vê, apaixona-se por bela trapezista de circo. Prêmio de melhor diretor, em Cannes, e de melhor filme na Mostra Internacional do Filme, em São Paulo;

–Tão longe, tão perto (1993): filme leve, despretensioso e divertido, dirigido aos fãs do cineasta. Grande prêmio do Júri, em Cannes;

– O fim da violência (1997): um filme sutil e belo, com uma mensagem nitidamente antiviolenta;

– Buena Vista Social Club (1999): documentário, com a velha-guarda de músicos cubanos, que devolveu ao cineasta a força e o poder de emocionar; detentor de vários prêmios, foi um dos mais vistos no último Festival do Rio;

– O hotel de um milhão de dólares (2000): Urso de Prata, em Berlim; segundo Wenders, é seu filme mais emocionante;

– WERNER HERZOG (1942-) – Um dos principais diretores e o mais romântico da geração pós-guerra. Aos 15 anos já escrevia o seu primeiro roteiro. Seus filmes valem pela beleza das imagens, com apuro no senso plástico e estilo muito pessoal. É nítida sua predileção por temas relativos ao desespero e à solidão humana. São destaques em sua filmografia:

– Sinais de vida (1968): Urso de Prata, em Berlim;

– Aguirre, a cólera dos deuses (1972): seu primeiro sucesso internacional; história da expedição de Don Lope de Aguirre (1518-1561) à Amazônia, em 1560, em busca do Eldorado; a ambição humana em estudo penetrante;

– Fitzcarraldo (1982): a obsessão de um homem em construir um teatro na Amazônia; prêmio de melhor diretor, em Cannes;

– O enigma de Kaspar Hauser (1974): o garoto criado em um porão até seus 18 anos, levado para a cidade e sua estranheza com a nova realidade; Prêmio do Júri, em Cannes;

– Nosferatu, o vampira da noite (1978): um vampiro que inspira compaixão;

– Meu melhor inimigo (1999): prêmio de melhor documentário no Festival Internacional de São Paulo, relata a tempestuosa relação do diretor com o ator Klaus Kinski (morto em 1991, pai de Nastassia Kinski) com quem dividia uma casa e que trabalhou em quatro de seus filmes;

– ALEXANDER KLUGE (1932-) – Ganhador, em Veneza, em 1966, com Despedida de ontem (Prêmio Especial do Júri) e, em 1968, com Os artistas na cúpula do circo: perplexos (Leão de Ouro), fez, em seguida, vários outros filmes, priorizando o lado intelectual e literário em detrimento do visual. Em 1983, faz O poder dos sentimentos, de alto nível técnico e direção firme;

– WERNER SCHROETER (1945-) – Seus filmes deixam claro seu encantamento pelo barroco. Destaque para:

– A morte de Maria Malibram (1972);

– Os irmãos napolitanos (1977);

– De Palermo a Wolfsburg (1979);

– Concílio de amor (1982), prêmio de crítica no FIF, em São Paulo;

– EDGAR REITZ (1932-) – Fundou, com Kluge, o Instituto de Cinema de Ulm. Logo em sua estreia, foi premiado em Veneza com: Refeições (1966). Seu filme Heimat (Terra Natal, 1984) é um dos de maior duração da história cinematográfica, com 15h40min de projeção.

Outros diretores e principais filmes:

– MARGARETHE VON TROTTA (1942-) – Anos de chumbo (1981);

– HANS-JURGEN SYBERBERG (1935-) – Réquiem para um rei virgem (1972);

– HELMA SANDERS-BRAHMS (1940-) – Alemanha pálida mãe (1980);

– MAXIMILIAN SCHELL (1930-) – Marlene (documentário sobre Marlene Dietrich, 1983);

– MAX FÄRBERBÖCK – Aimée e Jaguar (1999);

– WOLFGANG BECKER – Adeus, Lênin! (2003).

CHINÊS, O CINEMA CENSURADO

Este capítulo é dedicado ao “cinéfilo-sinófilo”, ou seja: aquele que adora o cinema chinês (sínico). Embora o cinema chinês existisse desde o princípio do século XX, seu primeiro filme exibido na Europa só aconteceu em 1935, com A canção do pescador, premiado no 1o Festival de Moscou.

Aparece, então, um tipo de cinematografia de vanguarda, procurando retratar o realismo da sociedade chinesa, através de um protesto contra a miséria, a injustiça e o desemprego, como se pode ver em Na encruzilhada da vida (1936).

Naqueles tempos, a produção já sofria forte influência soviética e, à sua maneira, parecia preparar a revolução.

A invasão da China pelo império nipônico (1937-1942) propiciou uma produção de filmes de exaltação ao nacionalismo, como, por exemplo, A Grande Muralha. Durante a guerra, na zona sob o domínio do Exército Popular, foram instalados laboratórios até em cavernas, para a produção de documentários.

O cinema sínico sempre lutou com dificuldades para seu pleno desenvolvimento e, hoje em dia, não é diferente. Seu sucesso no exterior, com premiações em diversos festivais, contrasta com as restrições que lhe são impostas em casa.

Nos dez anos que se seguiram logo após a Revolução Cultural (1966), era não só difícil, mas até perigoso ser cineasta na China Comunista. O termo “Quinta Geração” de cineastas refere-se àqueles que nasceram no início dos anos 1950, passaram pela Revolução Cultural e, após se formarem na Academia de Cinema de Pequim, reaberta em 1978, foram enviados para o campo a fim de se “reeducarem”, a exemplo de  Zhang Yimou e Chen Kaige, que realizaram apreciáveis obras, embora severamente vigiados pela censura.

No início de 1997, segundo notícias divulgadas na imprensa, o governo chinês voltou a apertar o cerco contra intelectuais, numa campanha para trazer ao país a “civilização espiritual”. A imprensa oficial chinesa acusou Yimou e Kaige de “mostrar aspectos negativos do cotidiano chinês para agradar o público estrangeiro”. O cinema independente praticamente desapareceu com as novas leis.

Com as verbas controladas pelo governo, os cineastas são obrigados a buscar financiamento e parceiros no exterior: Japão, Taiwan e, com mais intensidade, em Hong Kong (terceiro maior produtor cinematográfico do mundo, atrás somente dos EUA e da Índia). E a situação tende a perpetuar-se pois, segundo Ding Guangen, chefe de propaganda do PC, o governo vai continuar mantendo seu controle sobre o mundo das artes.

Assim sendo, resta-nos curtir as grandes produções que já estão circulando no Ocidente, realizadas, como foi visto, a duras penas.

Dentre os realizadores chineses, destacam-se:

– ZHANG YIMOU (1950-) – O diretor chinês que mais conquistou prêmios e um dos fundadores da quinta geração. Entre seus filmes de sucesso, figuram:

– O sorgo vermelho (1987), seu filme de estreia; a opressão da mulher na China pré-revolucionária; Urso de Ouro no festival de Berlim;

– Amor e sedução (1989) – Drama e romance na China dos anos 1920; primeiro filme do país a concorrer ao Oscar de Melhor Filme Estrangeiro; foi premiado no festival de Veneza;

– Lanternas vermelhas (1991) – A história da quarta esposa de senhor feudal, no início do século XX; Leão de Prata em Veneza;

– A história de Qiu-Ju (1992) – A busca da justiça, custe o que custar; filme ganhou o Leão de Ouro em Veneza e de melhor atriz para Gong Li;

– Tempos de viver (1993) – Comovente obra sobre os infortúnios de uma família chinesa entre a década de 1940 e a de 1970, época das mudanças políticas absolutistas de Mao Tsé-tung; o prêmio Especial do Júri (Cannes) antes de sua aprovação oficial pelo Departamento de Censura chinês, desagradou ao governo; Yimou, que não compareceu ao festival de Cannes porque não obteve visto de saída, declarou: “O governo chinês me critica tão constantemente que quando ganho prêmios em festivais internacionais isto não é tido como uma honra para mim, mas, sim, como desonra para meu país”;

– Operação Xangai (1995) – A Xangai dos mafiosos;

– Fique frio (1997);

– Nenhum a menos (1999) – Uma visão otimista; a luta de uma professora para impedir que crianças pobres sejam levadas a trabalhar no campo; Leão de Ouro em Veneza;

– O caminho para casa (1999), ganhador do Grande Prêmio do Júri (Urso de Prata) no festival de Berlim;

– Happy times (2000);

– Herói (2002);

– A casa das adagas voadoras (2003).

– CHEN KAIGE (1952-) – Um dos maiores realizadores do moderno cinema chinês; o primeiro a projetar o cinema da “quinta geração”; seus primeiros filmes foram: Terra amarela (1984), A grande parada (1985), O rei das crianças (1987);

Em 1991, Kaige fez A vida sobre um fio, filme de grande beleza, lirismo e exuberante paisagem: a história de um cego, tocador de shamisen (espécie de violão oriental), que recebe uma condição mágica de seu velho mestre: dedicar sua vida à música, em peregrinação pelas aldeias, até que a corda (fio) do shamisen se rompesse e fosse emendada por mil vezes. Passando por simbolismos existenciais e filosóficos, só ao final de sessenta anos, ele consegue “ver” o verdadeiro sentido moral que o mestre quis transmitir: “cegos são os homens que fazem as guerras, destruindo-se mutuamente...” Este filme foi proibido na China (talvez acreditem que é uma crítica aos velhos dirigentes que fazem promessas que nunca se realizarão);

1993 foi a vez de Adeus minha concubina, uma visão da história da China ao longo da vida de dois atores da Ópera de Pequim; garotos, em 1924, na “Era do Grande Guerreiro”, são treinados para divertir o povo, numa disciplina que inclui castigos corporais; às vésperas da guerra entre a China e o Japão, em 1937, já são atores consagrados devido à ópera Adeus minha concubina; a ambígua e idílica amizade entre os dois sofre um abalo quando uma prostituta casa-se com um deles. A rendição dos japoneses em 1945 e a entrada do Exército Popular de Libertação em 1949, inauguram os tempos de repressão em Pequim; nessa época eles se separam e seguem caminhos opostos. Com o início da Revolução Cultural, em 1966, a Ópera de Pequim é substituída por outros espetáculos, resultando, para os dois, os tempos de traição; Palma de Ouro em Cannes, Globo de Ouro de MFE e candidato ao Oscar.

Fez, ainda: Lua tentadora (1996), exuberante reconstituição de Xangai dos anos 1920, antes da revolução maoísta, mas longe da realidade chinesa atual, Os assassinos (1999) e Together (2002).

Outro cineasta da nova geração é TIAN ZHUANGZHUANG (1952) que, assim como Yimou e Kaige, não é bem-visto pelo governo comunista do seu país; seu filme mais conhecido é O papagaio azul (1993); mais penetrante e com maior vigor épico do que Adeus minha concubina, mostra, cruamente, o impacto das ideologias em gente humilde e de boa-vontade; a narrativa tem início em 1953 (ano em que morreu Stalin) e exibe um painel das diversas cruzadas de caça aos “direitistas” feitas por fanáticos do PC, desde o “Grande Salto para Frente” (1957), quando toda a população (incluindo mulheres e crianças) foi trabalhar no campo para soerguer a economia do país, até a Revolução Cultural (1966), quando a mulher de Mao Tsé-tung, Jiang Quing, antiga atriz dos anos 1930, tomou o destino do cinema chinês em suas mãos. O filme foi proibido de ser concluído devido a uma alteração no roteiro aprovado oficialmente; Tian terminou-o clandestinamente e contrabandeou cópias para Cannes e Tóquio, onde foi vencedor do Festival;

Outro diretor, HOU HSIAO HSIEN (1947-), nascido na China, mas viveu desde jovem em Taiwan; ganhou o Leão de Ouro de Veneza, em 1989, com Cidade da tristeza.

Em co-produção com a Coreia do Sul e Cingapura, TSUI HARK realiza, em 2005, Seven swords.

O MELHOR DO CINEMA DINAMARQUÊS

O público dinamarquês tomou conhecimento do cinema no dia 7 de junho de 1896, quando aconteceram as primeiras projeções de filmes de Lumière, num pavilhão na praça da municipalidade, em Copenhague. Dez anos depois, em 1906, é criada a Nordisk Film Kompagni, por VIGGO LARSEN, e a produção começa a se consolidar. A consagração internacional viria a partir de 1910, com obras de caráter romanesco ou melodramas audaciosos e moralizantes, destacando-se diretores como URBAN GAD, AUGUST BLOM, VIGGO LARSEN, HOLGER-MADSEN e HJALMAR DAVIDSEN.

Entre 1910 e 1916, cerca de 150 filmes foram produzidos anualmente, com destaque para a obra de URBAN GAD, Abismo (1911).

Após a I Guerra Mundial, BENJAMIN CHRISTENSEN (1879-1959) realiza uma das obras-primas do cinema: Häxan (1921), uma denúncia das superstições (ou feitiçarias) através dos tempos, com relevante alusão ao sabá, a reunião de bruxos e bruxas presidida pelo diabo, que, segundo a crença medieval, acontecia aos sábados, à meia-noite.

Surge, a partir de 1920 (uma época em que a indústria cinematográfica da Dinamarca foi superada por produções alemãs e suecas), um dos grandes realizadores do cinema: CARL THEODOR DREYER (1889-1968). Logo em seu primeiro filme, O presidente (1920), revela seu apuro com a imagem e seu estilo rigoroso de pensamento. Sua predileção pelo místico e pelo fantástico iria ser vista em Folhas do livro de Satã (1920), seu segundo filme, que buscou uma certa inspiração em Intolerância (1916), de D. W. GRIFFITH (1875-1948). Sua maior obra-prima, entretanto, viria em 1928: O martírio de Joana D’Arc, que celebrizou a atriz francesa Renée Falconetti (1892-1946) e é considerado um dos melhores filmes do mundo. Outra obra de Dreyer é O vampiro (1932), que não teve o sucesso esperado e causou uma interrupção em sua carreira, que voltaria a ficar em evidência em 1955, com outra obra-prima: A palavra, filme premiado com o Leão de Ouro do festival de Veneza, baseado num drama religioso de autoria do pastor e escritor dinamarquês Kaj Munk (1898-1944).

O principal destaque dos anos 1960 é HENNING CARLSEN (1927-), que fez, em 1966, A fome, adaptação da obra autobiográfica do escritor norueguês Knut Hamsun (1859-1952).

O cinema dinamarquês ressurge em 1988, com a conquista da Palma de Ouro em Cannes e Oscar de melhor filme estrangeiro dado a BILLE AUGUST (1948-) por seu filme Pelle, o conquistador. August voltou a ganhar a Palma de Ouro em 1992, com o filme As melhores intenções.

Outro ganhador do Oscar de melhor filme estrangeiro foi A festa de Babette (1988), de GABRIEL AXEL (1928-), uma fascinante, surpreendente e estranha produção.

O cinema dinamarquês começa a ser notado mundialmente e, em 1990, o diretor LARS VON TRIER (1956-) ganha o Grande Prêmio do Júri e prêmio de melhor contribuição artística do festival de Cannes, com seu filme Europa, uma história situada na amarga e ferida Alemanha do pós-guerra. Trier também produziu um dos filmes mais premiados de 1996, o angustiante Ondas do destino, de grande vigor dramático. Em 1998, Trier faz Os idiotas, seu primeiro longa-metragem seguindo os parâmetros do “Dogma 95”, movimento cinematográfico dinamarquês fundado por ele e que privilegia a improvisação e a espontaneidade da narrativa cinematográfica, sem recorrer à iluminação artificial, com som ambiente e câmera na mão, em filmagens ligeiras. O filme faz uma exposição do comportamento humano e critica o conformismo da sociedade atual. Trier foi, ainda, o ganhador da Palma de Ouro no Festival de Cannes 2000 e do prêmio Félix de melhor filme europeu, com Dançando no escuro, instigante melodrama de grande sucesso de público na Europa, que conta a história de mãe operária que está ficando cega e que trabalha duro para conseguir dinheiro para operar seu filho, portador da mesma doença hereditária.

Outro diretor premiado do cinema dinamarquês é SÖREN KRAGH-JACOBSEN (1947-). Seu filme O refúgio de Emma (1988), que conta a história de garota de 12 anos que sofre com a falta de atenção dos pais ricos e planeja o próprio sequestro, foi o ganhador do Grand Prix Júnior do festival de Cannes e de vários prêmios na Dinamarca.

Em 1996, o diretor tem outra boa produção: Coragem e esperança, onde um menino judeu sofre os horrores da perseguição nazista na Polônia e é obrigado a se esconder depois da prisão de seu pai, durante a II Guerra Mundial.

Utilizando os preceitos naturalistas do “Dogma 95”, KRAGH-JACOBSEN realiza, em apenas seis semanas, outro bom filme: Mifune (1998), que levou o Urso de Prata do Festival de Berlim 1999; conta uma história singela, mas que prende o espectador. Segundo a crítica, este “é o mais emotivo e humano dos filmes ‘dogmáticos’” (Guia de Vídeo e DVD – Nova Cultural).

Um filme premiado em Cannes e que foi considerado como a melhor produção estrangeira pela Associação de Críticos de Los Angeles foi Festa de família (1998), de THOMAS VINTENBERG (1969-), também sob inspiração do brado anti-hollywoodiano “Dogma 95”, assinado por Vinterberg e Trier: numa festa de aniversário de 1960 anos de patriarca de família da alta burguesia nórdica, que deveria ser cheia de harmonia, como as anteriores, filho mais velho torna tensa e absurda a reunião, com revelações estarrecedoras. Denuncia o pai por tê-lo molestado sexualmente na infância. Os horrores domésticos vêm à tona: incesto, suicídio, pedofilia, num clima realista que lembra as tragédias de Nelson Rodrigues.

Você quer mais desgraças ainda? Procure ver, então, Colheita negra (1994), de ANDERS REFN (1945-). Ali tem: incesto, estupro, suicídio, crueldade, sangue, assassinato e linchamento. E também é a história de uma rica família dinamarquesa que tem um patriarca autoritário e cafajeste...

A produção de filmes na Dinamarca é pequena (oito a 10 por ano), mas há bons filmes a serem vistos. Um dos últimos é Italiano para principiantes (2000), da diretora Lone Scherfig (1959-), que mostra a vida comum e sem perspectiva de alguns habitantes de pequena cidade da Dinamarca, seus sofrimentos e alegrias.

CINEMA DA ESPANHA

A Espanha conheceu o cinema em 1896, por intermédio dos irmãos Lumière. Após algumas dificuldades iniciais, SEGUNDO DE CHOMÓN (1871-1929), um dos pioneiros, considerado o rival espanhol de MÉLIÈS, realiza, em 1905, Los guapos del parque, onde inventa inúmeros efeitos especiais; mais tarde, iria exercer suas técnicas de filmagem com a Pathé e, na Itália, onde, como operador, inventou o “travelling”, visto em Cabíria (1914) de GIOVANNI PASTRONE.

Em filmes produzidos pela Hispanofilms, RICARDO DE BAÑOS, outro dos fundadores do cinema espanhol, dirigiu Segredos de confissão (1906), Os amantes de Teruel (1912) e A cigana branca (1919).

Ainda durante a fase do cinema mudo, destacaram-se: BENITO PEROJO (1895-1974), que se tornou um produtor importante na era franquista com O barbeiro de Sevilha (1939); FLORIAN REY (?-1962), pioneiro na tentativa de um cinema realista, em especial com La aldea maldita (1929), um dos melhores filmes da época; e JOSÉ BUCHS, com La verbena de la paloma (1921).

O primeiro filme sonoro espanhol foi Los mistérios de la puerta del Sol, de FRANCISCO ELIAS.

Em 1928, LUIS BUÑUEL realiza, em parceria com SALVADOR DALI, na França, Um cão andaluz e, em 1930, L’âge d’or, obra-prima do surrealismo que causou sensação e escândalo; rompendo com o surrealismo, voltou à Espanha e rodou Las Hurdes ou Tierra sin pan, em 1932, vigoroso documentário sobre os camponeses da região mais miserável do país.

Com a queda da monarquia, em 1936, a Espanha fica dividida entre os adeptos da esquerda (Frente Popular) e a extrema direita; tem início a guerra civil, que durou três anos, e o general Francisco Franco assume o poder que irá deter até 1975, época de sua morte. A censura impede a livre expressão no período franquista e filmes de propaganda e exaltação patriótica são priorizados. O Estado patrocina uma das superproduções mais caras e sofisticadas do cinema espanhol: o filme Raza (Raça), em 1941, dirigido por JOSÉ LUIS SÁENZ DE HEREDIA, com roteiro baseado num romance de “Jaime de Andrade” (pseudônimo do ditador Franco), com a  finalidade de divulgar ao mundo a justificativa dos militares para o golpe de estado. Após a derrota do fascismo para os aliados na II Guerra, o filme foi mutilado por Franco para adaptar-se à nova realidade ideológica, evitando-se as referências desabonadoras às nações vencedoras. Só em 1993 viria aparecer uma cópia completa da primeira versão da fita, conservada por colecionadores.

Testemunhos sobre a guerra civil podem ser vistos em: España leal armas (1936), de BUÑUEL; Tierra española (1937), de JORIS IVENS; Sierra de Teruel (1938/39), de ANDRÉ MALRAUX e em Terra e liberdade (1994), de KEN LOACH.

Após um período de produções sofríveis, novos rumos são dados ao cinema hispânico, a partir da década de 1950, com expressiva inspiração no neorrealismo italiano.São típicos exemplos produções como: Bienvenido mr. Marshall (1952), de LUIS GARCIA BERLANGA e roteiro de JUAN ANTONIO BARDEM; Surcos (1951), de JOSÉ NIEVES-CONDE e A morte de um ciclista (1955), de BARDEM. O diretor de origem húngara, LADISLAO VAJDA, realiza Marcelino, pão e vinho (1955) e inaugura o gênero de filmes com astros infantis.

Embora continuem as co-produções hispano-americanas, nova geração de diretores tenta se impor, a partir da década de 1960: CARLOS SAURA, MARIO CAMUS, JORGE GRAU, FRANCISCO REGUEIRO, MANUEL SUMMERS, JULIO DIAMANTE, BASÍLIO PATINO, JAIME CAMINO, VICTOR ERICE e outros.

Com a morte de Franco, em 1975, é estabelecida a democracia, possibilitando aparecerem filmes de contestação e de crítica. Neste mesmo ano, JAIME CHAVARRI faz seu primeiro longa-metragem, El desencanto, e desnuda o franquismo.

PEDRO ALMODÓVAR, o mais bem-sucedido cineasta do atual cinema espanhol, e FERNANDO TRUEBA surgem em 1980, época da violência liderada pelo grupo separatista ETA (Euskadi Ta Askatasuna, ou Pátria Basca e Liberdade, em basco) e da liberação de filmes como O império dos sentidos, de Nagisa Oshima, e Saló, de Píer Paolo Pasolini.

Em 1990, são produzidos 37 filmes, evidenciando um certo “renascimento” do cinema espanhol.

Veja, a seguir, os principais cineastas hispânicos e suas mais importantes produções:

– LUIS BUÑUEL (1900-1983) – Anticonformista, começou como assistente de JEAN EPSTEIN, na França. Voltou à Espanha em 1932, dirigiu Terra sem pão e Madrid 36, mas teve de expatriar-se para os EUA e, em 1947, para o México.

Definiu sua obra com a frase: “Sou contra a moral convencional, as fantasias tradicionais, o sentimentalismo, toda a sujeira moral da sociedade”.

Principais filmes:

– Um cão andaluz (1928);

– L’âge d’or (1930);

– Las Hurdes (1932);

– Madrid 36 (1937), documentário pró-republicano;

– Los olvidados (1950);

– Subida al cielo (1951);

– Robinson Crusoe (1952);

– Escravas do rancor (1953);

– Nazarin (1958);

– Viridiana (1961), vencedor da Palma de Ouro, em Cannes, foi proibido na Espanha por 21 anos, após o jornal L’Osservatore Romano classificá-lo como “blasfemo”;

– O anjo exterminador (1962);

– Diário de uma camareira (1964);

– A bela da tarde (1967);

– Via Láctea ou O estranho caminho de São Tiago (1969);

– Tristana, uma paixão mórbida (1970);

– O discreto charme da burguesia (1972);

– O fantasma da liberdade (1974);

– Esse obscuro objeto do desejo (1977);

– LUIS GARCIA BERLANGA (1921-) – Satírico, com um humor às vezes negro, revelando taras e fraquezas humanas, enfrentou problemas com a censura. Principais filmes:

– Bienvenido mr. Marshall (1952), com o qual conquistou glória internacional e que marcou a renovação do cinema espanhol;

– El verdugo (1963), obra-prima do humor negro;

– Grandeur nature (1974);

– La escopeta nacional (1977);

– JUAN ANTONIO BARDEM (1922-) – No início fez vários filmes com seu amigo Berlanga. Ídolo da elite intelectual, passa a trabalhar sozinho a partir de Os comediantes (1951).

Frequentes problemas com a censura marcaram suas produções, calcadas em uma sincera e virulenta crítica social, com destaque para:

– A morte de um ciclista (1954), destemida obra sobre a sociedade franquista;

– Calle mayor (1956);

– Siete dias de enero (1978): o atentado contra a sede dos advogados do povo feito por três membros da Falange (o partido fascista espanhol).

Bardem foi, ainda, o produtor de Viridiana, a pedido de Buñuel, e teve de enganar a censura do governo de Franco, suprimindo cenas para que os negativos do filme pudessem sair da Espanha;

– CARLOS SAURA (1932-) – Um crítico importante da sociedade franquista, violenta e autoritária.

Entre seus principais filmes, temos:

– La caza (1965), Urso de Prata em Berlim;

– El jardin de las delícias (1970);

– Ana e os lobos (1972);

– A prima Angélica (1973), prêmio especial em Cannes;

– Cria cuervos (1976);

– Mamãe faz cem anos (1979);

– Bodas de sangue (1981);

- Doces momentos (1981);

– Carmen (1983), prêmio de contribuição artística em Cannes;

– Amor bruxo (1986);

– Goya (1999);

– PEDRO ALMODÓVAR (1948-) – Bom de marketing, consagrou-se internacionalmente com filmes que misturam melodrama, sátira social, humor negro, uma sexualidade marcante e dramas naturalistas: é o famoso “almodrama”; a seguir, veja a lista dos seus principais filmes:

– Labirinto de paixões (1982);

– Maus hábitos (1984);

– Matador (1986);

– A lei do desejo (1987);

– Mulheres à beira de um ataque de nervos (1987), seu primeiro sucesso internacional, indicado para o Oscar;

– Ata-me! (1990);

– De salto alto (1991), ganhou o César (o Oscar francês) de melhor filme estrangeiro;

– Kika (1993);

– A flor do meu segredo (1995);

– Carne trêmula (1997), o melhor filme desde A lei do desejo;

– Tudo sobre minha mãe (1999), seu filme mais maduro e emocional; prêmio de melhor diretor em Cannes;

– Fale com ela (2002), Globo de Ouro de melhor filme estrangeiro;

– Má educação (2004);

– Volver (2006).

– FERNANDO TRUEBA (1955-) – Fez:

– O sonho do macaco louco (1989);

– Sedução (1992), Oscar de melhor filme estrangeiro e nove prêmios Goya (o Oscar espanhol);

– Quero dizer que te amo (1996);

– A garota de meus sonhos (1998), filme do ano na Espanha;

– CARLOS VELO (1912-) – Fez um dos melhores filmes sobre corridas de touro: Toro (1956);

– MARIO CAMUS (1935-) – Diretor de Os santos inocentes (1984);

– MANOL URIBE (1950-) – Dois destaques: O rei pasmado e a rainha nua (1991) e Dias contados (1994), que ganhou oito prêmios Goya;

– PILAR MIRÓ (1940-) – Vencedora em Mar del Plata com O cachorro do Jardineiro (1996);

– JULIO MEDEM (1958-) – Fez:

– Vacas (1992), premiado em Tóquio;

– O esquilo vermelho (1993);

– Los amantes del círculo polar (1998), prêmio de público e crítica e Kikitos de melhor diretor e melhor roteiro no festival de Gramado;

– JUANMA BAJO ULLOA – La madre muerta (1993);

– AGUSTIN DIAZ YANES – Ninguém falará de nós quando estivermos mortos (1995);

– EMILIO MARTINEZ-LAZARO –  Amo sua cama quente (1991).

O CINEMA FRANCÊS DOS ANOS 1930/1940

Apesar de um declínio qualitativo nas produções cinematográficas, logo após o advento do cinema falado, começa a surgir, na França, poucos anos depois, uma corrente denominada “Realismo Poético”, em oposição ao Naturalismo.

A realidade cotidiana, fortemente influenciada pelos sonhos e desilusões da época, é retratada num cinema de poesia e renovador, de alta qualidade em fotografia, iluminação, música e elenco.

Grandes obras-primas, até hoje veneradas, foram produzidas no período.

Além de diretores consagrados, o sucesso alcançado teve, no poeta JACQUES PRÉVERT (1900-1977), o colaborador ideal, que contribuiu, com excelentes roteiros, para importantes filmes de M. CARNÉ, J. RENOIR, GRÉMILLON e DUVIVIER.

Vejamos, a seguir, os diretores e suas filmografias nos anos 1930-1940:

– MARCEL CARNÉ (1909-1996): a parceria com JACQUES PRÉVERT, roteirista da maior parte de seu trabalho, resultou em várias realizações de alto nível, dando início, com Cais das sombras (1938) e Trágico amanhecer (1939), ao realismo poético. Ingressa, depois, no realismo fantástico com Os visitantes da noite (1942), bela metáfora, em forma de lenda medieval, cheia de significados implícitos e explícitos sobre a ocupação da França pelos nazistas: dois emissários do diabo (seria Hitler) fracassam na missão de corromper casal de namorados (a França); o diabo, então, transforma o casal em pedra, mas seus corações continuam batendo (indicando que a França ainda não morreu e que o amor é mais forte que tudo). Em 1945, realiza um outro bom filme: Filhos do paraíso.

A obra máxima da dupla Carné/Prévert viria com O boulevard do crime (1945), inesquecível e cativante épico romântico, com mais de dois mil figurantes, passado no teatro de Paris, com fotografia e cenários brilhantes e elenco de primeira, destacando-se Jean-Louis Barraut como o mímico apaixonado. Outro sucesso de CARNÉ, com a colaboração de PRÉVERT, foi As portas da noite (1946), uma volta ao realismo poético;

– JEAN RENOIR (1894-1979): filho do pintor Auguste Renoir, é considerado o maior cineasta clássico francês. Tido por TRUFFAUT como “o maior cineasta do mundo”, influiu, decisivamente na Nouvelle Vague e no neorrealismo; Nana (1926), da obra de Emile Zola, é seu primeiro longa-metragem de peso; com A chinesa (1931) e La nuit du Carrefour (1932) é iniciada a escalada para os grandes filmes:

– Boudu salvo das águas (1932);

– O crime do senhor Lange (1935);

– Une partie de campagne (1936);

– A grande ilusão (1937), uma obra-prima sobre a guerra e a humanidade e um dos filmes de maior ênfase antibelicista da história do cinema; uma aula de narrativa fílmica; indicado para o Oscar de melhor filme.

Fez, ainda:

– La Marseillaise (1937), sobre a revolução francesa;

– A besta humana (1938), adaptação do popular romance de Zola;

– A regra do jogo (1939), incluído em quase todas as listas de melhores filmes de todos os tempos, concorrendo com Cidadão Kane, de Welles, ao primeiro lugar das votações.

– JEAN VIGO (1905-1934): embora tenha falecido antes dos 30 anos, deixou dois filmes de destaque: Zero em comportamento (1933), onde ridiculariza os dirigentes acadêmicos, e O Atalante (1934), mostrando os problemas sociais de modo lírico;

– RENÉ CLAIR (1898-1981): cineasta refinado, com obras impregnadas de poesia e de sutil ironia, fantasiosas e elegantes, destacando-se:

– História de um chapéu de palha (1927);

– Sob os tetos de Paris (1930), um de seus maiores sucessos;

– O milhão (1931);

– A nós a liberdade (1931), uma sátira ao mundo das finanças que inspirou Charlie Chaplin a fazer Tempos modernos;

– O último milionário (1934);

– O fantasma camarada (1935);

– Casei-me com uma feiticeira (1942);

– O vingador invisível (1945);

– O silêncio é de ouro (1947);

– Entre a mulher e o Diabo (1949).

– JEAN COCTEAU (1889-1963): poeta excepcional, além de romancista, músico, ator, coreógrafo, pintor e roteirista, numa rara atividade polivalente, deixou-nos, como cineasta, seis grandes filmes:

– O sangue de um poeta (1930);

– A bela e a fera (1946);

– A águia de duas cabeças (1947);

– O pecado original (1948);

– Orfeu (1950);

– O testamento de Orfeu (1959).

– JULIEN DUVIVIER (1896-1967): com vasta obra cinematográfica (70 filmes), destacou-se em:

– Pega-Fogo (1932);

– O homem do dia (1935);

– A bandeira (1936);

– Pépé-le-Moko – O demônio da Argélia (1937);

– Um carnê de baile (1938);

– Pânico (1946);

– Ana Karenina (1948);

– O pequeno mundo de Don Camillo (1951);

– A festa do coração (1953).

– JEAN GRÉMILLON (1901-1959): dotado de grande sensibilidade e cultura, fez, entre outros:

– O homem que vivia duas vidas (1935);

– Águas tempestuosas (1941);

– Lumière d’été (1943);

– Le ciel est à vous (1944).

– JACQUES FEYDER (1885-1948): dirigiu o admirável A quermesse heroica (1935), grande sucesso internacional; merecem destaque: A última cartada (1934) e Pension mimosas (1935); foi o diretor de Greta Garbo em seu último filme mudo: O beijo (1929).

– MARCEL PAGNOL (1895-1974): escritor, produtor e diretor, pontificou em: A mulher do padeiro (1937).

– JEAN DELANNOY (1908-): muito criticado por diretores da Nouvelle Vague, conseguiu, porém, o Gran Prix em Cannes, com: Sinfonia pastoral (1946) e prêmio em Veneza com Deus necessita de homens (1950).

Tivemos, ainda, no período, junto à corrente poética, diretores como:

– HENRI-GEORGES CLOUZOT (1907-1977): mestre do noir e do suspense, salientando-se: O assassino mora no 21 (1942); O corvo (1943); Crime em Paris (1947);

– SACHA GUITRY (1885-1957): fez O romance de um trapaceiro (1936);

– CLAUDE AUTANT-LARA (1901): com Adúltera (Le diable au corps), em 1948 e Meu amigo, Amélia e eu (1949);

– JACQUES TATI (1908-1982): um dos expoentes dos filmes de humor, o talentoso diretor/ator de As Férias do sr. Hulot (1953), Meu tio (1958), Tempo de diversão (1967) fez, em 1949, Carrossel da Esperança;

– ABEL GANCE (1889-1981), o diretor do excelente Napoleon (1927), realizou ótimo filme biográfico em 1936: O grande amor de Beethoven.

LUIS BUÑUEL deu sua contribuição ao período com L’age d’or (1930).

Fora do período abordado neste capítulo, gostaríamos de mencionar outros grandes filmes que honram a cinematografia francesa:

– A paixão de Joana d’Arc (1928) – Carl Dreyer

– Beijos proibidos (1968) – François Truffaut

– Rififi (1954) – Jules Dassin

– Vicente, Francisco, Paulo e os outros (1974) – Claude Sautet

– A bela da tarde (1967) – Luis Buñuel

– Desejos proibidos (1953) – Max Ophuls

– Os incompreendidos (1959) – François Truffaut

– Jules e Jim (1961) – François Truffaut

– Lacombe, Lucien (1974) – Louis Malle

– O Sol por testemunha (1960) – René Clément.

A NOUVELLE VAGUE

O termo Nouvelle Vague surge, pela primeira vez, na revista francesa L’Express, em 1958.

Usado, no início, para definir um estado de espírito marcado pela rebeldia aos velhos padrões vigentes, era comum a toda manifestação artística  com tais características, mas logo passa a ser aplicado somente para designar o maior movimento de renovação do cinema francês.

Tendo à frente jovens diretores, em evidência no fim dos anos 1950 e por toda a década de 1960, que reagiram contra o academicismo e as fórmulas convencionais da filmagem tradicional, o movimento introduz novas técnicas de edição e sonorização, roteiros inovadores e câmeras leves e portáteis que permitiam filmar nas ruas com equipes pequenas, custo menor e maior mobilidade. Privilegia as indagações existenciais, o conceito de liberdade individual frente a um estado repressor, concentrando-se, também, nos problemas amorosos.

A NV situou-se entre 1955 e 1964, época dos cineclubes e da revista-bíblia do movimento, a Cahiers du Cinéma. Expoentes: JEAN-LUC GODARD, FRANÇOIS TRUFFAUT, CLAUDE CHABROL, ÉRIC ROHMER, JACQUES RIVETTE, JACQUES DEMY, LOUIS MALLE, AGNÈS VARDA e JACQUES ROZIER.

As características do movimento tiveram sua internacionalização via Acossado e Os incompreendidos, no festival de Cannes de 1959, chegando a influenciar o cinema brasileiro com o surgimento do Cinema Novo, no início da década de 1960.

A seguir, um resumo das principais obras dos cineastas citados:

–  JEAN-LUC GODARD (1930 - ) - Dono de vasta obra cinematográfica, para uns é “God-Art”; outros acham que sua obra é igual a panqueca: chata e enrolada. Com um cinema agressivo, enigmático e desconcertante, leva o espectador a juntar mensagens e imagens e formar sua própria interpretação.  Principais filmes:

– Acossado (1960) - Seu primeiro longa-metragem, rompeu com a estrutura narrativa clássica;

– O pequeno soldado (1960) - Relata a brutalidade da guerra da Argélia;

– O desprezo (1963) - O mito Brigitte Bardot, em filme “normal”;

– Alphaville (1965) - A cidade futurista dominada por computador - Urso de Ouro no Festival de Berlim;

– A chinesa (1967) - Os efeitos da revolução cultural de Mao Tse-tung na juventude francesa;

– Je vous salue Marie (1984) - O polêmico filme que mostra a virgem nua. JLG foi declarado herege pelo papa João Paulo II.

Seus mais recentes filmes são:

– Nouvelle Vague (1990);

– JLG por JLG (1995);

– Para sempre Mozart (1996);

– História(s) do Cinema (série de oito vídeos e quatro livros que levou 15 anos para concluir);

– FRANÇOIS TRUFFAUT (1932-1984) - O chamado “homem que amava as mulheres” tem uma obra voltada para o amor e suas formas. Seus principais filmes:

– Os incompreendidos (1959) - Inspirado em episódios de sua própria infância rebelde;

– Jules e Jim (1961) - O audacioso triângulo amoroso mais imitado do cinema;

– Fahrenheit 451 (1966) - A queima de livros por governo totalitário;

– A noite americana (1973) - Crônica de uma filmagem. Oscar de Melhor Filme Estrangeiro;

– A história de Adèle H (1975) - O amor levado à loucura;

– O homem que amava as mulheres (1977) - Filme-síntese do conjunto de sua obra.

Seu último filme foi De repente, num domingo (1983);

- CLAUDE CHABROL (1930 - ) - Um dos fundadores da NV. Estreou em Nas garras do vício (1958). Em seguida: Os primos (1959) e Quem matou Leda? (1959). Depois, com um cinema mais comercial:

– Um assunto de mulheres (1988);

– O olho de Vichi (1993);

– Ciúme (1994);

– Mulheres diabólicas (1995);

– ÉRIC ROHMER (1920 - ) - Seu longa, Le signe du Lion (1959), foi uma das primeiras incursões na NV. Fez sua obra em ciclos: Contos morais, nos anos 1960-1970, sendo o mais belo Minha noite com ela (1969); Comédias e Provérbios, nos anos 1980 e Contos sazonais, nos anos 1990;

– JACQUES RIVETTE (1928 - ) - Destaques: A religiosa (1966);  La bande des quatre (1989), prêmio internacional da crítica de Berlim; A bela intrigante (1991);

– JACQUES DEMY (1931-1990) - Lola (1961) e Os guarda-chuvas do amor (1964);

– LOUIS MALLE (1932-1995) - Ascensor para o cadafalso (1958), Os amantes (1958), Viva Maria (1965), Lacombe Lucien (1973), Pretty baby (1978), Atlantic City (1980), Adeus, meninos (1987);

– AGNÈS VARDA (1928 - ) - Seu filme de estreia, La point courte (1954), antecipou a NV. Destaques: Cléo de 5 às 7 (1962) e As duas faces da felicidade (1965);

– JACQUES ROZIER (1926) - Poucos filmes, destaque para Adeus, Philipine (1962).

O CINEMA DA GRÃ-BRETANHA

Após o pioneirismo do ótico ROBERT WILLIAM PAUL, que iniciou, em março de 1896, sessões públicas de cinema e é considerado o fundador da indústria cinematográfica inglesa, houve períodos intercalados de desenvolvimento e declínio no cinema britânico.

Superando o cinema europeu nos primeiros anos, não resistiu, entretanto, à concorrência francesa e, a partir dos anos 1910, é tomado de uma apatia que iria piorar com a chegada da I Grande Guerra e a invasão do mercado pela indústria norte-americana, que produziu 700 filmes em 1926, contra 26 britânicos e 55 franceses.

Entretanto, ALFRED HITCHCOCK iniciava sua carreira cinematográfica, produzindo cerca de dez filmes mudos entre 1925 e 1929.

O primeiro filme falado de importância viria em 1929: Blackmail (Chantagem e confissão), de HITCHCOCK. O advento do cinema falado deu novo alento ao cinema inglês até a II Guerra Mundial (só em 1934 foram produzidos 190 filmes).

Em 1931, passa a viver na Inglaterra o húngaro ALEXANDER KORDA, que se naturalizou e fundou a London Films, dando uma contribuição considerável para a reativação da indústria cinematográfica do país; seu filme Os amores de Henrique VIII (1933) teve enorme sucesso de público e crítica e é um marco na história do nascimento do cinema inglês sonoro.

Sucederam-se superproduções históricas de orçamentos elevados.

Durante a II Guerra, aumentou a ação dos documentaristas que, desde 1929, vinham dando sua contribuição no sentido de mostrar um cinema autêntico, realista e em nível de obra de arte. O grande teórico, organizador e líder da escola documentária foi JOHN GRIERSON, que teve à sua volta discípulos como: PAUL ROTHA, BASIL WRIGHT e o brasileiro ALBERTO CAVALCANTI, entre outros.

Após a guerra, a contribuição artística da escola do documentário influenciou alguns cineastas, como: ROBERT HAMER, CAROL REED, DAVID LEAN etc., que se mantiveram fiéis ao realismo tradicional. Ao lado das produções realistas, alguns realizadores dedicaram-se a adaptações das grandes obras clássicas (Oliver Twist, Hamlet etc.).

Continuaram os filmes de guerra; vieram os de humor sofisticado (As oito vítimas, O mistério da torre etc.).

ALEXANDER KORDA morre, em 1956, e a London Films, decadente, cede lugar à Organização Rank-ABPC. Desaparece certo tipo de cinema inglês tradicional. A partir dessa data, o capital norte-americano passa a financiar os grandes sucessos comerciais (A série James Bond, A ponte do rio Kwai, Lawrence da Arábia, Dr. Jivago...); as exceções são os filmes de Joseph Losey (O criado, O mensageiro etc.) e os filmes de terror, com destaque para os da Hammer Films. É dessa época uma das obras-primas do cinema de horror: O vidente (1959), de Michael Powell.

O cinema britânico, em crise por volta de 1955, teve uma nova corrente: os “Angry Young Men”, liderada por LINDSAY ANDERSON (diretor de Se... – 1968) que, juntamente com TONY RICHARDSON (diretor de Odeio essa mulher – 1959) e KAREL REISZ (diretor de Tudo começou num sábado – 1960), funda o Free Cinema, uma espécie de neorrealismo à inglesa, em oposição ao caráter convencional do cinema dos anos 1950 no país. O filme mais popular de Richardson, Tom Jones (1963), encerra o período do Free Cinema, com a maior parte de seus defensores indo filmar nos EUA, à exceção de LINDSAY ANDERSON, fiel aos seus princípios com Se (1968) e Um homem de sorte (1973).

O americano radicado na Inglaterra, Richard Lester, deu novo alento ao cinema cômico com A bossa da conquista (1965) e lançou os Beatles com A hard day’s night (aqui, “Os reis do iê-iê-iê”...), em 1964, e Help (1965).

A produção dos anos 1970 retraiu-se com a saída dos capitais americanos em 1969, a concorrência da TV e a crise econômica que paralisou a atividade industrial.

A partir dos primeiros anos da década de 1980, novos caminhos foram abertos por cineastas de vanguarda, como: PETER GRENAWAY, HUSH HUDSON e MICHAEL RADFORD. Iniciou-se uma lenta retomada, revelando-se cineastas importantes como: TERENCE DAVIES, NEIL JORDAN, MIKE LEIGH e STEPHEN FREARS.

Nos anos 1990, com uma diversidade de estilos e temas, o cinema britânico teve cinco filmes que conquistaram as maiores bilheterias no país, em todos os tempos: Trainspotting, Mr. Bean, o filme, Um lugar chamado Notting Hill, Ou tudo ou nada e Quatro casamentos e um funeral.

Entre os novos filmes, também sobressaíram: Shakespeare apaixonado (1998), Elizabeth (1998), Jogos, trapaças e dois canos fumegantes (1998), Hamlet (1996) e Persuasão (1995).

Em meados de 1999, O British Film Institute elegeu os 100 melhores filmes da Inglaterra nos últimos cem anos; os 10 primeiros são:

1 - O terceiro homem (1949) – Carol Reed

2 - Desencanto (1945) – David Lean

3 - Lawrence da Arábia (1962) – David Lean

4 - Os 39 degraus (1935) – Alfred Hitchcock

5 - Grandes esperanças (1946) – David Lean

6 - As oito vítimas (1949) – Robert Hamer

7 - Kes (1969) – Ken Loach

8 - Inverno de sangue em Veneza (1973) – Nicolas Roeg

9 - Sapatinhos vermelhos (1948) – Michael Powell

10 - Trainspotting (1996) – Danny Boyle.

A lista completa do BFI está em outro capítulo deste livro.

Outros grandes filmes ingleses que recomendamos ao leitor são:

– A dama oculta (1938) – Alfred Hitchcock

– A ponte do rio Kwai (1957) – David Lean

– Alegrias a granel (1948) – Alexander Mackendrick

– Almas em leilão (1959) – Jack Clayton

– As aventuras de Tom Jones (1963) – Tony Richardson

– As quatro penas brancas (1939) – Zoltan Korda

– Becket (1964) – Peter Glenville

– Butley (1974) – Harold Pinter

– Classe operária (1982) – Jerzy Skolimowski

– Contos de Natal (1951) – Brian-Desmond Hurst

– Coronel Blimp (1943) – Michael Powell

– Dr. Fantástico (1964) – Stanley Kubrick

– Dunkirk (1958) – Leslie Norman

– Glória sem mácula (1960) – Ronald Neame

– Hamlet (1948) – Laurence Olivier

– Henrique V (1945) – Laurence Olivier

– Major Barbara (1941) – Gabriel Pascal

– Man of Aran (34) – Robert Flaherty

– Marat-Sade (1966) – Peter Brook

– Na solidão da noite (1945) – Vários contos de terror, vários diretores

– Narciso Negro (1947) – Michael Powell

– Neste mundo e no outro (1946) – Michael Powell

– Nosso barco, nossa alma (1942) – Noel Coward / David Lean

– O caminho das estrelas (1945) – Anthony Asquith

– O condenado (1947) – Carol Reed

– O jardineiro fiel (2005) – Fernando Meirelles

– O leão no inverno (1968) – Anthony Harvey

– Submarino amarelo (1968) – George Dunning

– Oliver Twist (1948) – David Lean

– Oliver! (1968) – Carol Reed

– Os amores de Henrique VIII (1933) – Alexander Korda

– Othello (1965) – Stuart Burge

– Pigmalião (1938) – Anthony Asquith

– Pink Floyd – The Wall – Alan Parker

– Quarteto (1948) – Ken Annakin

– Repulsa ao sexo (1965) – Roman Polanski

– Retorno a Howards End (1992) – James Ivory

– Se... (1968) – Lindsay Anderson

– Seance on a wet afternoon (1964) – Bryan Forbes

– Sob a luz das estrelas (1939) – Carol Reed

– Somente Deus por testemunha (1958) – Roy Ward Baker

– The loneliness of the long distance runner (1962) – Tony Richardson

– Três irmãs (1970) – Laurence Olivier

– Ultimatum (1950) – Roy Boulting

– Um homem de sorte (1973) – Lindsay Anderson

– Verde passional (1946) – Sidney Gilliat

A EXPLOSÃO DO CINEMA IRANIANO A PARTIR DOS ANOS 1990

Diferente, pitoresco, original e emocionante, o cinema iraniano conta suas histórias de modo mais lento, com filmes de duração mais curta, porém com densidade suficiente para prender o expectador. Evidenciando certa afinidade com o neorrealismo italiano, utiliza-se de atores não-profissionais e locações naturais, devido ao pouco capital disponível para suas realizações. Partindo de situações simples e verossímeis que podem perfeitamente acontecer no dia a dia de pessoas comuns do povo em sua precária situação social, mostra o lado dramático e angustiante de determinados acontecimentos e sua importância no destino dos envolvidos. Embora sob a severa censura islâmica, são filmes ligados na realidade do país, meio ficção, meio documentário.

Diversas de suas produções de boa qualidade passaram a participar de festivais internacionais no início da década de 1990, logrando algumas premiações.

ABBAS KIAROSTAMI, o melhor cineasta do país, obteve consagração internacional em 1997, quando seu filme Gosto de cereja levou a Palma de Ouro do festival de Cannes, conquistando, também, o título de melhor filme do ano, dado pela Sociedade Nacional dos Críticos dos EUA. Kiarostami ainda recebeu, em 1997, a Medalha Fellini da Unesco, distinção que é dada para diretores que pontificam “por seus serviços à arte, à liberdade e à paz”.

Dois anos depois, em 1999, outro cineasta iraniano se destacou: MAJID MAJIDI, com seu emocionante filme Filhos do Paraíso, que disputou o Oscar de melhor filme estrangeiro com Central do Brasil e A vida é bela. Em Central do Brasil e em Filhos do Paraíso é mostrada uma realidade nua e crua da vida sofrida de pessoas pobres. O júri do Oscar preferiu eleger, entretanto, A vida é bela como melhor filme estrangeiro, embora este fosse inferior aos seus concorrentes.

Prêmios em festivais também foram obtidos por JAFAR PANAHI, que conquistou a Câmera de Ouro em Cannes e o Prêmio do Júri na 19a Mostra Internacional de São Paulo, com O balão branco (1995), situado entre os dez melhores filmes do ano; o Leopardo de Ouro em Locarno, com O espelho (1997); e o Leão de Ouro em Veneza, com O círculo (2000).

Um diretor dos mais experientes do cinema iraniano é o autodidata MOHSEN MAKHMALBAF, com filmes de expressão como Um instante de inocência (1996) e Salve o Cinema (1995). Sua filha, SAMIRA MAKHMALBAF, seguiu seus passos e já aos 18 anos de idade conseguiu fascinar a imprensa e o público no 51o festival de Cannes, em 1998, com seu filme A maçã, que participou da seleção não-competitiva; SAMIRA é, até agora, a mais jovem diretora a participar do festival e, também, a única representante do sexo feminino da atual cinematografia iraniana. Seu segundo filme, O quadro negro (2000), que recebeu o Prêmio do Júri do Festival de Cannes, segue a temática dos melhores filmes do país: acontecimentos simples transformados em alegorias.

Para se ter uma melhor ideia da essência das produções cinematográficas iranianas, que retratam de modo sutil as realidades do país, vejamos as sinopses de alguns de seus melhores ou mais pitorescos filmes:

– Onde fica a casa do meu amigo? (1987), de ABBAS KIAROSTAMI: a história do garoto Ahmad, que pega por engano o caderno de um colega de classe e faz de tudo para devolvê-lo, receoso com a punição que o professor poderia dar. Uma pequena odisseia rodada durante o autoritário regime xiita do aiatolá Khomeini. Um olhar do cineasta sobre seu país, abalado com as instabilidades advindas do conflito com o Iraque, com a doença, a pobreza e a desesperança de um povo;

– O balão branco (1995), de JAFAR PANAHI: garotinha pobre convence a mãe a lhe dar suas últimas economias, para que possa comprar um peixinho dourado e cumprir o ritual do ano-novo, mas perde o dinheiro e inicia uma série de aventuras, numa busca desesperada para recuperá-lo;

– Filhos do Paraíso (1997), de MAJID MAJIDI: garoto de família muito pobre perde o único par de sapatos da irmã e, com medo do castigo do pai, passa a emprestar-lhe o seu único par de tênis para que ela possa ir à escola, cujas aulas terminam pouco antes de começarem as suas, obrigando-o a uma verdadeira maratona diária para que possa chegar a tempo. E os problemas começam a aparecer. Numa atmosfera neorrealista – que lembra até Ladrões de bicicleta, de Vittorio De Sica –, é um belo filme, emocionante e atraente;

– O círculo (2000), de JAFAR PANAHI: filme lida com a desigualdade entre homens e mulheres no mundo muçulmano, uma sociedade dominada pelos homens, mostrando o sentimento de prisão e impotência do universo feminino no país. Em seu início, conta a história de uma mulher que, por gerar uma filha em vez de um filho, é condenada pela religião, a sociedade e a lei, destinando-se, depois, ao abandono e à prostituição. Histórias paralelas, como a de uma mulher solteira que fica grávida e quer abortar, para não ter um fim trágico e a de fugitivas que fumam, estão presentes e servem como uma espécie de documentário crítico a favor das mulheres muçulmanas. Ousado, para os padrões iranianos, o filme foi o grande vencedor do Leão de Ouro do 57o festival de Veneza;

– Salve o Cinema (1995), de MOHSEN MAKHMALBAF: filme inteligente e com uma abordagem inédita, registrando testes feitos com cidadãos comuns que acreditavam estar numa seleção de atores, mas já estavam participando do próprio filme;

– O jarro (1992), de EBRAHIM FOROUZESH: enorme jarro de escola no deserto iraniano racha e impossibilita o armazenamento de água, obrigando as crianças a uma perigosa ida diária até um rio local. A demora do reparo gera atritos entre os pais e o professor. Com um orçamento de menos de 100 mil dólares, o filme levou o Leopardo de Ouro no festival de Locarno e o Prêmio do Júri da 18a Mostra Internacional de Cinema de São Paulo;

– Vida e nada mais (E a vida continua)-1992, de ABBAS KIAROSTAMI: após trágico terremoto que devastou uma região no norte do Irã, cineasta e seu filho procuram notícias sobre o que aconteceu a duas crianças que atuaram no filme Onde fica a casa do meu amigo?. Uma exaltação à perseverança e à sobrevivência, mostrando que a vida continua, apesar da destruição;

– Através das oliveiras (1994), de ABBAS KIAROSTAMI: em vilarejo destruído pouco antes por um terremoto, cineasta iraniano pretende filmar uma história de ficção, quase documental, com atores recrutados no local, e esbarra com uma jovem que não sabe o que é fingir e se nega a atuar em frases e atitudes de que discorda. Diretor procura realizar o filme como um cinema-verdade e sutilmente conduzir a trama paralela entre um ator amador e a jovem com quem quer se casar, embora a tradição local não o permita;

– Gabbeh (1996), de MOHSEN MAKHMALBAF: uma história de amor de mulher iraniana impedida de casar-se com o homem por quem se apaixonou vai sendo contada, enquanto um casal lava tapete em um rio (Gabbeh é o nome dado a um tipo rústico e colorido de tapete feito no Irã);

– Um instante de inocência (1996), de MOHSEN MAKHMALBAF: realidade e ficção numa reconstituição de história passada no tempo da juventude do diretor, quando era um ativista que lutava contra o regime do xá Reza Pahlevi (1919-1980), deposto em 16 de janeiro de 1979. Soldado que fora preso, torturado e quase executado, salvando-se apenas com a vitória da revolução islâmica liderada pelo aiatolá Khomeini, reencontra o diretor, a quem pede um papel num filme. O cineasta propõe, então, um filme com a história do episódio em que atuaram juntos no passado e transforma o acontecimento neste filme semidocumental;

– A quinta estação (1997), de RAFI PITTS: duas famílias de um isolado vilarejo iraniano brigam durante tantos anos que até esquecem o porquê das hostilidades. Um casamento de contrato, arranjado pelos seus líderes a fim de conciliar os litigantes, fracassa, e a rivalidade aumenta. Filme com toques de dramaturgia ocidental – diferente dos padrões médios iranianos – por influência da formação do diretor Pitts em Londres e dos momentos em que colaborou com o diretor francês Jacques Doillon;

– Gosto de cereja (1997), de ABBAS KIAROSTAMI: homem que planeja se suicidar e não tem certeza se conseguirá seu intento, viaja de carro procurando alguém que se disponha a realizar estranha tarefa em troca de dinheiro. Ao ouvirem a proposta, porém, as pessoas desistem de ajudá-lo. Conversas ambíguas do protagonista com jovens que contata pelo caminho deixam a impressão de um velado homossexualismo. Kiarostami aborda, assim, de modo ousado, dois tabus islâmicos;

– A maçã (1998), de SAMIRA MAKHMALBAF: filme baseado na história real das gêmeas Zahra e Ghorbanali Naderj, que viveram confinadas em uma casa de subúrbio até os 11 anos, sem aprender a falar e mal podendo andar, porque a mãe cega e o pai fanático pensavam estar seguindo um preceito do Alcorão. O caso foi descoberto por denúncias de vizinhos. Para realizar o filme, Samira convenceu as meninas e sua família, além dos vizinhos, a atuar na produção. Os fatos são relatados fielmente, sem análises, mas deixando entrever a influência do homem na sociedade islâmica e atos injustos feitos sob o manto de princípios religiosos, sociais ou políticos;

– O quadro negro (2000), de SAMIRA MAKHMALBAF: na belicosa fronteira entre Irã e Iraque, dois professores obstinados carregam quadros negros nas costas, preocupados em alfabetizar as crianças do local, que se preocupam mais em sobreviver do que estudar. O filme inclui boas histórias paralelas que valorizam a visão proporcionada pelo cineasta;

– O espelho (1997), de JAFAR PANAHI: após uma espera de algumas horas e vendo que sua mãe não aparecia para pegá-la na escola, garota sai sem destino pela cidade e conhece várias pessoas, proporcionando uma comparação entre seu olhar infantil do mundo e a realidade dos adultos. Filme levou o Leopardo de Ouro no festival de Locarno;

– Close-up (1990), de ABBAS KIAROSTAMI: o julgamento de jovem que se fez passar pelo diretor iraniano Mohsen Makhmalbaf para iludir pessoas ingênuas, mas foi denunciado por uma família rica;

– O ciclista (1989), de MOHSEN MAKHMALBAF: homem disputa insana competição de ciclismo a fim de arranjar dinheiro para tratar a mulher doente. Outros filmes de Makhmalbaf foram:

– O silêncio (1998), que conta a história de um menino cego, afinador de instrumentos e fascinado por sons, que ao seguir novos ruídos sempre se perde no caminho para a oficina; e

– A caminho de Kandahar, a história de uma jornalista afegã em busca da irmã que ameaça suicidar-se por causa da opressão que sofre, em Kandahar, ninho do Talibã.

O 2o Festival de Filmes Iranianos no Brasil, que no Rio de Janeiro se realizou entre 24 e 29 de outubro de 1998, nos revelou outros filmes, como: Os inquilinos, de DARIUSH MEHRJUI; Pequeno pássaro da felicidade, de POORAN DERAKHSHANDEH; Fim da infância, de KAMAL TABRIZI; Capitão Khorshid, de NASSER TAGHVAI; Um ingresso, dois filmes, de DARIUSH FARHANG, além de O ciclista e de Onde fica a casa do meu amigo?, já comentados.

Como o leitor pode deduzir, há muito que se ver no cinema iraniano...

O NEORREALISMO ITALIANO

Um filme de 1914, Perdidos na escuridão, de Nino Martoglio, baseado no naturalismo literário do século XIX, sobretudo da corrente verista, e outro de 1915, Assunta Spina, de Serena, já continham os padrões do movimento neorrealista italiano.

Entretanto, com a ascensão do fascismo, em 1922, o cinema italiano passou a ser dominado pelo Estado e veiculava uma ideologia implícita de exaltação ao regime. Foi a era dos épicos ou dos dramas e comédias alienados da realidade social italiana, denominados “telefones brancos”.

Quase ao final da ditadura fascista, Luchino Visconti realizou Obsessão, que, ao lado dos filmes Quattro passi tra le nuvole, de Alessandre Blaseti e I bambini ci Guardano, de Vittorio De Sica, prenunciava o neorrealismo, na opinião do crítico Umberto Barbaro, autor da denominação, em 1942.

Em 1945, a partir de Roma, cidade aberta, de Roberto Rosselini, o movimento cresceu e se impôs mundialmente, abrangendo a maioria dos grandes filmes realizados de 1946 a 1955; teve como temática a realidade cotidiana e a ruína social em que se encontrava o país, destruído pela guerra; com realismo franco (mas poético) e contestação política francamente antifascista, utilizou-se de filmagens feitas fora dos estúdios, a céu aberto, e de atores não-profissionais, retratando o desemprego, a fome e as dificuldades de sobrevivência, num vasto painel da Itália de então. Outro filme marcante do período foi o premiado Ladrões de bicicletas (1948), de Vittorio De Sica.

Damos, a seguir, os grandes cineastas que se destacaram como representantes dessa etapa primordial do cinema italiano e seus principais filmes:

– LUCHINO VISCONTI - Obsessão, 1942; A terra treme, 1948; Sedução da carne, 1954; Rocco e seus irmãos, 1960; O Leopardo, 1963; Os deuses malditos, 1969; Morte em Veneza, 1971, Ludwig, 1973; Violência e paixão, 1974 e O inocente, 1976;

– ROBERTO ROSSELINI - Roma, cidade aberta, 1945; Paisá, 1946; Alemanha, ano zero, 1947; Stromboli, 1949; Francisco, arauto de Deus, 1951; Europa 51, 1952; Romance na Itália, 1953; De crápula a herói, 1959;

– VITTORIO DE SICA - Vítimas da tormenta, 1946; Ladrões de bicicletas, 1948; Milagre em Milão, 1951; Umberto D, 1952; Quando a mulher erra, 1953; O ouro de Nápoles, 1954; O teto, 1956; Duas mulheres, 1960; O juízo universal, 1962; Ontem, hoje e amanhã, 1963; Matrimônio à italiana, 1964; Os girassóis da Rússia, 1970; O jardim dos Finzi-Contini, 1970;

– GIUSEPPE DE SANTIS - Caçada trágica, 1947; Trágica perseguição, 1948; Arroz amargo, 1949; Páscoa de sangue, 1950; Roma às 11 horas, 1952;

– ALBERTO LATTUADA - O bandido, 1946; Sem piedade, 1948; O moinho de pó, 1949; Mulheres e luzes, 1950; O capote, 1952;

– PIETRO GERMI - O caminho da esperança, 1951; O ferroviário, 1956; O homem de palha, 1957; Divórcio à italiana, 1962; Seduzida e abandonada, 1964; A cidade se defende, 1951;

– RENATO CASTELLANI - Due soldi di esperanza, 1952; No limiar da realidade, 1956;

– CARLO LIZZANI - A rebelde, 1951; Os amantes de Florença, 1953;

– LUIGI ZAMPA - A romana, 1954: A contestação, 1969.

Visconti, Rosselini, Zampa e Gianni Franciolini dirigiram, ainda, episódios de Nós, as mulheres, em 1953.

Na relação acima constam alguns filmes posteriores ao período neorrealista italiano – muitos deles ainda contendo os cânones do movimento – apenas com a finalidade de proporcionar ao leitor uma visão mais abrangente  da obra dos cineastas citados.

No decorrer dos anos 1950, o neorrealismo começou a dar lugar a gêneros populares como a comédia de costumes e o melodrama, mas sua influência continuou presente, ainda, em vários filmes da década de 1960 e em alguns que se realizaram posteriormente.

O CINEMA ITALIANO PÓS-NEORREALISMO

A partir dos anos 1950, o neorrealismo começa a diluir-se em outros gêneros como a comédia de costumes e o melodrama. Nova geração de cineastas entra em cena e segue-se uma época de grandes obras que consagraram mundialmente o cinema italiano, pontificando realizadores como Federico Fellini, Michelangelo Antonioni, Luchino Visconti, Píer Paolo Pasolini, Francesco Rosi, Bernardo Bertolucci, Elio Petri, e outros. Revelam-se astros e estrelas como Gina Lollobrigida e Sophia Loren. Foi um período com grandes clássicos até hoje cultuados. Abre-se o caminho para um cinema de cunho poético, político e diversificado, tendo por apoio uma grande infraestrutura-estrutura industrial que iria manter-se até meados da década de 1970, quando uma crise econômica – com altos índices de desemprego – afetou duramente a Itália. À crise somou-se a concorrência da televisão (privada e estatal), tudo levando à diminuição gradativa do público cinéfilo, com reflexos na criação e produção cinematográficas, forçando, a partir daí, vários cineastas a reduzirem suas criações.

Damos, a seguir, uma pequena amostra dos principais cineastas deste período e suas mais destacadas obras, não deixando de mencionar, também, aquelas mais importantes que fizeram no período neorrealista, para efeito de divulgação mais abrangente de suas realizações:

– FEDERICO FELLINI (1920-1993) – Com uma vida agitada e erradia quando jovem, saiu de Rimini, sua cidade natal, em 1938, para ser revisor e cartunista em Florença, continuando, depois, carreira de jornalista em Roma. Ali, passou, naturalmente, para o ofício de roteirista, realizando trabalhos para filmes cômicos e, em seguida, colaborando com cineastas famosos como Rosselini, Pietro Germi e Alberto Latuada, com o qual assinou seu primeiro filme, Mulheres e luzes (1950).

Sua primeira produção independente viria em 1952 com Abismo de um sonho (Lo sceicco bianco), onde mostrou uma original habilidade, diferenciando-se do esquema dominante no cinema italiano da época, remetendo o público a um universo onírico e barroco. Daí em diante, foi uma “sucessão de sucessos sucedidos sucessivamente”, como podemos ver, a seguir:

–Os boas-vidas (1953): estudo autobiográfico sobre cinco adolescentes entediados, já com os elementos nostálgicos e surrealistas que são comuns em sua obra;

–A estrada da vida (1954): filme que trouxe a consagração internacional a Fellini e que lançou uma grande atriz, Giulietta Masina, sua esposa desde 1943. “Com as atrações tristes ou mirabolantes, as temporadas intermináveis, o carro, os três heróis, o "hércules", o acrobata, a palhaça, La strada foi um circo intelectual” (Georges Sadoul). Com cenas memoráveis e comoventes, A estrada da vida ganhou, merecidamente, o Oscar de melhor filme estrangeiro em 1956;

–As noites de Cabíria (1957): em estilo neorrealista, este clássico mostra a vida e os sonhos de uma prostituta romana que acreditava na boa-fé das pessoas e sempre acabava se dando mal. Giulietta Masina, mais uma vez, em admirável interpretação. Oscar de melhor filme estrangeiro;

–A doce vida (1960): painel da sociedade romana do pós-guerra, com sua vida desencontrada e angustiante, a estrutura de classes e a hipócrita relação entre o Estado italiano e o catolicismo. Palma de Ouro em Cannes;

–Fellini oito e meio (1963): autorretrato de Fellini e seus sonhos; a arte como fuga da solidão e angústia do homem moderno. Oscar de melhor filme estrangeiro;

–Julieta dos Espíritos (1965): primeiro longa-metragem em cores de Fellini. A crise existencial de mulher da alta burguesia que acredita que seu marido a trai e sua luta contra os fantasmas íntimos. Leão de Prata em Veneza e melhor filme estrangeiro do ano pela Associação dos Críticos de Nova York;

–Amarcord (1973): Amarcord (“eu me lembro”, em dialeto romagnol) é uma crônica onírica e nostálgica de uma pequena cidade italiana na década de 1930; relato autobiográfico, que revela o cotidiano familiar, o despertar da sexualidade e a ascensão do fascismo. Oscar de filme estrangeiro, o quarto na carreira de Fellini (Em 1993 recebeu mais um pelo conjunto de sua obra). Devem ser assinalados, ainda:

–Satyricon (1969);

–Roma de Fellini (1972);

–Casanova de Fellini (1976);

–Ensaio de Orquestra (1979);

–Cidade das mulheres (1980);

–E la nave và (1983);

–Ginger & Fred (1985);

–Entrevista (1987);

–A voz da Lua (1990);

– MICHELANGELO ANTONIONI (1912-) – De início, jornalista e crítico de cinema, colaborou com Rosselini em Un piloto ritorna (1942) e foi assistente de Marcel Carné em Os visitantes da noite (1942). Após vários curtas-metragens, dirigiu seu primeiro longa, Crimes d’alma, em 1950, no qual já começava a aparecer seu estilo: um cinema hermético (introspectivo) voltado para a análise dos problemas de comunicação entre as pessoas, o tédio, a insegurança quanto ao futuro e a dependência do homem perante a sociedade.

Antonioni alcançou projeção internacional a partir de As amigas (1955), O grito (1956) e A aventura (1959).

Principais filmes:

–A aventura (1959): primeira parte de uma trilogia que inclui A noite e O eclipse; foi considerado como um dos melhores filmes de sua década. Prêmio do Júri, em Cannes;

–A noite (1960): denso estudo dos problemas de coexistência em um casamento em crise. Urso de Ouro em Berlim;

–O eclipse (1961): assim como em A noite, a incomunicabilidade é o tema principal deste filme. Prêmio especial do Júri, em Cannes;

–O dilema de uma vida (1963): mulher burguesa, em acentuada crise de depressão, e sua tentativa de escapar do desespero do vazio. Leão de Ouro em Veneza;

–Blow-up (Depois daquele beijo, 1967): clássico baseado em obra de Júlio Cortázar, foi um dos marcos culturais dos anos 1960. Fotógrafo, ao ampliar fotos que fez em um parque, observa algo como um cadáver entre os arbustos. Ao tentar elucidar o mistério, envolve-se em situações

bizarras. Com um enredo atraente, o filme conquistou a Palma de Ouro em Cannes;

–Passageiro – profissão repórter (1974): na opinião de Antonioni, seu filme mais estilístico e político. Uma análise da influência das escolhas humanas em seu destino e em sua alma;

–Além das nuvens (1995): filme em quatro episódios, com elenco de primeira categoria, é uma sensível crônica sobre o amor nos tempos modernos. Co-direção de Wim Wenders. Imperdível;

– LUCHINO VISCONTI (1906-1976) – Filho de tradicional família de Milão, o conde Don Luchino Visconti di Modrone dedicou-se, em sua juventude, às letras e às artes, bem como à criação de cavalos. Possuidor de bela formação cultural e artística, inicia, em 1936, uma atividade teatral que marcou época na Itália, inclusive dirigindo diversas óperas, a serviço de Maria Callas, que lhe deram projeção internacional. Em seguida, interessa-se pelo cinema e vai para Paris, onde, em 1936, tornou-se assistente de Jean Renoir em Les bas-fonds e em Une partie de champanhe. De volta à Itália, trabalha como assistente em La Tosca, antes de afirmar-se como grande diretor em Ossessione, seu primeiro longa-metragem.

Sua filmografia possui uma arte lírica e refinada, sem deixar de lado a constatação da problemática social, como podemos ver em:

–Ossessione (1942): filme que retrata, de forma corajosa e sem concessões, a vida operária. Com alusões contínuas ao realismo francês, é obra considerada precursora do neorrealismo italiano;

–La terra trema (1947): a realidade cotidiana e a miséria dos pescadores na Sicília. Considerado um dos melhores filmes italianos;

–Sedução da carne (1954): ambientado no Risorgimento italiano, é uma de suas melhores obras. Dirigido como uma ópera, soube explorar bem cores (pela primeira vez em Visconti), cenografia e música (Sétima Sinfonia, de Anton Bruckner);

–Rocco e seus irmãos (1960): grande clássico e um dos grandes poemas trágicos do cinema. A desagregação de uma família de camponeses que emigra para Milão e a falência dos valores rurais da união familiar frente às implicações oriundas do envolvimento na sociedade industrial capitalista. Ganhador do prêmio especial do Festival de Veneza. Tudo isso na versão original do filme, que é de 180min (a versão distribuída às locadoras é dublada em inglês e está com apenas 144min, o que reduz, em muito, a beleza da obra);

–O Leopardo (1963): baseado no romance homônimo de Giuseppe Tomasi de Lampedusa (1896-1957), o filme mostra a decadência de uma classe dominante (nobreza siciliana), no séc. XIX durante a unificação da Itália, e as grandes mudanças sociais que dão lugar a uma burguesia ascendente. Palma de Ouro em Cannes;

–Vagas estrelas da Ursa (1965): Leão de Ouro em Veneza;

–Os deuses malditos (1969): a ligação de ricos industriais alemães com o nazismo, nos anos 1930;

–Morte em Veneza (1971): a atração compulsiva de velho austríaco por um adolescente. Filme baseado em novela de Thomas Mann (1875-1955) sobre a personalidade do compositor austríaco Gustav Mahler (1860-1911) cujas terceira e quinta sinfonias compõem a trilha sonora. Prêmio Especial do Júri, em Cannes;

–Violência e paixão (1974): obra de especial riqueza e realização com elenco de primeira categoria. Velho professor, que vive enclausurado em apartamento em Roma com suas coleções de livros e documentos, tem sua vida completamente mudada com a chegada de jovem rebelde (do movimento estudantil de 1968) que passa a morar em andar acima do seu;

–O inocente (1976): aristocrata se desinteressa de sua mulher e tem romance com condessa. A esposa se vinga tornando-se amante de um escritor. Suspeitando e com ciúmes marido decide reconquistá-la. Último filme de Visconti.

– PIER PAOLO PASOLINI (1922-1975) – Sem dúvida, o mais escandaloso diretor do cinema italiano. Após fixar residência em Roma, em 1949, dedica-se à carreira literária, com poesias e romances, onde já se podia vislumbrar a essência de sua obra: desconcertante, com transgressões estéticas e linguísticas. Autor de romances considerados obscenos na época, respondeu a 33 processos judiciais. Aderiu ao Partido Comunista Italiano sem, todavia, deixar de ser católico, uma contradição que iria pesar em suas realizações, que misturam catolicismo, marxismo, fascismo, sexualidade e mitologia. Homossexual confesso, foi assassinado em 1975, em Óstia, por um jovem de 17 anos, aparentemente por vingança sexual. Roteirista de todos os filmes que dirigiu, sua obra polêmica pode ser vista em:

–Desajuste social (1961): seu primeiro filme, baseado no seu romance Una vita violenta, um drama sobre os jovens delinquentes da periferia de Roma (Iguais àquele que iria matá-lo em 1975, no Dia de Finados);

–Mamma Roma (1962): melodrama freudiano de uma prostituta urbana (com Anna Magnani). Estreou no Festival de Veneza em 1962, mas foi apreendido pela polícia, que o julgou obsceno;

–O Evangelho segundo São Mateus (1964): adaptação livre e moderna dos textos santos, considerada herege pela Igreja Católica. Prêmio Especial do Júri, em Veneza. Pasolini declarou sobre o filme: “Para os soldados de Herodes pensei na corja fascista; José e a Virgem Maria tiveram por modelo refugiados de dramas semelhantes do mundo atual”. Curioso é que sua mãe trabalhou no filme, encenando a Virgem Maria...;

–Édipo Rei (1967): a tragédia de Sófocles em adaptação livre (No Brasil, a mesma tragédia foi transformada na telenovela Mandala, por Dias Gomes);

–Teorema (1968): filme elitista, com muito simbolismo e pouca explicação; as diversas reações de membros de uma família com a chegada de um estranho que a conquista pelo seu fascínio e possui sexualmente todas as pessoas da casa;

–Pocilga (1969): considerado um dos filmes mais controvertidos de todos os tempos, é uma complexa alegoria, ousada e hermética, cheia de metáforas inteligentes e dirigida a um publico especial e culto. Segundo Pasolini, “O filme é uma visão apocalíptica que contesta todas as sociedades históricas conhecidas, porque todas são constituídas de porcos metafóricos que devoram seus filhos desobedientes – Clementi – ou indiferentes – Léaud”.

Nota: Clementi e Léaud são protagonistas das duas histórias do filme;

–Os contos de Canterbury (1972): baseado no Canterbury Tales (coleção de histórias narradas por um grupo de peregrinos), de Geoffrey Chaucer (1340-1400), o maior poeta inglês da Idade Média. Ganhou o Urso de Ouro do Festival de Berlim;

–Saló ou Os 120 dias de Sodoma (1975): baseado nos contos do Marquês de Sade (1740-1814), transpostos para a república fascista de Saló (criada por Mussolini em setembro de 1943);

– BERNARDO BERTOLUCCI (1941-) – Poeta aos 12 anos, logo se apaixonou pelo cinema, abandonando a universidade aos 19 anos para trabalhar como assistente de Pasolini em Desajuste social (1961). Seu filme de estreia foi La commare seca (1962), centrado na investigação do assassinato de uma prostituta, mas o primeiro sucesso como diretor só veio dois anos depois com Antes da Revolução (1964), filme parcialmente biográfico e em parte inspirado no romance A cartuxa de Parma, de Stendhal (1783-1842). Sua maturidade como diretor viria com O conformista (1970), baseado em livro de Alberto Moravia (1907-1990).  Sua maior ousadia veio em seguida com O último tango em Paris (1972), que provocou um escândalo social devido ao seu despudorado conteúdo erótico. Acusados de “participarem de uma obra cinematográfica obscena”, Bertolucci, o produtor Alberto Grimaldi e os atores principais, Marlon Brando e Maria Schneider, foram condenados a dois meses de prisão na Itália e, em 1976, o Superior Tribunal Federal italiano mandou apreender todas as cópias do filme para serem queimadas. “É a volta da Inquisição” – disse Bertolucci.

A seguir, damos um resumo de seus principais filmes:

–A estratégia da aranha (1970): adaptação do Tema do traidor e do herói, do escritor argentino Jorge Luis Borges (1899-1986); jovem investiga, em 1936, o assassinato de seu pai antifascista;

–O conformista (1970): em 1937, jovem intelectual fascista é obrigado, pelo regime, a participar do assassinato de seu ex-professor que está asilado em Paris;

–O último tango em Paris (1972): ex-jornalista americano, abalado pelo suicídio de sua mulher, tenta a recuperação envolvendo-se com uma jovem francesa, numa sexualidade desesperada, num apartamento vazio em Paris;

–1900 (1977): filme com 243min, um grandioso painel sobre a história da Itália no século XX; a batalha entre a esquerda e o movimento fascista;

–La Luna (1979): cantora que estivera inteiramente absorvida em sua profissão procura reconquistar o filho que se viciou em drogas;

–O último imperador (1987): a trágica saga de Pu Yi, herdeiro do trono chinês, deposto com a tomada do poder pelos comunistas. Superprodução ganhadora de nove Oscar (filme, diretor, fotografia, música etc.), do César (França) e Globo de Ouro de melhor diretor, entre outros prêmios;

–Beleza roubada (1996): jovem parte para o norte da Itália, à procura de amigos de sua mãe, a fim de descobrir a identidade do seu pai;

–O assédio (1998): um drama romântico: bela africana, cujo marido foi preso pela nova ditadura de seu país, vai para Roma e, para custear seus estudos, torna-se empregada doméstica de homem que faz tudo para seduzi-la;

– MARIO MONICELLI (1915-) – Dono de um humor crítico e inteligente, é um dos mais festejados e o mais engraçado dos diretores italianos. Hábil roteirista, foi assistente de Pietro Germi e de outros realizadores, na década de 1940. Entre 1949 e 1953, co-dirigiu vários filmes com Steno (Stefano Vanzina, 1915-1988), dos quais merecem destaque Vida de cachorro (1950) e Guardas e ladrões (1951).

Após 1953, prosseguiu sozinho como diretor e realizou vários filmes de sucesso, como:

–Os eternos desconhecidos (1958): uma das mais exuberantes performances do genial cômico Totó (1897-1967);

–Os companheiros (1963): exemplo de filme social, mostra as necessidades e a luta do operariado à época da chamada, indevidamente, “Revolução Industrial” (fábricas precárias e rústicas, com máquinas toscas e trabalho de 14 horas por dia, sem hora de almoço, sem condições higiênicas, tampouco leis trabalhistas);

–O incrível exército de Brancaleone (1965): bem-humorada e implacável sátira dos costumes dos cavaleiros medievais, claramente inspirada no Dom Quixote, de Cervantes (1547-1616). Um dos melhores momentos da comédia italiana, com ótimo elenco e roteiro inteligente. Seu sucesso rendeu uma continuação, um pouco inferior: Brancaleone nas Cruzadas (1970);

–Meus caros amigos (1975): as peraltices de cinco amigos de meia-idade que se dedicam a atazanar a vida dos outros. Diversão certa;

–Quinteto irreverente (1982): continuação de Meus caros amigos; quatro remanescentes do grupo se reúnem para relembrar o amigo Perozzi (morto no filme anterior) e continuam a pregar novas peças em incautos;

–As duas vidas de Matias Pascal (1985): tragicomédia baseada no romance O falecido Mattia Pascal, de Luigi Pirandelo (1867-1936). Playboy em decadência ganha fortuna no jogo, mas ao voltar para a sua cidade descobre que foi dado como morto e muda de vida, com nova identidade;

–Tomara que seja mulher (1986): filme essencialmente feminista. Numa família as mulheres são consideradas os únicos seres inteligentes. A morte súbita do marido separa temporariamente a família, que está à espera do nascimento de um novo membro. Vencedor do Oscar italiano (o David di Donatello);

–Caros f... amigos (1992): ex-pugilista picareta e seus esquálidos amigos armam espetáculo itinerante de boxe-marmelada pelo interior da Itália, no pós-guerra, em troca de dinheiro ou mantimentos. Filme cuja estrutura lembra a melhor comédia de Monicelli, O incrível exército de Brancaleone, mas sem o mesmo vigor, sendo, entretanto, boa diversão;

–Parente é serpente (1993): durante a ceia de Natal, família italiana põe a nu seus problemas internos depois que a matriarca declara que quer se mudar para a casa de um dos filhos. Muito humor negro ao lado de temas sérios como solidão, velhice e homossexualismo.

Resumo das principais obras de outros diretores que também contribuíram para o sucesso do cinema italiano após o neorrealismo (em ordem alfabética, para facilidade de consulta):

– DINO RISI (1917-) – Príncipe das comédias de costumes com um humor por vezes mordaz. Destaques: Aquele que sabe viver (1962) e Perfume de mulher (1974);

– DUCCIO TESSARI (1926-1994) – Destacou-se em: Os filhos do trovão (1961) e em Il fornaretto di Venezia (1963);

– ELIO PETRI (1929-1982) – Seus filmes são uma visão crítica e política da sociedade italiana. Os principais são:

–A décima vítima (1965);

–Investigação sobre um cidadão acima de qualquer suspeita (1970);

–A classe operária vai ao Paraíso (1972);

–Juízo final (Todo modo, 1975);

– ENZO GIROLAMI CASTELLARI (1942-) – Fez: A vida de Verdi (1986), minissérie disponível em vídeo e Keoma (1976), um ótimo western-spaghetti;

– ERMANNO OLMI (1931-) – Uma produção pequena e discreta, com sucessos como: A árvore dos tamancos (1978), Palma de Ouro em Cannes e César (Fr); A lenda do santo beberrão (1988), Leão de Ouro em Veneza;

– ETTORE SCOLA (1931-) – Tornou-se conhecido através de comédias e introduziu uma apurada profundidade emocional e social em seus filmes, com destaque para:

–Nós que nos amávamos tanto (1974);

–Feios, sujos e malvados (1975);

–Um dia muito especial (1977);

–La terraza (1979);

–O baile (1983), sua obra-prima;

–A história de um jovem homem pobre (1994);

–O jantar (1998).

– FLORESTANO VANCINI (1926-) – Seu filme mais conhecido no Brasil é O delito Matteoti (1973);

– FRANCESCO ROSI (1922-) – Filmes de um vigor polêmico, explorando temas sociais, históricos e políticos, como:

–O bandido Giuliano (1962);

–Le mani sulla città (1963);

–O caso Mattei (1971); Lucky Luciano (1973);

–Cadáveres ilustres (1976).

Ganhou o César de melhor diretor em Carmen (1984).

Recentemente fez La trégua (1996);

– GABRIELE SALVATORES (1952-) – Ganhou o Oscar de filme estrangeiro e o David di Donatello com Mediterrâneo (1991);

– GIAN LUIGI POLIDORO (1927-) – Ganhou o Urso de Ouro em Berlim com Il Diavolo (1963);

– GIANNI AMELIO (1945-) – Ganhou o David di Donatello com As portas da justiça (1990) e o grande prêmio do júri em Cannes com Ladrão de crianças (1992). Fez, ainda, América – O sonho de chegar (1994), vigoroso painel da Albânia logo após a queda do comunismo, e Assim é que se ria (1998), ganhador do Leão de Ouro em Veneza;

– GIORGIO FERRONI (1908) – Sob o pseudônimo de Calvin Jackson Padget fez O dólar furado (1965), um dos primeiros western-spaghetti;

– GIULIANO MONTALBO (1930-) – Destaque para: Vigarice à italiana (1965) e duas ótimas biografias históricas: Sacco e Vanzetti (1970) e Giordano Bruno (1973);

– GIUSEPPE TORNATORE (1956-) – Oriundo da televisão, fez filmes ligados à mágica do cinema:

–Cinema Paradiso (1988), Oscar de filme estrangeiro e prêmio do júri em Cannes;

–Estamos todos bem (1990);

–O homem das estrelas (1995);

– GUALTIERO JACOPETTI (1919) – Tornou-se conhecido pelo bizarro e inusitado documentário Mundo cão (1962) sobre fatos repulsivos;

– LILIANA CAVANI (1923-) – Oriunda da televisão, fez:

–O porteiro da noite (1974);

–A pele (1981);

–Francesco (1989), retrato mais fiel à biografia de S. Francisco de Assis do que o belo Irmão Sol, irmã Lua, de Franco Zeffirelli;

– LINA WERTMULLER (1928-) – Ex-assistente de Fellini, privilegiou um humor satírico e “pesado”, pontificando:

–Mimi metalúrgico (1972);

–Pasqualino Sete Belezas (1975);

–Amor e ciúme (1978);

– LUIGI COMENCINI (1916-) – Filmes com final inesperado, erotismo e uma certa crítica social. Podemos ver, entre outros:

–Pão amor e fantasia (1953);

–Quando o amor é cruel (1966);

–As primeiras experiências amorosas de Casanova (1969);

–Pecado à italiana (Trágica decadência, 1974);

–Marcelino, pão e vinho (1992);

– LUIGI MAGNI (1928) – Bons filmes, entre eles: Em nome do Papa Rei (1977);

– MARCO BELLOCCHIO (1939-) – Um cinema de contestação e revolta: De punhos cerrados (1965); A China está próxima (1967); Nel nome del padre (1970); O processo do desejo (1990);

– MARCO FERRERI (1928-1997) – Um cinema ousado, bizarro, imprevisto, provocador, desconcertante, delirante e perturbador. Principais filmes:

–El cochecito (1960);

–O leito conjugal (1963);

–Dillinger está morto (1968);

–A audiência (1970);

–A comilança (1973);

–L’ultima donna (1976);

–Ciao maschio (1977);

–Crônica de um amor louco (1982);

–A casa do sorriso (1991);

–A carne (1991);

–Diário de um vício (1993);

– MARCO VICARIO (1925-) – Filme mais expressivo: Esposamante (1978);

– MARIO BRENTA (1942-) – Seguidor de Ermano Olmi, destacou-se em O guardião da montanha (1994);

– MARIO MATTOLI (1898-1980) – Fez as ótimas comédias Miseria e nobilità e Duas noites com Cleópatra (1953);

– MAURO BOLOGNINI (1922-) – Comédias e dramas de costumes, eventualmente precisos e esmerados, com destaque para: A longa noite de loucuras (1959); O belo Antônio (1960); Caminho amargo (1961); O segredo das velhas escadas (1975); Onde passaremos as férias? (1978); A dama das camélias (1980);

– NANNI MORETTI (1953-) – Uma produção limitada e pouco difundida, destacando-se: A missa acabou (1985); Caro diário (1994), prêmio de melhor direção em Cannes; Aprile (1998); Em 2001, ganhou a Palma de Ouro em Cannes, com O quarto do filho;

– PAOLO TAVIANI (1931-) e VITTORIO TAVIANI (1929-) – Os irmãos Taviani, os “poetas visuais”, escrevendo e alternando-se na direção, constituem uma entidade única e ocupam importante posição no cinema italiano. Entre seus sucessos, temos:

–Allonsanfan (1974);

–Pai patrão (1977);

–A noite de São Lourenço (1981);

–Kaos (1984);

–Bom dia Babilônia (1987);

–Aconteceu na Primavera (1992);

–Tu ridi (1998);

– PAOLO VIRZI – Grande prêmio do júri em Veneza para: Ovosodo (1996);

– RICKY TOGNAZZI (1955-) – Ganhou o Urso de Ouro em Berlim com Os fanáticos (1991);

– ROBERTO BENIGNI (1952-) – Ator, roteirista e diretor, com destaque para:

–Johnny Stecchino (1992), uma das maiores bilheterias de todos os tempos na Itália;

–O monstro (1994), uma hilariante sátira à polícia e à psicanálise;

–A vida é bela (1997), Oscar de filme estrangeiro e grande prêmio do júri em Cannes;

– SERGIO CORBUCCI (1927-1990) – Destaque para: O vingador silencioso (1968) e O que faço no meio de uma revolução? (1972);

– SERGIO LEONE (1929-1989) – Estreou como diretor com Os últimos dias de Pompeia (1959); “Descobriu a pólvora” com a invenção do “western-spaghetti”, apelido pejorativo dos filmes de faroeste realizados na Itália, muito violentos, como:

–Por um punhado de dólares (1964);

–Por uns dólares a mais (1965);

–Três homens em conflito (1966);

–Era uma vez no Oeste (1968).

Dirigiu, ainda, um thriller policial sobre a formação da máfia judaica em Manhattan: Era uma vez na América (1984);

– SERGIO SOLLIMA (1921-) – No western teve sucesso com: O dia da desforra (1967) e, em especial com Quando os brutos se defrontam (1970); no thriller, o destacou-se em Cidade violenta (1972);

– STENO (STEFANO VANZINA, 1915-1988) – Um cinema diversificado, com boas comédias de costume e de crítica social, e dirigido a todo tipo de público. Podem ser vistos em vídeo: Os quebra-galhos (1959); Totó procura casa (1949); Totó e as mulheres (1952); Um americano em Roma (1954); O transplante (1969); Trinity vai à guerra (1968); destacamos, ainda: Meu filho Nero (1956); Cinema d’altri tempi (1953); Tempi duri per i vampiri (1959);

– TINTO BRASS (1933-) – Especialista em cinema erótico (A chave, 1983), fez um dos melhores faroestes italianos: O yankee (1966);

– TONINO VALERII (1934-) – É o diretor de Meu nome é ninguém (1973), produção de Sergio Leone;

– VALERIO ZURLINI (1926-1982) – Com uma obra intimista de agrado de um público específico, fez: A moça com a valise (1960); A primeira noite de tranquilidade (1972); O deserto dos tártaros (1976);

– VITTORIO GASSMAN (1922-) – Ator, e diretor de uma obra-prima: Sem família (1972).

O PREMIADO CINEMA DO SOL NASCENTE

Três anos após a chegada do Cinetoscópio, patenteado por Edison, surge, em 1899, o primeiro filme japonês: A prisão de um ladrão, de Shiro Asano.

Após 1902, a cinematografia passa ao âmbito nacional, com filmes calcados na tradição Kabuki (diálogos se alternam com partes de dança, mímica e canto). Era, ao mesmo tempo, um espetáculo e um ritual, com os narradores de filmes mudos, os benshi.

O cinema nipônico passou da adaptação de clássicos da literatura mundial e de relatos tradicionais do país, no início, para o gênero musical (fim da primeira guerra), seguindo-se o drama de espada, onde pontificou Teinosuke Kinugasa; o filme de crítica política e social, com destaque para Daisuke Itô e Kenji Mizoguchi, e o filme intimista, representado por Heinosuke Gosho, introdutor de uma voga, o Goshoismo, cuja tendência é unir as lágrimas e o riso. Outro mestre intimista é Yasujiro Ozu.

Nos anos 1930, pico do militarismo, vieram os filmes de propaganda; a produção fílmica decresceu em razão da censura e, depois, pela derrota na guerra. Para se reerguer, voltou-se para filmes de alcova e policiais, passando para os políticos, independentes e progressistas e, ainda, pelo cinema fantástico (Godzilla, 1954) e pelo lirismo intimista.

Nos anos 1950, fase de maior brilho, pontificaram: Akira Kurosawa e Kenji Mizoguchi, seguidos de Kon Ichikawa, Teinosuke Kinugasa, Yasujiro Ozu, Hiroshi Inagaki, Tomu Uchida e outros.

Em 1960, o desenvolvimento da televisão produziu uma crise e o cinema voltou-se para filmes de erotismo, violência e superproduções, destacando-se jovens cineastas como Nagisa Oshima, Shohei Imamura e Yoshishige Yoshida, além dos veteranos Kobayashi, Kurosawa e Ichikawa. Kobayashi e, principalmente, Ichikawa fizeram grandes filmes, de caráter pessimista.

Da fecunda produção japonesa, com filmes muito apreciados pela crítica e pelo público, destacamos os principais cineastas e seus filmes premiados:

– AKIRA KUROSAWA (1910-1998) – Um dos maiores diretores de todos os tempos, projetou, internacionalmente, o cinema japonês. Principais filmes: Rashomon (1950)-Oscar de Melhor Filme Estrangeiro (MFE) e Leão de Ouro (Veneza); Viver (1952)-Urso de Prata (Berlim); Os sete samurais (1954)-Prêmio Especial do Júri (Veneza); Dodeskaden (1970)-Prêmio Especial (Moscou) e Grand Prix (Adelaide, Austrália); Derzu Uzala (1975)-Oscar de MFE; Kagemusha, a sombra de um samurai (1980)-Palma de Ouro (P.O.) em Cannes e César de melhor filme estrangeiro (França); Ran (1985)-Oscar de figurino. Adaptação de Rei Lear, de Shakespeare; Yojimbo, o guarda-costas (1961)-Melhor ator: Toshiro Mifune (Veneza); O idiota (1951)-Fiel adaptação da obra de Dostoiévski; Trono manchado de sangue (1957)-Versão de Macbeth, no Japão medieval;

– SHOHEI IMAMURA (1926-) – Resume bem sua visão e seu estilo em Todos Porcos (1961). Premiados: A balada de Narayama (1983)-Palma de Ouro em Cannes; Black Rain (1989)-Prêmio Especial da Comissão Técnica (Cannes); A enguia (1997)-P. O. Cannes;

– TEINOSUKE KINUGASA (1896-1982) – Várias obras, entre 1922 e 1966, que resumem a história do cinema japonês. Dirigiu Encruzilhada (1928), primeiro filme japonês vendido na Europa, e A porta do Inferno (1953), ganhador da Palma de Ouro em  Cannes e do Oscar de melhor filme estrangeiro;

– HIROSHI INAGAKI (1905-1980) – Especializou-se em filmes de samurais, após o grande sucesso de O samurai (1954), nos EUA. Prêmio: O homem do riquixá (1958)-Leão de Ouro (Veneza);

– TOMU UCHIDA (1897-1970) – Priorizou o realismo social em filmes como A cidade nua (1936) e A terra (1939). Oscar de Melhor Filme Estrangeiro em: O guerreiro dominante (1955);

– KENJI MIZOGUCHI (1898-1956) – Mestre de estilo refinado e preciso, com mais de 90 filmes, de 1922 a 1957. Leão de Prata com Ugetsu (Contos da Lua vaga, 1953) e O intendente Sansho (1954). Destaque: A vida de O’Haru (1952) e Os amantes crucificados (1954);

– MASAKI KOBAYASHI (1916-1996) – Obra, na maior parte, de conotação trágica. Fez, entre outros: Harakiri (1962) e Kaidan (1964), ambos com o Prêmio Especial do Júri (Cannes); Rebelião (1967)-Premiado em Veneza; Guerra e humanidade (de 1959 a 1961)-Trilogia com mais de nove horas; obra-prima contra o militarismo japonês;

– NAGISA OSHIMA (1932) – Violência e sexo como temas. Fez: O império dos sentidos (1976), sensação no Festival de Cannes; Império da paixão (1978) - Prêmio: melhor diretor (Cannes);

– YASUJIRO OZU (1903-1963) – O mais japonês dos cineastas japoneses. Quando jovem, faltava às aulas para ver filmes de Chaplin e acabou expulso da escola. Destaque: Viagem a Tóquio (1953) - Prêmio Kinema Jumpo Best;

– KON   ICHIKAWA (1915-) – Três obras-primas: A harpa da Birmânia (1955), Fogo na planície (1959) e Estranha obsessão (1959), prêmio do júri (Cannes);

– TAKESHI KITANO (1948-) – Leão de Ouro, em Veneza, com Hana-bi - Fogos de artifício (1997); Em 1993, tem outro bom filme: Adrenalina máxima; realizou Brother, em 2000 e Dolls, em 2002;

– KOHEI  OGURI (1945-) – Grande Prêmio do Júri, em Cannes, com: O ferrão da morte (1990);

– TADASHI   IMAI (1912-1991) – Urso de Ouro, em Berlim, com O sermão da Obediência (1963);

– KANETO SHINDÔ (1912-) – Grand Prix (Moscou), com A Ilha nua (1962);

– YOICHI  HIGASHI – Urso de Prata: A aldeia dos meus sonhos (1995);

– HEINOSUKE GOSHO (1902-1981) – Destaques: Lá onde se vê as chaminés (1953) e A canção da despedida (1958);

– YOSHISHI YOSHIDA (1933) – Uma promessa (1986)-Concha de Prata (San Sebastián);

– DAISUKE ITÔ (1898) – Diário de viagem de Chuji (1927);

– KAYO HATTA – A mulher prometida (1995);

– MIIKE TAKASHI – Koroshiya 1 (2000);

– KORUDA HIROZAKU – Ninguém pode saber (2004).

A RENOVAÇÃO DO CINEMA POLONÊS

Embora tivesse sua primeira projeção pública em novembro de 1896, na Cracóvia, somente a partir da década de 1910 o cinema polonês começou a consolidar-se, desenvolvendo-se após a proclamação da independência, em 1918.

Vários filmes de qualidade foram sendo produzidos e excelentes diretores revelados.

Entretanto, com a invasão do país, em setembro de 1939, pelos nazistas, e sua divisão, de acordo com o pacto germano-soviético de agosto de 1939, os poloneses passaram a ser tratados como seres inferiores, destruindo-se todo o seu potencial cinematográfico.

A maioria dos diretores se expatriou, só voltando à Polônia em 1945. Começava, aí, a ressurreição. Foi criada, em novembro de 1945, em Lodz, a Film Polski, empresa estatal, com a finalidade de reorganizar a produção cinematográfica e formar novos diretores, sendo sua direção entregue a Aleksander Ford, um dos criadores da Vanguarda Cinematográfica.

Em 1947, Wanda Iakubowska consagrou-se internacionalmente com um filme-reportagem, comovente e doloroso, sobre o campo de concentração de Auschwitz: A última etapa.

Em 1948, A. Ford dirige A verdade não tem fronteiras, que narra a epopeia do gueto de Varsóvia. Ford, dono de um realismo trágico e perturbador, foi premiado em Cannes, em 1954, com Os cinco garotos da rua Barska.

Era o começo da projeção do cinema polonês no exterior. Jovens talentos, formados em Lodz, foram sendo descobertos: Wojciech Has, Andrzej Munk, Kasimierz Kuts, Roman Polanski...

Nos anos 1960, brilham os talentos de Jerzy Skolimowski e de Roman Polanski.

Após 1969, viria uma fase que iria até 1981, época em que o movimento de abertura iniciado pelo sindicato Solidariedade deixava ao cinema espaço para denunciar, de forma vigorosa, as arbitrariedades ideológicas. Destacou-se, neste período, o realizador Krzysztof Zanussi.

A partir de dezembro de 1981, com o “estado de guerra” instaurado por Jaruzelski, pondo fim à abertura e colocando na ilegalidade o sindicato Solidariedade, passou a existir uma certa instabilidade no cinema polonês, não impedindo, todavia, as explosões de criatividade dos grandes cineastas, alguns produzindo no exterior.

A abertura política só iria acontecer em 1989, mas ainda é considerável a quantidade de diretores poloneses que se encontram em outros países, realizando filmes de sucesso mundial.

Dentre os grandes realizadores, destacam-se:

– ANDRZEJ WAJDA (1926-) – O mais destacado representante do cinema polonês moderno. O drama de determinada geração polonesa é traduzido, de modo perfeito, no realismo subjetivo de sua obra, que expressa uma fecunda imaginação e um romantismo latente. Diplomado em Lodz, em 1952, realiza, em seguida, seu primeiro longa-metragem: Geração (1954).

Destaques de sua obra:

–Kanal (1957) – A batalha do gueto de Varsóvia e a fuga, através de esgotos, de um grupo da resistência;

–Cinzas e diamantes (1958) – Jovem resistente recebe ordem de executar representante do Partido Comunista;

–Cinzas (1964) – As guerras do Império e da Revolução;

–O homem de mármore (1976) – Obra que questionou o Stalinismo;

–Sem anestesia (1978) – Um jornalista perseguido pelo regime;

–O homem de ferro (1981) – Filme que apoiou o Solidariedade;

–Danton, o processo da revolução (1982) – Danton x Robespierre; bastidores da Revolução Francesa;

–Um amor na Alemanha (1983) – O horror nazista visto pelos próprios alemães;

–As 200 crianças do dr. Korczak (1990) – A luta de um médico judeu para salvar 200 crianças no gueto de Varsóvia;

– KRZYSZTOF KIESLOWSKY (1941-1996) – Outro da escola de Lodz que se firmou como mestre do cinema polonês. Extremamente criativo e crítico, dá-nos uma visão amarga da sociedade de seu país.  Fez, entre outros:

–Spokoji (1976) – Evocação dos motins da fome de 1976;

–Decálogo (1988/89) – Dez curtas feitos para a TV polonesa, sobre os Dez Mandamentos, com os melhores desdobrados em longas (Não amarás e Não matarás);

–Não matarás (1989) – Relata o repugnante estrangulamento de um motorista de táxi por um vagabundo e o enforcamento, não menos repugnante, do criminoso, pelo Estado; prêmio especial do júri, em Cannes;

–Não amarás (1988) – Ganhou o Prêmio do júri em San Sebastian e do público na Mostra Internacional de SP;

–A dupla vida de Véronique (1991) – Mostra a ligação espiritual entre duas jovens que vivem em países diferentes; prêmio melhor atriz em Cannes para Irène Jacob.

Kieslowsky fez, ainda, a trilogia sobre as cores da bandeira francesa:

–A liberdade é azul (1993) – Leão de Ouro em Veneza;

–A igualdade é branca (1994) e

–A fraternidade é vermelha (1994), este com três indicações para o Oscar.

– ROMAN POLANSKI (1933) – Diplomou-se como diretor, em 1959, no Instituto de Cinema de Lodz, a empresa estatal formadora dos grandes cineastas poloneses.

Naturalizado francês, adaptou-se, facilmente, em outros países, num cosmopolitismo pouco comum.

Teve uma vida particular marcada por fatos polêmicos e infortúnios: seus pais foram retirados do gueto de Cracóvia pelos nazistas e remetidos para Auschwitz, onde sua mãe veio a falecer. Sua esposa, a atriz Sharon Tate, grávida, foi assassinada, em 1969, de modo estranho, pelo maníaco Charles Manson. Nos anos 1960, Polanski tomou LSD e, em 1977, foi acusado de oferecer calmante e champanhe a uma garota de 13 anos e estuprá-la, na casa de Jack Nicholson, o que o obrigou a fugir para a França e interromper sua carreira nos EUA.

Deste modo, não são de causar surpresa o clima obsessivo e angustiante, a violência, a insegurança e a alienação presentes em muitos de seus filmes, tudo isto somado a um cinismo impiedoso e a um humor macabro.

Entre seus principais filmes, temos:

–A faca na água (1962) – Seu primeiro longa-metragem, premiado em Veneza e único realizado na Polônia;

–Repulsa ao sexo (1965) – Um mergulho psicológico no mundo da neurose;

–Armadilha do destino (1966) – Drama em clima opressor e insólito;

–A dança dos vampiros (1967) – Um vampiro homossexual e outro descrente, que não têm medo de crucifixo;

–O bebê de Rosemary (1968) – Seu grande sucesso mundial: marido de jovem esposa envolve-se com vizinhos bruxos que esperam possuir, demoniacamente, o filho que ela espera;

–Chinatown (1974) – O filme noir revisitado; ganhou o Oscar de roteiro.

Dirigiu, ainda:

–Macbeth (1971);

–O inquilino (1976);

–Tess (1979);

–Piratas (1986);

–Busca frenética (1987);

–Lua de fel (1992);

–A morte e a donzela (1994);

–O pianista (2002) - Palma de Ouro em Cannes.

– JERZY KAWALEROWICZ (1922) – Um dos renovadores do cinema polonês. Além de dramas psicológicos e obras intimistas, realizou alguns filmes ligados à história, como:

–Madre Joana dos Anjos (1961) – A superiora de um convento é possuída pelo demônio;

–Faraó (1965) – A luta de “Ramsés XIII” (vide capítulo A história e os filmes históricos-Antiguidade);

–L’otage de l’Europe (1987) – Narra o cativeiro de Napoleão;

– AGNIESZKA HOLLAND (1948) – Nascida em Varsóvia, estudou na FAMU, de Praga.  Sua primeira direção, Provincial actors (1979), ganhou o prêmio da crítica em Cannes.

Após a implantação do “Estado de Guerra” na Polônia, emigrou para Paris.

Realizou, também, filmes na Alemanha, França e EUA:

–Colheita amarga (ALE, 1985) – Judia fugitiva é abrigada, em uma fazenda, por negociante alemão;

–Complô contra a liberdade (EUA/FRA, 1988) – O assassinato de um padre que apoiava o sindicato Solidariedade;

–Filhos da Guerra (ALE/FRA, 1991) – Jovem, consagrado como herói alemão, vive o drama de esconder sua origem judia; ganhou o Globo de Ouro de Melhor Filme Estrangeiro, mas foi impedido, pelo governo alemão, de concorrer ao Oscar.

Fez, ainda, Olivier, Olivier (FRA, 1991), O jardim secreto (EUA, 1993) e Total Eclipse (1995);

– ANDRZEJ MUNK (1921-1961) – Rompendo com o academicismo, foi um dos responsáveis pela fama do cinema polonês, nos anos 1950.

Dirigiu, em 1956, Homem na pista, filme realista e irônico, um dos mais interessantes da cinematografia polonesa, Heroica (1957) e Má sorte (1959);

– JERZY SKOLIMOWSKI (1938) – Após ser roteirista de Wajda e de Polanski, consagrou-se como um dos mestres do cinema polonês, com: Walkover (1965), A barreira (1966), Mãos ao alto (1967) e A partida (1967).

A censura imposta ao filme anti-stalinista Mãos ao alto levou-o a emigrar para a Grã-Bretanha, onde realizou sua obra-prima: Ato final (1970), uma adaptação de Aventuras de Gerard, de Conan Doyle.

Foi premiado em Cannes com Estranho poder de matar (1978) e Classe operária (1982), retrato do caos social e político da Polônia de então.

Fez, ainda, Sucesso é a melhor vingança (1984) e Correntes de Primavera (1989), entre outros;

– WOJCIECH HAS (1925) – Tornou-se conhecido internacionalmente, com: Adeus Maria Wachowiac (1959) e O manuscrito de Saragoça (1964), filme fantástico;

– ALEKSANDER FORD (1908-1980) – O grande renovador do cinema polonês, teve outros filmes de qualidade, além dos mencionados no início deste capítulo, com destaque para: A juventude de Chopin (1952); Os cavaleiros teutônicos (1960), imensa produção histórica; O primeiro círculo (1973), adaptação da obra de Alexandre Soljenitsyn;

– KRZYSTOF ZANUSSI (1939) – Seu primeiro longa-metragem foi Estrutura de Cristal (1969). Seu cinema de crítica social contribuiu para o movimento de Lech Walesa: Camuflagem (1977) – uma reflexão política sobre a corrupção e o conformismo – e Constância (1980) – uma crítica ao sistema vigente, baseado na corrupção;

– KAZIMIERZ KUTZ (1929) – Diretor pouco conhecido fora de seu país. Sua obra, lírica e intimista, está começando a ser descoberta.

A ÉPOCA DE OURO DO CINEMA SOVIÉTICO

Em 1919, após a afirmação de Lênin que a mais importante de todas as artes era a cinematográfica, o poder vigente na Rússia convocou artistas para colocar sua arte e sua câmera a serviço da revolução.

Deixando de lado melodramas e fantasias, priorizou-se a criação de filmes épicos, de caráter educativo e histórico, baseados nas mudanças sociais ocorridas após 1917 no país.

Destacaram-se como grandes cineastas do período:

– KULECHOV (LEV VLADIMIROVITCH - 1899-1970) – Um dos fundadores do cinema soviético. Pesquisou a montagem dinâmica. Sua teoria é a de que a força principal de um filme está na sua montagem. Por ela, pode-se modificar, destruir ou reconstituir a matéria-prima cinematográfica. Foi professor do Instituto do Cinema e fundador do Laboratório Experimental. Sua obra influenciou vários cineastas. Teve como principais filmes: As estranhas aventuras de mr. West no país dos bolcheviques (1924), Dura lex (1926) e Horizonte (1933). Publicou: A arte no cinema (1929) e Os fundamentos da realização fílmica (1941);

– DZIGA VERTOV (1895-1954) – Tido como o mentor intelectual do cinema socialista, teorizou o “Cine-olho” (Kino-Glaz), forma de cinema que proclamava a superioridade do olho mecânico da câmera, dando uma visão objetiva da realidade, depois recriada pelo cineasta através de montagem. Seu principal filme foi Um homem com uma câmera (1929). Realizou, ainda, A sexta parte do mundo (1926); A sinfonia de Doubass (1930), uma homenagem aos mineiros; Três cantos sobre Lênin (1934), obra de exaltação;

– EISENSTEIN (SERGUEI MIKHAILOVITCH - 1898-1948) – Começou a fazer cinema por volta de 1923. No início, foi influenciado pelas teorias do Cine-olho. Gradativamente, porém, quebrou as resistências do doutrinário modelo imposto pelo realismo socialista.

Sua teoria da “Montagem das atrações” (onde há a fusão de duas imagens, criando uma terceira no inconsciente do espectador), a relação que estabeleceu entre som e imagem e sua estética cinematográfica tiveram influência em obras de cineastas do mundo inteiro, como Welles, Godard, Brian de Palma e Oliver Stone.

Em seu primeiro filme, A greve (1924) já demonstrava sua teoria. Em seguida, faz O encouraçado Potemkim (1925), episódio verídico sobre a revolução de 1905; o célebre motim do encouraçado e a fuzilaria nas escadas do porto de Odessa. Outubro (1928), também conhecido como Dez dias que abalaram o mundo é considerado o símbolo cinematográfico da revolução. Em 1929, fez A linha geral (ou O velho e o novo). Em 1930, partiu para os EUA. Em Hollywood teve seus planos recusados. No México não conseguiu realizar Que Viva México! por causa de graves divergências com o produtor.

Voltou à Rússia em 1932, época em que os artistas estavam condicionados aos novos princípios do realismo socialista. Tentou rodar O prado de Bejin (1935-1937), mas a filmagem foi interrompida pela direção do cinema soviético por desagradar ao governo.

Em 1938, já com o apoio do governo, realizou Alexander Nevski, épico notável, considerado uma das maiores obras-primas do cinema.

O projeto mais ambicioso de sua carreira foi Ivan, o terrível (1942-1946), filme em três partes, sobre o czar Ivan IV, mas que teve apenas duas partes concluídas: a primeira, sucesso de público, e a segunda, proibida na URSS de 1946 a 1958 (Stalin não concordou com o modo pelo qual o czar foi mostrado: débil e hesitante).

Eisenstein, vítima de uma crise cardíaca em 1946, renuncia às filmagens e morre em 1948, sem terminar a terceira parte do filme;

– VSEVOLOD PUDOVKIN (1893-1953) – Trabalhou com Kulechov, em 1922, no Laboratório Experimental. Sua teoria é a de que o filme não é “rodado” e, sim, “construído”, através da montagem, para que sua essência não seja fotográfica, mas fílmica.

Fez uma trilogia sobre a tomada de consciência revolucionária: Mãe (1926) - Inesquecível adaptação do livro de Gorky e, segundo muitos, situado entre os dez maiores filmes de todos os tempos; O fim de São Petersburgo (1927) e Tempestade sobre a Ásia (1928). Dirigiu, ainda, Um simples caso (1930), O desertor (1933), Almirante Naklimov (1947) e A colheita (1953).

Outro importante cineasta foi DOVJENKO (ALEKSANDER PETROVICH - 1894-1956). Considerado o poeta da revolução nas telas, exaltou o lirismo, a natureza e a crença no novo homem, gerado pelo regime. Seu filme mais notável é A terra (1930), que serve de exemplo como conseguia combinar o comunismo com uma visão pessoal da luta pela sobrevivência. Fez, também, Zvenigora (1927), Arsenal (1929), Aerograd (1935), Shchors (1939) e Michurin (1948).

Além dos filmes mencionados no período, destacaram-se:

–Andrei Roublev (1966) – Dirigido por Andrei Tarkovsky;

–Guerra e paz (1968) – Sergei Bondarchuk;

–The overcoat (1959) – Alexei Batalov.

O AUDACIOSO CINEMA SUECO

O cinetoscópio, aparelho de visão individual patenteado em 1891 por Thomas A. Edison (1847-1931), chegou à Suécia em fevereiro de 1895. Um ano depois, na feira industrial de Malmö, o cinema é apresentado aos suecos.

Em 1897, na Exposição Nacional de Estocolmo, Georges Promio, destacado operador dos Irmãos Lumière, filma A chegada do rei Oscar II à inauguração da exposição. Outros documentários seriam feitos em seguida pelo operador sueco Florman, sob o nome de “Imagens suecas”, iniciando-se, assim, com documentários, o cinema no país.

O desenvolvimento viria a partir de 1905, época em que Charles Magnusson funda a AB Svenska Biografteatern, produz um média-metragem (O povo de Värmland, 1909) e lança, em 1912, dois realizadores extremamente originais e que tiveram destaque mundial: Mauritz Stiller e Victor Sjöström. Em filme de Stiller, A saga de Gösta Berling (1924), é revelada a atriz Greta Garbo, encontrada por ele numa escola do Stockholm’s Royal Dramatic Theater.

Embora com uma produção limitada, o país procura produzir obras importantes que possam concorrer internacionalmente, voltando-se para os temas clássicos, baseados em obras dos escritores Selma Lagerlöf (1858-1940), a primeira mulher a ganhar o Prêmio Nobel de Literatura (1909), e August Strindberg (1849-1912), autor do primeiro romance naturalista sueco (O quarto vermelho, 1879).

Gustav Molander, ex-roteirista de Stiller e de Sjöström, torna-se um prolífico realizador. Entretanto, nem tudo seriam flores... Aproveitando-se da crise econômica que abalou o cinema sueco a partir de 1923 e consciente do avanço que ele tinha atingido, a MGM, mediante atraentes contratos, leva para Hollywood, em julho de 1925, os dois grandes cineastas Stiller e Sjöström, além da promissora atriz Greta Garbo. Sem estes importantes nomes, a Suécia volta-se para a produção interna durante cerca de 15 anos, salvando-se, apenas, parte da obra de Molander, que abordou a luta dos brancos e dos vermelhos na Finlândia, na pós-revolução de 1927, em: Uma noite (1931) e fez o lançamento de Ingrid Bergman (Em Intermezzo, 1936), escolhendo para roteirista um iniciante de nome Ingmar Bergman...

Os primeiros sinais de um renascimento surgem em 1940, com Alf Sjöberg, abordando temas atuais e mais graves. Seu filme Tortura de um desejo (1944), com roteiro de Ingmar Bergman, já anuncia as novas tomadas de posição sociais.

A forte personalidade de Bergman logo se impõe e, a partir de 1945, ele começa a construir uma importante obra, que alcança a universalidade pela profundidade de seus temas.

Juntamente com o renome internacional de Bergman, surgiu, por volta de 1960, uma nova e agitada geração, totalmente ateia, voltada principalmente para o realismo concreto imediato em vez de abordar as situações morais e metafísicas. Era uma espécie de “cinema novo”.

Bo Widerberg, então crítico de cinema, publica texto em que aponta o divórcio dos filmes suecos com a realidade; com o livro Visão do cinema sueco, denuncia o domínio sufocante da indústria sobre a arte cinematográfica e o monopólio exercido por Bergman.

Impuseram-se, ainda, no período: Vilgot Sjöman, Jan Troell, Mai Zetterling e outros. Passaram a ser abordados temas audaciosos, sexuais, de conteúdo político, sobre a condição da mulher etc.

A audácia no plano sexual ajudou a consolidar a reputação erótica do cinema sueco, já presente em filmes como: O capataz (1912), primeiro filme de Sjöström; A última felicidade (1951), de Arne Mattson (1919-1995), que revelou a nudez de Ulla Jacobson, em uma cena considerada ousada para a época.

O silêncio (1963), de Bergman e Caro João (1964), de Lars Magnus Lindgren (1922-) seguem o mesmo caminho.

Uma sexualidade aberta pode ser vista em filmes como: Sensualmente sueca (1967) e Sob as carícias do vento nu (1969), de G. Hoglund; Amar (1964), de Jörn Donner.

Tabus e perversões sexuais aparecem em filmes como: Minha irmã, meu amor (1966), obra-prima de Vilgot Sjöman, baseada na peça do dramaturgo inglês John Ford (1586-1639): Pena que ela seja uma prostituta, escrita entre 1625 e 1634; e em Jogos da noite (1966), de Mai Zetterling.

O melhor enfoque dos problemas sexuais, sob o ponto de vista psicológico, político e social, aparece na obra de Sjöman, como em: Eu sou curiosa (1967-1968) e Feliz Páscoa (1970).

O cinema sueco também abordou temas relacionados à política mundial e alguns voltados para a evocação de fatos históricos, como: Desertor, E.U.A. (1968), sobre o Vietnam; Made in Sweden (1969), sobre os países subdesenvolvidos; Os emigrantes (1970), sobre um grupo de emigrantes suecos nos EUA, por volta de 1850; O amor sem uniforme (1966), que trata da neutralidade da Suécia durante a guerra; Os fogos da vida (1966), que aborda as lutas sociais no início do século XX; Arquitetura da destruição (1991), impressionante documentário de Peter Cohen (1940-), que explica o nazismo sob o ponto de vista estético: Hitler, um artista frustrado e rejeitado, aos 18 anos, pela Academia de Artes de Viena, decide fazer um mundo perfeitamente equilibrado. O filme procura mostrar que o nazismo foi resultante de uma obsessão artística de Hitler. Deu no que deu...

Grandes atores e atrizes foram produzidos pelo cinema sueco: Max Von Sydow, Gunnar Björnstrand, Ingrid Bergman, Ingrid Thulin, Bibi Andersson, Harriet Andersson, Liv Ulmann (de origem norueguesa), Eva Dahlbeck, Erland Josephson, Per Oscarsson e outros. Greta Garbo, nascida e revelada na Suécia, naturalizou-se como cidadã dos EUA, onde alcançou o sucesso, tornando-se uma das maiores estrelas do cinema.

Relacionamos, a seguir, alguns diretores que ajudaram a fazer a história do cinema sueco e alguns de seus principais filmes:

– MAURITZ STILLER (1883-1928) – Grande pioneiro do período áureo do cinema sueco, juntamente com Victor Sjöström. Começou a dirigir em 1912, mas seus primeiros filmes, assim como os de Sjöström, se perderam num incêndio nos depósitos da Svenska, em 1916. Destaque para:

–O tesouro de Arne (1919);

–Erotikon (1920);

–A saga de Gösta Berling (1924), seu último filme sueco.

Rodou 43 filmes na Suécia antes de ir para os EUA. Lá, não conseguiu adaptar-se e, doente e desanimado, voltou à terra natal, morrendo pouco depois, aos 45 anos;

– VICTOR SJÖSTRÖM (1879-1960) – Ator e diretor, abriu a idade de ouro do cinema sueco, a partir de 1912. Entre 1912 e 1915, dirigiu cerca de 30 filmes. Ingeborg Holm (1913), seu primeiro filme pessoal, potente drama naturalista, foi um dos poucos a escapar do incêndio da Svenska, em 1916. Principais títulos:

–Os proscritos (1917);

–A carroça fantasma (1920), obra-prima disponível em vídeo (Continental);

–A prova de fogo (1921).

Nos EUA, com o nome de Victor Seastrom, não teve uma boa carreira, destacando-se, apenas, Lágrimas de palhaço (1924) e Vento e Areia (1928).

Atuou com sucesso em Morangos silvestres (1957), de Bergman, ganhando prêmios de melhor ator no festival de Berlim, em Mar del Plata e nos EUA (NBR);

– GUSTAV MOLANDER (1888-1973) – Único sobrevivente do declínio artístico por que passou o cinema sueco após a emigração de Stiller e Sjöström, foi premiado no festival de Veneza com A mulher que vendeu a alma (1938).

– ALF SJÖBERG (1903-1980) – Experiente diretor de teatro, realizou alguns filmes de sucesso, como: Tortura de um desejo (1944), história de um professor sádico, de nome Calígula, e suas relações com as alunas. Grande prêmio no Festival de Cannes; Senhorita Júlia (1951), baseado no drama naturalista do escritor sueco August Strindberg (1849-1912), é um retrato da aristocracia decadente (jovem condessa deixa-se seduzir por criado numa festa de São João). Grande prêmio em Cannes;

– INGMAR BERGMAN (1918-) – Filho de um pastor luterano opressor, teve uma educação puritana, com rígidas regras de conduta. Em sua vida e em seus filmes procura opor-se ao que lhe foi ensinado na juventude.

Sua obra aborda as indizíveis angústias do homem perante temas como a existência de Deus, o sentido da vida, o bem e o mal, crises psicológicas, a incomunicabilidade do ser humano.

Seu envolvimento com o teatro desde estudante e a apreciação de clássicos do cinema sueco (Molander, Sjöström) deram-lhe o embasamento  necessário a uma brilhante carreira cinematográfica.

Após passar um tempo como roteirista da Svenska, faz seu primeiro filme: Crise (1945).

Cenas de estupro (A fonte da donzela), masturbação feminina (O silêncio), frigidez (Face a face), erotismo (Mônica e o desejo), afetação (Sorrisos de uma noite de verão) etc., presentes em alguns de seus filmes, trouxeram-lhe problemas com as censuras.

Mestre inconteste, sua importância para o cinema pode ser medida pela reverência de seus colegas de profissão e pela coleção de prêmios recebidos em festivais do mundo inteiro.

Entre seus mais notáveis filmes, temos:

–Sorrisos de uma noite de verão (1955) – Sensual, inteligente e hilariante comédia romântica – inspirada na peça de Shakespeare – que tornou o cineasta conhecido mundialmente. Uma ciranda de paixões numa fazenda do interior, no final do século XIX. Premiado em Cannes na categoria “melhor comédia poética”;

–O sétimo selo (1956) – O encontro de um cavaleiro, que acaba de chegar das Cruzadas, com a Morte, à qual propõe um jogo de xadrez para ganhar tempo. Belíssima alegoria cuja riqueza temática (o silêncio de Deus; a inevitável finitude humana) deu fama a Bergman. Um dos mais belos filmes da história do cinema, premiado merecidamente com o Grande Prêmio do Júri, em Cannes;

–Morangos silvestres (1957) – Linda análise da velhice e da tendência do homem para recordações. Velho professor aposentado (interpretado com brilhantismo por Victor Sjöström) relembra as alegrias e tristezas de sua vida ao viajar de volta à cidade natal para receber uma comenda. Filme sério e complexo, com muitas sutilezas psicológicas, ainda hoje é estudado por cineastas de todo o mundo. Prêmios: Urso de Ouro em Berlim, grande prêmio do júri em Mar del Plata, crítica em Veneza, Globo de Ouro de melhor diretor, e outros;

–A fonte da donzela (1959) – Fábula ambientada na Suécia medieval sobre jovem que é violentada e morta. Seu pai encontra os algozes e os mata, nascendo, então, uma fonte no local onde ela morreu. A cena de estupro foi considerada muito violenta na época do lançamento do filme na América. A obra teve menção especial em Cannes e ganhou o Oscar de filme estrangeiro;

–Persona (1966) – Este filme, que no Brasil ganhou o estranho título de Quando duas mulheres pecam, é uma perturbadora investigação psicológica sobre o modo de agir humano. Atriz emudece em cena e recusa-se a falar daí em diante, pois acredita que estamos sempre representando aquilo que não somos. Marido contrata enfermeira psiquiátrica e uma tensão e inquisição vão caracterizar o contato entre as duas mulheres. A atriz recusa-se a continuar a exercer o papel duplo da verdadeira comédia humana que faz com que as pessoas tenham modos de agir diferentes em sua solidão (seus verdadeiros sentimentos) ou em público, quando são obrigadas a sorrir e agradar pessoas que podem lhes ser úteis profissionalmente, mas que gostariam de ver pelas costas;

–Gritos e sussurros (1973) – Vigoroso estudo sobre os sentimentos humanos a partir da história de mulher que está prestes a morrer e seu complicado relacionamento com suas duas irmãs e a criada. Obra que requer muita atenção do espectador para captar toda a significação das expressões dos enormes closes de bocas e olhos, que falam mais do que qualquer diálogo e que renderam o Oscar de fotografia para o inseparável diretor de fotografia de Bergman, SVEN NYKVIST. Ficou clássica a sequência em que a criada amamenta a doente, numa referência à Pietà (pintura ou escultura que representa a Virgem, tendo sobre os joelhos o Cristo morto);

–Cenas de um casamento (1973) – Os encontros e desencontros de um casamento em desintegração, numa visão apaixonada, honesta e investigativa do relacionamento humano;

–A flauta mágica (1975) – Magia e encantamento numa visão pessoal da ópera de Mozart: Pamina, filha da Rainha da Noite, é prisioneira do sumo-sacerdote Sarastro. O jovem príncipe Tamino, com a proteção de sua flauta mágica e com a ajuda de três criadas da Rainha da Noite e de Papageno, o Caçador de Pássaros, vai à sua procura para libertá-la. A força do amor e a necessidade de solidariedade entre os seres humanos estão presentes neste filme que revelou o barítono Hagegard. Prêmio da Associação Nacional de Críticos dos EUA;

–Sonata de Outono (1978) – A confrontação emocional entre mãe e filha que se reencontram após mais de sete anos de ausência. Filme denso onde amarguras, velhos rancores, recriminações e cobranças afluem, travando-se verdadeiros duelos entre as protagonistas. Uma aula de arte dramática das atrizes Ingrid Bergman e Liv Ullmann;

–Fanny e Alexandre (1982) – As dores, as alegrias, a exuberância e os tormentos de rica família sueca que se reúne para comemorar o Natal, vistas através dos olhos de duas crianças. Bela fantasia sobre a infância, de uma ternura pouco comum em filmes de Bergman. Acostumados ao ambiente liberal que imperava na casa as crianças não escondem sua tristeza ao ver sua jovem mãe casar-se com um pastor protestante cruel e puritano, que passa a exigir rígidas regras de conduta. Obra de arte de grande amplitude ganhou, merecidamente, o Oscar de filme estrangeiro, fotografia, figurino e direção de arte, além do César (França), Globo de Ouro de melhor diretor, e outros.

Após Fanny e Alexandre, sua anunciada “aposentadoria”, Bergman, no entanto, não ficou parado. Dirigiu filmes para a TV sueca (um deles lançado em cinema no Brasil: Depois do ensaio, 1984) e duas peças para a Real Companhia de Teatro Dramático de Estocolmo. Em 1986, faz Retrato de Karin, dedicado às fotos de sua mãe. Em 1997, dirige Na presença de um palhaço. Foi roteirista, ainda, em: As melhores intenções (1992), de Bille August; Crianças de domingo (1992), de Daniel Bergman, seu filho.

– BO WIDERBERG (1930-1997) – Escritor e rancoroso crítico de Bergman, dirigiu, ao todo, 14 longas-metragens. O primeiro sucesso internacional veio com Elvira Madigan (1967), delicado filme sobre um amor impossível e que popularizou o Concerto no 21, para piano e orquestra, de Mozart. Com Adalen 31 (1969) ganhou o grande prêmio do júri em Cannes, premiação igualmente obtida com O desejo final (1971).

Seu último filme, Todas as coisas são belas (1995), concorreu ao Oscar de melhor filme estrangeiro e ganhou o prêmio especial do júri, em Berlim; é a história de um adolescente de 15 anos seduzido por uma fogosa professora de 22;

– VILGOT SJÖMAN (1924-) – Uma sensualidade marcante e direta caracteriza seus filmes. Seu primeiro longa foi A amante sueca (1962), mas a grande obra foi  Minha irmã, meu amor, já comentada neste capítulo;

– JAN TROELL (1931-) – Autor de uma grande obra que desmistifica a história da povoação dos EUA, mostrando, em seis horas, a saga de uma família sueca pobre que foi tentar sobreviver na América. O filme é dividido em duas partes: Os emigrantes (1971) e O preço do triunfo (1972). Os emigrantes foi um dos cinco filmes estrangeiros que já concorreram diretamente ao Oscar de melhor filme, e não apenas de filme estrangeiro. Recentemente, fez Sonho gelado (1997), documentário premiado no festival de São Francisco e no de Valladolid, trata da viagem feita pelo explorador sueco August Andrée (1854-1897) que, em 1897, partiu para o pólo Norte num balão e nunca reapareceu;

– MAI ZETTERLING (1925-1993) – Atriz bonita e culta, resolve dirigir a partir de 1962. Em 1966, causa escândalo com seu filme Jogos da noite, indicado para o Leão de Ouro de Veneza, continuando, depois, a ser diretora de filmes nos quais o feminismo é o tema central;

– ALF KJELLIN (1920-1988) – Ator de Sjöberg, Molander e Bergman, com os quais ganhou experiência, dirigiu um dos mais belos filmes suecos em cores: O jardim dos prazeres (1960);

– ARNE SUCKSDORFF (1917-) – Um dos grandes documentaristas do cinema, escreve, monta, fotografa e dirige todos os seus filmes. Esteve no Brasil, em 1962, para dar um curso de cinema, que teve entre seus alunos os grandes diretores brasileiros Glauber Rocha, Arnaldo Jabor e Joaquim Pedro de Andrade.

Entre os poucos longas que realizou, destaca-se A grande aventura (1953), premiado no festival de Cannes e em Berlim.

Rodou, no Brasil, Fábula (1965), filme dedicado às crianças das favelas do Rio de Janeiro. Deve-se a ele a descoberta do ator Cosme dos Santos, quando era um garoto pobre carioca, nos anos 1960;

– LASSE HALLSTRÖM (1940-) – Após um início de carreira na TV, dedicou-se ao cinema, com comédias tipicamente suecas, sem repercussão internacional. Seu melhor filme sueco foi Minha vida de cachorro (1985), interessante filme sobre crianças. Foi para os EUA, onde realizou Meu querido intruso (1991), uma comédia dramática sobre as relações familiares. Seguiram-se Gilbert Grape – Um aprendiz de sonhador (1993) e O poder do amor (1995), produções bem elaboradas.

Recentemente, destacou-se com Regras da vida (1999), adaptação de um romance de John Irving, celebrado escritor dos EUA; o filme concorreu a sete Oscar, ganhando o de melhor roteiro adaptado e o de ator coadjuvante (Michael Caine);

– LARS-MAGNUS LINDGREN (1922-) – Oriundo do cinema publicitário, teve um filme de grande sucesso: Caro João (1964);

– SVEN NYKVIST (1922-) – Parceiro de criação e o diretor de fotografia preferido por Bergman, é detentor de inúmeros prêmios na especialidade, inclusive dois Oscar de melhor fotografia por seu trabalho em Gritos e sussurros (1972) e em Fanny e Alexandre (1982).

Após trabalhar com renomados cineastas, como Polanski, Malle, Mazurski, Bob Fosse, Woody Allen e outros, realizou especiais e documentários para a TV, antes do seu primeiro longa, O boi (1992), indicado para o Oscar de melhor filme estrangeiro; o filme conta a chocante história de um camponês que mata boi do patrão para alimentar família; é preso e, anos mais tarde, ao sair da cadeia, descobre que a esposa se prostituiu para poder alimentar  a filha;

– DANIEL BERGMAN (1962) – Filho de Ingmar Bergman. Sua primeira obra de projeção internacional foi Crianças de domingo (1992). Seu filme Expectativas, um road-movie com várias histórias que se entrelaçam ao acaso, participou da 22a Mostra Internacional de Cinema de São Paulo, em outubro de 1998.

Outros cineastas suecos que podemos citar são:

– HASSE EKMAN (1915-), com o filme O filho de Gösta Ekman;

– RAINER HARTLEB (1944-), com As crianças de Jordbro, melhor documentário na 20a Mostra Internacional de SP;

– BJÖRN RUNGE (1961-), com Harry e Sonja (1996);

– WILLIAM LONG, com Homem de visão (1997), prêmio de público em Amsterdã;

– SUZANNE ÖSTEN (1944-), com Um skinhead no divã;

– STAFFAN HILDEBRAND (1946-), realizador do filme dos 50 anos da ONU;

– BILLE AUGUST – Jerusalém (1996).

Alguns filmes suecos inéditos no Brasil foram exibidos, em março de 1998, na Sala Cinemateca Folha, em São Paulo. Entre eles, a comédia familiar Meu grande papai gordo, de KJELL-AKE ANDERSSON; o filme-de-estrada Sonhando com Rita, de JAN LINDSTROM; o policial Os caçadores, de KJELL SUNDVALL; e o drama espírita Agnes Cecília, de ANDERS GRONROS.

CINEMA DE OUTRAS PARTES DO MUNDO

Cinema é arte. E como arte, representa, na maioria das vezes, a cultura de um país. São expostos costumes, tradições, modo de viver, paisagens, linguagens, vestuário, música e outras particularidades, levando-nos a diversificar nosso aprendizado sobre outras culturas.  Fizemos uma relação dos filmes que mais se destacaram na produção dos países a seguir, esperando prestar um serviço aos amantes do cinema, uma boa alternativa aos padronizados clichês predominantes nos centros de grande atividade cinematográfica:

–África do Sul

–Os animais também são seres humanos (1974).

–Argélia

–Crônicas dos anos ardentes (1975) – Palma de Ouro no Festival de Cannes.

–Armênia

–Sinfonia do silêncio (2002);

–Ararat (2002).

–Argentina

–A história oficial (1985) – Oscar de melhor filme estrangeiro;

–Um lugar no mundo (1993) – Melhor filme no Festival de Gramado;

–Eva Perón – A verdadeira história (1996);

–Cinzas do paraíso (1997);

–Pizza, birra, faso (1998) – Melhor filme no Festival de Gramado;

–Nove rainhas (2000).

–Austrália

–Gallipoli (1981);

–O ano em que vivemos em perigo (1983);

–Malcolm (1986);

–Flertando – Aprendendo a viver (1990);

–Bad boy (1993);

–Cogumelos gostosos de comer (1994);

–Babe, o porquinho atrapalhado (1995) – Ganhador do Globo de Ouro;

–Shine – Brilhante (1996);

–Oscar e Lucinda (1997).

–Áustria

–La pianiste (2001) – Grande Prêmio do Júri em Cannes.

–Bélgica

–Entre o inferno e o profundo mar azul (1995);

–Minha vida em cor-de-rosa (1997);

–Rosetta (1999) – Palma de Ouro em Cannes;

–Uma relação pornográfica (1999).

–Bósnia

–Black cat, White cat (1998);

–Terra de ninguém (2001) – Oscar de melhor filme estrangeiro.

–Botsuana

–Os deuses devem estar loucos (1981).

–Burkina Fasso

–Tilai - Questão de honra (1990).

–Canadá

–Atlantic City (1980);

–Jesus de Montreal (1989);

–Hábito Negro (1991);

–Mistérios e paixões (1991)

–Mistérios e pecados (1995);

–Expresso para Pequim (1995);

–O doce amanhã (1997);

–Os cinco sentidos (1999);

–Sangue novo (1999).

–Chile

–Johnny 100 pesos – Violento e perseguido (1993);

–Amnésia (1995) – Melhor filme no Festival de Gramado.

–Colômbia

–Técnicas de duelo (1992) – Melhor filme no Festival de Gramado.

–Coreia

–Chunhyang (2000)

–Oásis (2002)

–The coast guard (2002)

–Old boy (2003)

–Casa vazia (2004)

–Cuba

–Morango e chocolate (1994) – Melhor filme no Festival de Gramado;

–Tropicanita (1997).

–Egito

–O destino (1997).

–Ex-União Soviética

–Balada do soldado (1960) – Prêmio especial em Cannes.

–Filipinas

–Z-Man – O triplo disparo (1988).

–Finlândia

–O homem sem passado (2002)

–Grécia

–Um olhar a cada dia (1995);

–A eternidade e um dia (1998) – Palma de Ouro em Cannes.

–Holanda

–O ataque (1986);

–O homem da linha (1986);

–A excêntrica família de Antônia (1995) – Oscar de melhor filme estrangeiro;

–Caráter (1997) – Oscar de melhor filme estrangeiro.

–Hong Kong

–Bala na cabeça (1990);

–Entre o amor e a glória (1993);

–Quem sou eu? (1998);

–Amor à flor da pele (2000);

–Public toilete (2002);

–2046 (2004);

–Three... extremes (2004)

–Hungria

–Mephisto (1981).

–Índia

–Canção da estrada (1955);

–O invencível (1956) – Leão de Ouro em Veneza;

–O mundo de Apu (1959);

–A sala de música (1958);

–A deusa (1960);

–Os marginais (1977);

–Dois hectares de terra (1953) – Prêmio Internacional de Cannes;

–O quadro negro (2001) – Prêmio especial do Júri em Cannes;

–O Rio Sagrado (1950) – Direção de Jean Renoir

–Irlanda

–Meu pé esquerdo (1989);

–Traídos pelo desejo (1992);

–Em nome do pai (1993) – Urso de Ouro em Berlim;

–Mães em luta (1995);

–Um gesto a mais (1997);

–Fúria inocente (1997);

–A fortuna de Ned (1998).

–Iugoslávia

–Quando papai saiu em viagem de negócios (1985) – Palma de Ouro em Cannes;

–Virgina (1992);

–Underground (1995) – Palma de Ouro em Cannes;

–Bela aldeia, bela chama (1996).

–Macedônia

–Antes da chuva (1994) – Leão de Ouro no Festival de Veneza.

–México

–Los olvidados (1950)

–El Mariachi (1992);

–Santitos (1997) – Melhor filme latino-americano no Sundance Festival;

–Ninguém escreve ao coronel (1998);

–Quien diablos es Juliette? (1998) – Melhor filme latino-americano no Sundance;

–Amores brutos (2000);

–E sua mãe também (2001).

–Mongólia

–O estado do cão (1998).

–Noruega

–Encontro fatal (1993).

–Nova Zelândia

–Um anjo na minha mesa (1990) – 8 prêmios no Festival de Veneza;

–O piano (1993) – César (França) e Palma de Ouro em Cannes;

–A vingança de Jack (1993);

–Almas gêmeas (1994);

–O amor e a fúria (1994);

–O Senhor dos Anéis: a Sociedade do Anel (2001);

–O Senhor dos Anéis: as duas torres (2002);

–O Senhor dos Anéis: o retorno do rei (2003).

-Peru

–Não conte a ninguém (1998);

–Pantaleão e as visitadoras (2000) – Melhor filme no Festival de Gramado.

–Portugal

–Viagem ao princípio do mundo (1997);

–À sombra dos abutres (1999).

–Quirguistão

–O filho adotivo (1998);

–O chimpanzé (2001).

–República Tcheca

–Kolya – Uma lição de amor (1996) – Oscar de melhor filme estrangeiro.

–Romênia

–Train de vie (1998).

–Rússia

–Quando voam as cegonhas (1957) – Palma de Ouro em Cannes;

–O sol enganador (1995) – Oscar de melhor filme estrangeiro;

–Moloch – Eva Braun e Adolf Hitler na intimidade – Melhor roteiro em Cannes.

–Suíça

–A viagem da esperança (1990) – Oscar de melhor filme estrangeiro.

–Tailândia

–Killer – O matador (1989);

–O tigre e o dragão (2000) – Globo de Ouro e  Oscar de MFE.

–Taiwan

–O banquete de casamento (1993);

–Vive l’amour (1994) – Vencedor em Veneza;

–O rio (1997);

–As coisas simples da vida (2000);

–Millenium mambo (2001);

–Adeus, Dragon Inn (2003);

–Café Lumière (2003);

–Three times (2005)

–Tchecoeslováquia

–A pequena loja da rua principal (1965) – Jan Kadar

–Tunísia

–Silêncios do palácio (1994).

–Turquia

–Yol (1982) – Palma de Ouro em Cannes.

–Vietnã

–O cheiro do papaia verde (1993) – Camera D’Or em Cannes;

–As três estações (1999);

–As luzes de um verão (2000).

ANOS 1950, UMA DÉCADA DE GRANDES FILMES

Neste capítulo, faremos um resumo da história do cinema na década de 1950, época em que surgiu a televisão, obrigando o cinema a grandes mudanças para continuar crescendo: surgiram a tela panorâmica, o cinemascope, a terceira dimensão (com óculos especiais) e outras técnicas.

Passados os horrores da II Guerra Mundial, o cinema experimenta uma certa maturidade, abandonando as distorções inerentes ao sentimentalismo patriótico dos anos 1940 e voltando-se para uma percepção mais profunda da natureza humana, com melhoria da qualidade, para atender à enorme vontade de entretenimento que passou a dominar o público. Com as restrições da censura diminuindo, a maior liberdade de expressão possibilitou filmes mais ousados e realistas, como A doce vida, E Deus criou a mulher, A fonte da donzela, Boneca de carne, etc.

Grandes atores e atrizes foram revelados na década: Brigitte Bardot, Marilyn Monroe, Jeanne Moreau, Giulietta Masina, Monica Vitti, Simone Signoret, Jean-Paul Belmondo, Marcello Mastroiani, Marlon Brando, James Dean, Albert Finney e outros.

O salto qualitativo foi grande, como podemos ver na relação abaixo:

–1950:

–Crepúsculo dos deuses (direção de Billy Wilder): a melhor obra já feita sobre Hollywood; obra-prima absoluta;

–Rashomon (Akira Kurosawa): as diferentes versões de um crime presenciado por quatro pessoas;

–Diário de um pároco de aldeia (Robert Bresson): fiel adaptação do romance de Georges Bernanos (1888-1948), de 1936;

–Los olvidados (Luis Buñuel): sexo e sadismo;

–Uma rua chamada pecado (Elia Kazan): mulher neurótica perturba a vida da irmã e do cunhado;

–A malvada (Joseph L. Mankiewicz): um retrato da perfídia humana.

–1951:

–Sinfonia de Paris (Vincente Minnelli): ótimo musical, ganhador de seis Oscar;

–Um lugar ao Sol (George Stevens): a ambição e os valores morais de um jovem.

–1952;

–Matar ou morrer (Fred Zinnemann): faroeste antológico, dramatizando aspectos sociais do Oeste;

–O salário do medo (Henri-Georges Clouzot): uma reflexão sobre a dignidade do trabalho humano;

–As férias do sr. Hulot (Jacques Tati): uma das melhores comédias do cinema, com o genial Tati no papel principal;

–Umberto D (Vittorio De Sica): neorrealismo. Um aposentado idoso e as dificuldades morais e materiais para manter sua dignidade;

–Cantando na chuva (Gene Kelly, Stanley Donen): um dos melhores musicais de todos os tempos;

–Depois do vendaval (John Ford): romance de ex-boxeador com solteirona decidida.

–1953:

–Viagem a Tókio (Yasujiro Ozu);

–Contos da Lua vaga (Kenji Mizoguchi);

–A um passo da eternidade (Fred Zinnemann): a surpresa do bombardeio japonês a Pearl Harbor;

–Os brutos também amam (George Stevens): sensível fábula sobre o Bem e o Mal;

–Os homens preferem as loiras (Howard Hawks): Jane Russell e Marilyn Monroe à procura de bons partidos. Imperdível Marilyn cantando Diamonds are a girl’s best friend;

–A princesa e o plebeu (William Wyler): romance clássico com Audrey Hepburn e Gregory Peck.

–1954:

-A estrada da vida (Federico Fellini): Oscar de melhor filme estrangeiro;

–Janela indiscreta (Alfred Hitchcock): suspense muito bem elaborado pelo mestre Hitch;

–Os sete samurais (Akira Kurosawa): grande épico do cinema japonês;

–Disque M para matar (Alfred Hitchcock): o planejamento perfeito de um assassinato;

–Sabrina (Billy Wilder): romantismo e humor;

–Sindicato de ladrões (Elia Kazan): conflito entre estivadores e a máfia que explora o trabalho no porto.

–1955:

–Ricardo III (Laurence Olivier): a história do rei da Inglaterra no século XV;

–Canção da estrada (Satyajit Ray): primeiro filme de Ray. O cinema indiano conquistando o mundo;

–Juventude transviada (Nicholas Ray): a delinquência juvenil e o conflito de gerações;

–Férias de amor (Joshua Logan): o clássico Picnic. Sensualidade e luxúria;

–O pecado mora ao lado (Billy Wilder); a famosa comichão que dá nos homens no sétimo ano de casamento.

–1956:

–Os dez mandamentos (Cecil B. DeMille): superprodução épica;

–O sétimo selo (Ingmar Bergman): parábola de Bergman sobre a morte;

–Rastros de ódio (John Ford): clássico do faroeste;

–Assim caminha a humanidade (George Stevens): a descoberta de petróleo no Texas.

–1957:

–A ponte do rio Kwai (David Lean): épico marcante ganhador de sete Oscar;

–Morangos silvestres (Ingmar Bergman): um estudo do envelhecimento e suas recordações;

–Glória feita de sangue (Stanley Kubrick): crueldade e violência no front francês.

–1958:

–A marca da maldade (Orson Welles): conflito de policiais, corrupção, tráfico de drogas e discriminação;

–Cinzas e diamantes (Andrzej Wajda): jovem resistente recebe ordem de executar representante do Partido Comunista;

–Um corpo que cai (Alfred Hitchcock): drama psicológico de detetive que sofre de acrofobia;

–Quero viver! (Robert wise): baseado em fatos reais. Presumível inocente é sentenciada à morte.

–1959:

–Ben-Hur (William Wyler): aventura em alto estilo, ganhou onze Oscar;

–Intriga internacional (Alfred Hitchcock): o melhor do mestre do suspense;

–Anatomia de um crime (Otto Preminger): drama de tribunal, tenso e profundo;

–Hiroshima, meu amor (Alain Resnais): o tema preferido de Resnais, a memória;

–A fonte da donzela (Ingmar Bergman): filha é estuprada e morta. Pais hospedam os criminosos, ignorando a culpa deles;

–Balada do soldado (Grigori Chukhrai): emoção em cinema soviético pós-Stalin;

–Acossado (Jean-Luc Godard): diretor rompe estrutura narrativa clássica. Verdadeiro manifesto da Nouvelle Vague;

–Quanto mais quente melhor (Billy Wilder): comédia de primeira;

–Os incompreendidos (François Truffaut): o início do moderno cinema francês.

OS BONS FILMES DA DÉCADA DE 1960

Alguns críticos – e também grandes cinéfilos – comentam que, a partir dos anos 1960, houve um declínio na qualidade dos filmes produzidos, com a indústria cinematográfica voltando-se para produções mais comerciais, em detrimento da arte. Realmente, os filmes bem elaborados que privilegiavam a arte foram se tornando cada vez mais raros, até chegarmos ao estágio atual, onde filmes chamados “de ação” predominam no mercado, com chavões pra lá de manjados: explosões, violência, perseguições rocambolescas de carros, nudez, sexo etc. São filmes que agradam a determinado público-alvo, composto, em sua maioria, de jovens pouco exigentes, descomprometidos com a cultura. Poucas produções se salvam dentro deste cipoal mercantilista que incorpora a febre pelo lucro imediato e fácil. “E la nave và”...

Voltemos, pois, aos anos 1960, onde nem tudo estava perdido. “Garimpando” um pouco, conseguimos selecionar alguns bons filmes, de variados gêneros, que podem, perfeitamente, despertar o interesse do leitor.

Para quem gosta de AVENTURA, o grande destaque é para El Cid (1961), de Anthony Mann: um épico admirável sobre o lendário herói espanhol do século XI, com lindas imagens e exata reconstituição histórica. Outra brilhante saga da época é Lawrence da Arábia (1962), de David Lean, sobre a vida de T. E. Lawrence, o oficial britânico que uniu facções árabes inimigas para derrotar a Turquia, na I Guerra Mundial; esta superprodução ganhou sete Oscar, inclusive o de melhor filme. Mais um grande épico é Spartacus (1960), do perfeccionista Stanley Kubrick, em que um gladiador se opõe à opressão dos nobres romanos e lidera uma rebelião de escravos. As aventuras do agente 007 também começaram na década, com O satânico dr. No, em 1962, primeiro de uma série que depois se repetiria, abusando de efeitos especiais.

Os fãs do DRAMA foram bem aquinhoados nos anos 1960. A década começou com A doce vida (1960), de Federico Fellini, que retrata a sociedade romana do pós-guerra. Em 1963, chega O Leopardo, de Luchino Visconti, mostrando as mutações sociais na Sicília de 1860, com a nobreza dando lugar a uma burguesia ascendente. Em 1966, é a vez de O homem que não vendeu sua alma, de Fred Zinnemann, sobre a vida de Thomas More, o chanceler que se opôs às pretensões de Henrique VIII de romper com a Igreja, se divorciar de Catarina de Aragão e se casar com Ana Bolena. A produção ganhou seis Oscar, inclusive o de melhor filme. Uma magnífica obra sobre o rei da Inglaterra Henrique II aparece em 1968: O leão no inverno, onde Katharine Hepburn, com grande desempenho como a rainha Eleanor de Aquitânia, ganhou o Oscar de melhor atriz. Os costumes decadentes da Roma do século I são expostos em Satyricon (1969), de Federico Fellini, que se baseou em um livro de Petrônio, escritor romano que era um dos favoritos do imperador Nero. Além dos comentados, outros dramas interessantes são: A noite (1960, de Michelangelo Antonioni – Urso de Ouro no festival de Berlim); Fellini oito e meio (1963, de Federico Fellini – Oscar de melhor filme estrangeiro); Persona (1966, de Ingmar Bergman); A bela da tarde (1967, de Luis Buñuel); Julgamento em Nuremberg (1961, de Stanley Kramer); Longa jornada noite adentro (1962, de Sidney Lumet); A primeira noite de um homem (1967, de Mike Nichols); A noite dos desesperados (1969, de Sydney Pollack); O processo (1963, de Orson Welles) e o brasileiro Deus e o diabo na Terra do Sol (1964, de Glauber Rocha).

Aqueles que apreciam uma boa COMÉDIA não devem perder Se meu apartamento falasse (1960), de Billy Wilder, onde funcionário solitário e ambicioso empresta seu apartamento para os encontros amorosos de seus chefes e acaba se apaixonando pela ascensorista que está envolvida com o chefão; Oscar de filme, roteiro, direção, montagem e direção de arte. A comédia italiana está bem representada em O incrível exército de Brancaleone (1965), de Mario Monicelli, em que pequeno, esfarrapado e quixotesco exército (?) sai pela Europa à procura de um feudo. O humor negro está presente em Dr. Fantástico (1964), de Stanley Kubrick, obra-prima da comédia política, que satiriza a bomba atômica. Outra comédia antológica é A pantera cor-de-rosa (1964), de Blake Edwards, com Peter Sellers no papel do atrapalhado inspetor Clouseau.

O MUSICAL, gênero pouco apreciado hoje em dia, teve cinco grandes representantes: Amor, sublime amor (1961, de Robert Wise/Jerome Robbins – Oscar de melhor filme); Os guarda-chuvas do amor (1964, de Jacques Demy – Palma de Ouro em Cannes); A noviça rebelde (1965, de Robert Wise – Oscar de melhor filme); Minha bela dama (1964, de George Cukor – Oito Oscar, inclusive o de melhor filme) e Mary Poppins (1964, de Robert Stevenson)

Um filme de FAROESTE se destacou no período: O homem que matou o facínora (1962), do mestre John Ford. Tivemos, ainda: Butch Cassidy (1969, de George Roy Hill); Era uma vez no Oeste (1969, de Sergio Leone); Meu ódio será sua herança (1969, de Sam Peckinpah).

O filme de GUERRA mais notável foi A batalha de Argel (1965, de Gillo Pontecorvo, ganhador do Leão de Ouro no Festival de Veneza).

O SUSPENSE também foi bem representado no período, com: Psicose (1960), de Alfred Hitchcock, a conhecida história do “filho que era mãe”, com notável interpretação de Anthony Perkins; Sob o domínio do mal (1962), de John Frankenheimer – complicações paranoicas de ex-prisioneiros torturados na guerra da Coreia; Blow-up – Depois daquele beijo (1966), de Michelangelo Antonioni – situações bizarras envolvendo fotógrafo que descobriu assassinato ao ampliar uma foto – Palma de Ouro em Cannes; Repulsa ao sexo (1965), de Roman Polanski – um estudo psicológico.

Polanski realizou, ainda, em 1968, um filme de HORROR diabólico: O bebê de Rosemary, sucesso mundial.

Em 1968 também apareceu um revolucionário filme de FICÇÃO CIENTÍFICA: 2001 – Uma odisseia no espaço, de Stanley Kubrick, onde um computador (HAL 9000) assume o controle total de uma nave espacial (H, A, L, se você ainda não sabe, são letras que antecedem I, B, M...).

No gênero POLICIAL, tivemos: No calor da noite (1967) de Norman Jewison, filme de alto conteúdo racial, com Sidney Poitier no papel de um detetive negro. Produção premiada com cinco Oscar, incluindo melhor filme e roteiro adaptado.

Outro filme policial pontificou no mesmo ano (1967): Bonnie and Clyde – Uma rajada de balas, de Arthur Penn, que conta as peripécias de famoso casal de assaltantes dos anos 1920/1930, durante a Grande Depressão americana.

A DÉCADA DE 1970

Nos anos 1970, já começa a ficar mais difícil para o cinéfilo exigente (e inteligente) a tarefa de selecionar obras cinematográficas dignas de serem assistidas.

Com os filmes excepcionais rareando, à medida que os anos passam, o mercado é entulhado, cada vez mais, por filmes “bonzinhos” (a maior parte dos EUA), engajados no lucro comercial, sem grande preocupação com a profundidade dos temas, funcionando apenas como passatempo despretensioso.

Mas nem tudo estava perdido: alguns cineastas, notadamente na Europa, realizaram obras mais apuradas e profundas, abordando temas de grande interesse para o público. Entretanto, tivemos, nos EUA, filmes um pouco acima da média, que foram  comentados em outros capítulos deste livro:

–O poderoso chefão 1 e 2 (1972/1974) e Apocalypse now (1979), de Francis Ford Coppola;

–Tubarão (1975) e Contatos imediatos de terceiro grau (1977), de Steven Spielberg;

–M.A.S.H. (1970) e Nashville (1975), de Robert Altman;

–Um estranho no ninho (1975), de Milos Forman;

–Chinatown (1974), de Roman Polanski;

–Cabaret (1972), de Bob Fosse;

–O expresso da meia-noite (1978), de Alan Parker;

–Alien, o oitavo passageiro (1979), de Ridley Scott;

–Guerra nas estrelas (1977), de George Lucas e, ainda, A conversação (1974), de Francis Ford Coppola, onde um perito em grampear telefones entra em crise quando descobre que seu trabalho está a serviço de uma trama criminosa (ganhou a Palma de Ouro em Cannes).

Dos filmes europeus, cada vez mais apreciados nestas plagas, destacamos os seguintes:

–O homem de mármore (Polônia, 1976), de Andrzej Wajda – Refletindo o clima de inquietação da sociedade polonesa, o filme faz parte do início da corrente contestatória que culminaria com a união dos sindicatos do país, formando o Solidariedade, em 22 de setembro de 1980. A obra coloca o stalinismo em questão, ao abordar o tema da realização de um documentário sobre um heroico operário que foi posto em segundo plano com o degelo;

–Solaris (URSS, 1972), de Andrei Tarkovsky – Não se enquadrando na estética oficial soviética (calcada no realismo socialista), é um filme de ficção científica perturbador, que trata da ida de um psicólogo a uma estação orbital da URSS, para verificar a incidência de alucinações que estavam levando alguns tripulantes ao suicídio ou à morte;

–O jardim dos Finzi-Contini (Itália, 1971), de Vittorio de Sica – Durante a II Guerra Mundial, família aristocrata de judeus italianos ignora a ameaça dos campos de concentração fascistas e a perseguição aos membros de sua raça, passando por situações que não previra. Oscar de melhor filme estrangeiro;

–Amarcord (Itália, 1973), de Federico Fellini – Amarcord (“eu me lembro”, em dialeto romagnol) é uma crônica onírica e nostálgica de uma pequena cidade italiana na década de 1930; relato autobiográfico que revela o cotidiano familiar, o despertar da sexualidade e a ascensão do fascismo. Oscar de melhor filme estrangeiro;

–O discreto charme da burguesia (França/Espanha/Itália, 1972), de Luis Buñuel – Obra surrealista que confunde sonho com realidade, caracteriza-se como uma crítica social audaciosa e uma sátira das convenções burguesas;

–Um dia muito especial (Itália, 1977), de Ettore Scola – Filme intimista, mostra o encontro, em 1938, no dia em que Hitler visitava Roma, de um radialista demitido por ser homossexual (Marcello Mastroianni) e sua vizinha, uma esposa infeliz (Sophia Loren). Expõe a repressão e a massificação de ideias por parte do governo fascista italiano na época;

–Giordano Bruno (Itália, 1973), de Giuliano Montaldo – Impressionante reconstituição da vida do filósofo, astrônomo e matemático Giordano Bruno (1548-1600), que, influenciado por Nicolau de Cusa e Copérnico, desenvolveu sua teoria do universo infinito e da multiplicidade dos mundos, o que implicou em negar a ideia teológica da Criação. Julgado pela Inquisição, foi torturado e queimado vivo, em fevereiro de 1600;

–O tambor (Alemanha, 1979), de Volker Schlöndorff – Magnífica crítica político-social. O garoto que se recusa a crescer, depois de os nazistas tomarem o poder na Alemanha, e seu protesto, batendo com vigor num tambor, sempre que algo dava errada em sua vida. Ganhou o Oscar de melhor filme estrangeiro e compartilhou, com Apocalypse now, a Palma de Ouro em Cannes;

–1900 (Itália/França/Alemanha, 1977), de Bernardo Bertolucci – Filme com 234min, um grandioso painel sobre a história da Itália no século XX; a batalha entre a esquerda e o movimento fascista;

–O dia do Chacal (Inglaterra, 1973), de Fred Zinnemann – Adaptação correta do romance de Frederick Forsyth, a história da tentativa de assassinato do general Charles de Gaulle por elemento contratado por grupos da extrema direita;

–O amigo americano (Alemanha/França, 1977), de Wim Wenders – Um dos melhores filmes de Wenders. Homem pacato, portador de doença incurável, é procurado por francês que lhe faz uma estranha proposta: matar perigoso mafioso em troca de 250 mil marcos. Tensão o tempo todo;

–O enigma de Kaspar Hauser (Alemanha, 1975), de Werner Herzog – Garoto criado em um porão até seus 18 anos é levado para a cidade e estranha a nova realidade. Filme baseado em fato real. O título original é Jeder fur sich und Gott gegen alle, cuja tradução é “Cada um por si e Deus contra todos”.

Tivemos, ainda, na década, dois bons e hilariantes filmes do grupo inglês Monty Python:

-A vida de Brian (1979) e

-Monty Python - Em busca do cálice sagrado (1975).

O Japão também deu sua contribuição, com:

–Dodeskaden – O caminho da vida (1970) e

–Derzu Uzala (1975), ambos de Akira Kurosawa.

A década de 1970 foi, ainda, a época de filmes polêmicos, como:

–O último tango em Paris (Fra/Ita/EUA, 1972), de Bernardo Bertolucci;

–As mil e uma noites (Itália, 1974), de Pier Paolo Pasolini;

–O império dos sentidos (Japão, 1976), de Nagisa Oshima.

AS TENDÊNCIAS CONTEMPORÂNEAS - CINEMA DOS ANOS 1980

Preocupando-se cada vez mais com a parte comercial, em detrimento da arte, começam a pontificar filmes de caráter mediano, que chegam até a conquistar prêmios em festivais, na falta de coisa melhor. Somente uma parte ínfima dos milhares de produções cinematográficas da década de 1980 é digna de destaque.

Após o estabelecimento de diretrizes consideradas básicas para filmes de sucesso de bilheteria, a mesmice vai se impondo gradativamente. A imaginação e a criatividade ficam restritas a alguns cineastas já consagrados ou a uns poucos idealistas que se opõem à pasmaceira reinante, engajando-se num cinema de autor, voltado para a problemática social. Como o poderio hollywoodiano é imenso, a maior parte dos filmes é oriunda dos EUA. Mas quantidade nunca foi sinônimo de qualidade. Assim sendo, os expoentes da indústria cinematográfica norte-americana na década restringem-se a poucas produções, já mencionadas por nós em outros capítulos: Os caçadores da Arca Perdida (1981); E.T., o extraterrestre (1982); Tootsie (1982); Indiana Jones e o Templo da Perdição (1984); Baleias de agosto (1987); Uma cilada para Roger Rabbit (1988); Touro indomável (1980); Atlantic City (1980); Os intocáveis (1987); Platoon (1986); Gente como a gente (1980); Laços de ternura (1983) e (vá lá...) Um tira da pesada (1985).

Acreditamos que o leitor já tenha visto a maioria dos filmes da relação, devido à propaganda maciça que cerca os lançamentos hollywoodianos em nosso país, apoiada por grandes setores de nossa mídia, por vezes bastante generosa em suas avaliações qualitativas. Entretanto, também nos chegam produções de outras partes do mundo, notadamente da Europa. Embora não tão divulgadas quanto as oriundas dos EUA, ocupam seu lugar no espaço, sendo vistas por pessoas cultas e de bom gosto. Entre outras, podemos citar:

–Mephisto (Hungria/Alemanha/Áustria, 1981) – De István Szabó – Cinebiografia do ator húngaro Gustaf Grundgens, que renegou seus companheiros da Resistência e aderiu, por vaidade, ao nazismo, passando a trabalhar em peças que convinham ao regime hitlerista. Produção com esplêndidas imagens barrocas, levou o prêmio de melhor filme estrangeiro, e o prêmio de roteiro em Cannes;

–Adeus, Meninos (França/Alemanha, 1987) – De Louis Malle – Numa França sob dominação alemã, durante a Segunda Guerra, menino de família rica enviado para um colégio católico distante vive o drama da descoberta de sua origem judaica. Filme ganhou o Leão de Ouro no Festival de Veneza;

–Pelle, o conquistador (Dinamarca/Suécia, 1988) – De Bille August – A saga de dois emigrantes suecos (pai e seu jovem filho) que sonham melhorar suas vidas na Dinamarca, no fim do século XX, mas enfrentam a discriminação dos dinamarqueses. Com excelente fotografia e ótimo roteiro, a produção ganhou o Oscar de melhor filme estrangeiro, e a Palma de Ouro em Cannes;

–Black Rain (Japão, 1989) – De Shohei Imamura – O drama e sofrimento de habitantes de Hiroshima com as sequelas da chuva radioativa resultante do bombardeio atômico em 1945. Filme ganhou o prêmio especial da comissão técnica no Festival de Cannes. A propósito, um parêntese: os EUA odeiam quando destroem seus prédios, mas adoram pôr abaixo as construções dos outros, como aconteceu recentemente no Iraque. Como disse um grande pensador da Antiguidade (se não disse, pensou, pois, afinal, era pensador): “Pigmenta in alter anus refrigeratione est”;

–Gandhi (Inglaterra/Índia, 1982) – De Richard Attenborough – Grandiosa biografia épica de Mohandas Karamchand Gandhi (1869-1948), o extraordinário líder político e espiritual – adepto da não-violência –  que levou a Índia a libertar-se do domínio inglês. Perfeita atuação de Ben Kingsley no papel-título. Filme levou oito Oscar: filme, ator,diretor, roteiro, montagem, direção de arte, vestuário e cinematografia;

–Danton – O processo da Revolução (França/Polônia, 1982) – De Andrzej Wajda – No quarto ano da Revolução Francesa, o líder popular Danton (1759-1794) questiona os excessos do regime do Terror que ajudara a implantar e entra em choque com seu amigo Robespierre (1758-1794). Magnífica atuação de Gérard Depardieu no papel principal;

–O ataque (Holanda, 1986) – De Fons Rademakers – No final da Segunda Guerra, garoto de 12 anos sobrevive ao assassinato de sua família pelos nazistas. Ao crescer, as lembranças da tragédia mudam sua vida. Dramática e longa exposição sobre as feridas que uma guerra pode provocar. Oscar de melhor filme estrangeiro;

–Fanny e Alexander (Sue/Fra/Ale, 1982) – De Ingmar Bergman – As dores as alegrias e os tormentos de rica família sueca que se reúne para comemorar o Natal, vistas através dos olhos de duas crianças. Bela fantasia sobre a infância, de uma ternura pouco comum em filmes de Bergman. Acostumados ao ambiente liberal que imperava na casa, as crianças não escondem sua tristeza ao ver sua jovem mãe casar-se com um pastor protestante cruel e puritano, que passa a exigir rígidas regras de conduta. Oscar de melhor filme estrangeiro e César (França);

–Gallipoli (Austrália, 1981) – De Peter Weir – Comovente drama baseado em fato real, conta a história de Archie e Frank, dois corredores australianos amigos que ingressam no exército, sem ter ideia do horror que seria a luta com os turcos na península de Gallipoli, durante a Primeira Guerra;

–Cinema Paradiso (Itália, 1989) – De Giuseppe Tornatore – Cineasta de sucesso retorna à pequena cidade natal e recorda-se da infância e da adolescência, na Sicília. Uma evocação nostálgica do cinema. Prêmio do júri em Cannes e Oscar de melhor filme estrangeiro;

–Kagemusha – A sombra do samurai (Japão, 1980) – De Akira Kurosawa – Criminoso é escolhido para tomar o lugar de poderoso chefe de clã falecido, a fim de evitar um ataque inimigo e, aos poucos, assume a personalidade do líder. Palma de Ouro em Cannes;

–A noite de São Lourenço (Itália, 1982) – De Paolo e Vittorio Taviani – A heroica defesa dos singelos moradores de pequeno povoado da Toscana contra os invasores alemães, logo após a entrada da Itália na Segunda Guerra.

No Brasil, podemos destacar três produções:

–Cabra marcado para morrer (1984) – De Eduardo Coutinho – Iniciado em 1964, este filme foi interrompido pela censura e retomado em 1981, nos mesmos lugares e com as mesmas pessoas. Um retrato fiel do Brasil. Vários prêmios, aqui e no exterior;

–Pixote – A lei do mais fraco (1980) – De Hector Babenco – A luta pela sobrevivência dos menores abandonados no submundo das grandes cidades brasileiras. Prêmio de melhor atriz do ano para Marília Pêra, dado pela Associação dos Críticos de Nova York;

–Amor, estranho amor (1982) – De Walter Hugo Khouri – Homem maduro recorda temporada passada em um bordel, aos 13 anos, onde sua mãe era a favorita de influente político de São Paulo, em 1937. O despertar da sexualidade abordado de maneira sensível por Khouri. Filme está com exibição proibida no Brasil, por determinação judicial.

CINEMA DOS ANOS 1990: UM COMPUTADOR NA MÃO E UMA IDEIA NA CABEÇA

Às vezes você vai ao cinema ver um filme muito badalado e sai de lá achando que estava faltando algo mais? Que a coisa não era tão espetacular quanto a propaganda apregoava? Você está certo. O critério para classificação de filmes pode variar com notas que vão de um a dez (Exemplo: na antiga revista SET), ou por estrelas que vão de um a cinco (Ex.: Guia de Vídeo e DVD, da Editora Abril).

Pois é, nas produções atuais, a rigor, não há mais filmes nota 10 ou de cinco estrelas, porque muito raramente aparece um fora do comum. O máximo que eles alcançam, com muita benevolência, é nota 9, ou 4 estrelas, apesar da enorme tecnologia de que agora dispõem. Daí a frustração que acomete o bom espectador.

E o pior são aqueles espectadores que nunca viram coisa melhor e acham tudo ótimo – geralmente adoram filmes repletos de sexo, explosões, perseguições de carros, violência e efeitos especiais produzidos por computador, a moda atual. É a geração pipoca-e-refrigerante, alegria dos produtores que se dedicam a produções meramente comerciais.

O que é preciso que todos saibam é que um filme para ser nota 10 (ou ter cinco estrelas) deve abranger certos aspectos fundamentais, que são: roteiro, argumento, produção, elenco e direção.

Originalidade, conteúdo, estrutura, ritmo, criatividade, interpretação, iluminação, fotografia, trilha sonora, figurinos, cenários, montagem, efeitos especiais, fluência da narrativa, diálogos, maquiagem, tudo está contido nos cinco itens mencionados. Destarte, como quase não existem mais aqueles filmes “5 estrelas” de antigamente (O tempora!), os festivais de cinema atuais limitam-se a premiar os melhores “4 estrelas” do ano.

Mas, com uma apurada pesquisa, é possível reunir filmes de boa qualidade que, certamente, constituem um bom entretenimento. Dentro desta conjuntura, destacamos oito produções acima da média:

–A lista de Schindler (EUA, 1993), de Steven Spielberg: adaptação do livro do escritor australiano Thomas Keneally (1935 - ): a história do industrial alemão que teria salvado mais de mil judeus poloneses do extermínio, empregando-os em sua fábrica. Grandiosa visão do holocausto judeu, ganhou sete Oscar: filme, roteiro adaptado, diretor, fotografia, direção de arte, montagem e trilha sonora original;

–Dança com lobos (EUA, 1990), de Kevin Costner: western ecológico e a favor da cultura indígena. Jovem tenente da Guerra Civil Americana, com medo de amputar o pé após um acidente, se insere entre as tropas inimigas. Tido como herói, abandona a civilização e vai para território dominado pelos índios Sioux, onde faz amigos e, eventualmente, se torna um deles, com sensível mudança de seus conceitos sobre a vida. Sucesso de público, o filme ganhou sete Oscar: filme, diretor, roteiro adaptado, trilha sonora original, fotografia, montagem e som;

–Titanic (EUA, 1997), de James Cameron: espetacular superprodução, conta a história de dois jovens apaixonados: ela da classe alta americana (Kate Winslet) e ele um passageiro da terceira classe (Leonardo DiCaprio) que, apesar das diferenças sociais, vivem um grande romance, a bordo da viagem inaugural do luxuoso e imponente transatlântico britânico R.M.S. Titanic, que se chocou contra um iceberg e afundou, na noite de 14 para 15 de abril de 1912, ao sul da Terra Nova, no Atlântico Norte. Efeitos especiais colossais mostram detalhes do drama e da angústia que teriam vivido os passageiros em sua luta pela sobrevivência. Grandiosos cenários e figurinos impecáveis. Ganhou, merecidamente, onze Oscar: filme, diretor, fotografia, montagem, efeitos especiais, trilha sonora, canção (My heart will go on), som, figurino, direção de arte e cenários;

–Central do Brasil (BR, 1998), de Walter Salles: o arquipremiado filme brasileiro (mais de trinta prêmios em todo o mundo, entre eles o Urso de Ouro em Berlim e o Globo de Ouro de melhor filme estrangeiro) conta uma impressionante história sentimental entre uma professora aposentada que escreve cartas para iletrados e um menino de 9 anos que teve sua mãe assassinada e quer encontrar seu pai, que está em remota região do sertão brasileiro;

–Coração Valente (EUA, 1995), de Mel Gibson: drama épico, conta a história de sir William Wallace (1270-1305), que em 1297 liderou a resistência aos ingleses, ganhando a batalha de Stirling, tornando-se herói da luta pela independência da Escócia. Leonard Maltin (in: Movie & Video Guide), diz: “Um poderoso, apaixonado filme sobre um poderoso, apaixonado homem”. Oscar de: filme, diretor, fotografia, maquiagem e efeitos sonoros;

–Adeus minha concubina (CHI/Hong Kong, 1993), de Chen Kaige: uma visão da história da China ao longo da vida de dois atores da Ópera de Pequim; garotos, em 1924, na “Era do Grande Guerreiro”, são treinados para divertir o povo, numa disciplina que inclui castigos corporais; às vésperas da guerra entre a China e o Japão, em 1937, eles já são atores consagrados, devido à ópera Adeus minha concubina. A ambígua e idílica amizade entre os dois sofre um abalo quando uma prostituta casa-se com um deles. A rendição dos japoneses, em 1945, e a entrada do Exército Popular de Libertação, em 1949, inauguram os tempos de repressão em Pequim; nessa época, eles se separam e seguem caminhos opostos. Com o início da Revolução Cultural, em 1966, a Ópera de Pequim é substituída por outros espetáculos, resultando, para os dois, os tempos de traição. Palma de Ouro em Cannes, Globo de Ouro de melhor filme estrangeiro e indicação ao Oscar;

–Regras da vida (EUA, 1999), de Lasse Hallström: esta ótima adaptação do romance de 1985 de John Irving (1942-) mostra a história de um rapaz que deixa um orfanato onde cresceu e se depara com as incertezas do mundo adulto, nos anos 1940, com as mazelas da época: guerra mundial e crise econômica. Filme toca em temas polêmicos, entre eles o direito ao aborto. Concorreu a sete Oscar, ganhando o de melhor roteiro adaptado e o de ator coadjuvante (Michael Caine);

–Retorno a Howards End (ING, 1992), de James Ivory: baseado na obra de 1910 do escritor inglês E. M. Forster (1879-1970) – uma metáfora sobre o destino da nação inglesa às vésperas da I Guerra Mundial –, filme é bom em todos os níveis, mostrando o que acontece quando duas irmãs que vivem de herança passam a relacionar-se com uma família de rico comerciante. Os conflitos de classe social são bem retratados e o elenco é excelente, com destaque para as atuações de Emma Thompson (Oscar e Globo de Ouro de atriz) e Anthony Hopkins, no papel de um homem cuja aparência social oculta uma personalidade insidiosa e cruel. Filme ganhou também o Oscar de roteiro adaptado e o de direção de arte, além do prêmio especial do Festival de Cannes.

Parece mesmo que o jeito é nos contentarmos com os filmes atuais, uma vez que não mais existem filmes ‘5 estrelas’.

Corroborando o que afirmamos, no 56o Festival de Cannes, realizado em 25 de maio de 2003, os jurados tiveram muitas dificuldades para eleger o ‘melhor’ filme. O ganhador da Palma de Ouro foi Elefante, do diretor norte-americano Gus Van Sant (1953-), que fora visto sem muito entusiasmo na primeira exibição para a imprensa.

Segundo Jaime Biaggio, em excelente artigo no jornal O Globo, “críticas positivas ou, ao menos, positivamente intrigadas que surgiram em jornais do mundo todo nos dias seguintes fizeram Elefante chegar com maior cartaz à reta final de um festival farto em (e de) filmes fracos”.

Conforme dissemos no início deste capítulo, “os festivais de cinema atuais limitam-se a premiar os melhores ‘quatro estrelas’ do ano”. Pelo visto, até estes começam a rarear e, à falta de coisa melhor, os jurados de festivais talvez tenham de decidir, em breve, pelo “menos pior”. Nesta conjuntura, torna-se cada vez mais difícil a missão de um analista de cinema que se propõe a indicar aos seus leitores as melhores produções. Assim, procuramos, dentro do possível, selecionar filmes que tenham algum atrativo e fujam um pouco da mesmice reinante. Com relação à década de 1990, ainda conseguimos reunir uma boa quantidade de obras que podem constituir um bom entretenimento, com destaque para as oito produções citadas anteriormente.

Prosseguindo com nossa lista, temos:

–O silêncio dos inocentes (EUA, 1991), de Jonathan Demme: um suspense de primeira, com atuação excepcional de Anthony Hopkins, como o psicótico inteligente “Hannibal the Cannibal” Lecter, e de Jodie Foster, como a agente do FBI que vai entrevistá-lo. A produção levou os cinco principais Oscar: filme, direção, roteiro, ator e atriz;

–Tudo sobre minha mãe (ESP, 1999), de Pedro Almodóvar: dentro do espírito do “almodrama”, o diretor misturou boa quantidade de humor negro num drama que aborda uma história bem bizarra, e conquistou o prêmio de melhor direção no Festival de Cannes. Filme ganhou, ainda, o Globo de Ouro e o Oscar de melhor filme estrangeiro;

–Pulp fiction – Tempo de violência (EUA, 1994), de Quentin Tarantino: certamente, um dos mais importantes filmes norte-americanos de 1994, mas não indicado para todos os gostos. Prolixo, violento e agitado, é uma audaciosa história de gângsteres. Palma de Ouro em Cannes e Oscar de roteiro original;

–O piano (NZE/FRA, 1993), de Jane Campion: com seu peculiar estilo sutil, a premiada diretora neozelandesa nos mostra uma delicada fábula de amor e sexo, passada no final do século XIX. Filme ganhou o César (o Oscar francês) de melhor filme estrangeiro e o Oscar de roteiro original, entre outros prêmios. Se você gostar do estilo, veja também outro bom filme de Campion:

–Um anjo na minha mesa (NZE, 1990), baseado na autobiografia de uma das principais figuras literárias da Nova Zelândia, a escritora Janet Frame (1924-). O filme teve premiação em vários festivais e oito prêmios no Festival de Veneza, entre eles o do Especial do Júri;

–Beleza americana (EUA, 1999), de Sam Mendes: em 1999, os estúdios da Dream Works, de Steven Spielberg, conseguiram levar a melhor sobre sua rival, a Miramax, que em 1998 levou o Oscar, com Shakespeare apaixonado, deixando para trás o ótimo filme O resgate do soldado Ryan, tido como favorito. Spielberg apresentou o roteiro de Beleza americana – que considerava “perfeito” –  a Mendes, diretor de teatro britânico, que aceitou dirigir esta atrevida tragicomédia, fazendo sua estreia como diretor de cinema. O título do filme, segundo Mendes, é uma alusão a uma rosa sem espinhos nem perfume, cultivada nos EUA, conhecida como “american beauty”. “Não há sentido na sua beleza, que se revela inútil e vulgar”, diz ele. O filme critica o “sonho americano”, mostrando, numa visão amarga e implacável, os conflitos, sonhos e desejos de uma família de classe média moradora nos ricos subúrbios americanos. Ganhou cinco Oscar: filme, diretor, ator (Kevin Spacey), roteiro original (Alan Ball) e fotografia;

–O resgate do soldado Ryan (EUA, 1998), de Steven Spielberg: com uma antológica sequência inicial de quase trinta minutos (uma das mais realistas feitas no cinema), Spielberg retrata os horrores da batalha do Dia D (o desembarque das tropas aliadas na Normandia, em 6 de junho de 1944) e o drama de um capitão (Tom Hanks) e seu grupo de soldados, encarregados de localizar um colega de farda em território francês. Filme levou os Oscar de: edição, direção, fotografia, som e efeitos sonoros;

–Filhos da guerra (ALE/FRA, 1991), da diretora polonesa Agnieszka Holland: jovem, consagrado como herói alemão, vive o drama de esconder sua origem judia. Filme ganhou o Globo de Ouro de melhor filme estrangeiro, mas foi impedido, pelo governo alemão, de concorrer ao Oscar;

–O paciente inglês (EUA, 1996), de Anthony Minguella: versão livre do romance de 1992 do escritor cingalês Michael Ondaatje (1944-), sobre um homem com sérias queimaduras e desmemoriado que sofreu um desastre de avião no deserto africano, durante a II Guerra Mundial, e é tratado por enfermeira canadense (Juliette Binoche), num mosteiro abandonado da Toscana, na Itália. Sua memória volta aos poucos e ele relembra as aventuras passadas no deserto, incluindo um romance adúltero. Ganhou nove Oscar: filme, diretor, fotografia, atriz coadjuvante (Binoche), som, direção de arte, figurinos, música e montagem.

O cinema brasileiro, dentro de suas limitações materiais e financeiras, também conseguiu produzir bons filmes nos anos 1990: Sábado (1995), de Ugo Giorgetti; Carlota Joaquina, princesa do Brasil (1995), de Carla Camuratti; Quem matou Pixote? (1996), de José Joffily; Como nascem os anjos (1996), de Murilo Salles; Amor & Cia (1998), de Helvécio Ratton; Um copo de cólera (1998), de Aluisio Abranches; Castelo Rá-Tim-Bum (1999), de Cao Hamburger; Hans Staden (1999), de Luiz Alberto Pereira.

Bem, já demos uma ideia sobre alguns filmes da década de 1990, que, a nosso ver, mereciam destaque. Como a quantidade de filmes considerados “4 estrelas” é muito grande, levaríamos muito tempo para falar de suas qualidades, o que poderia ocupar muito espaço neste livro. Optamos, então, por relacionar os que julgamos mais capacitados a proporcionar uma boa diversão, mencionando, para uma melhor decisão por parte do leitor, os respectivos diretores e prêmios conquistados. Cremos, assim, dar uma ideia panorâmica da cinematografia da época, com seus variados tipos de filme. A relação serve de base para estudiosos do cinema e cinéfilos de bom gosto. Deste modo, temos (em ordem alfabética):

–A eternidade e um dia (GRE/FRA/ITA, 1998), de Theo Angelopoulos: Palma de Ouro em Cannes;

–A flor do meu segredo (ESP, 1995), de Pedro Almodóvar;

–A história de Qiu-Ju (CHI, 1992), de Zhang Yimou: Leão de Ouro em Veneza;

–A língua das mariposas (ESP, 1999), de José Luis Cuerda: prêmio Goya de roteiro adaptado;

–A rainha Margot (FRA/ALE/ITA, 1994), de Patrice Chéreau: prêmio de melhor atriz em Cannes;

–Aimée & Jaguar (ALE, 1999), de Max Färberböck: Urso de Prata para as protagonistas;

–Além das nuvens (FRA/ITA, 1995), de Michellangelo Antonioni;

–Almas gêmeas (NZE, 1994), de Peter Jackson: Leão de Prata em Veneza;

–Assim é que se ria (ITA, 1998), de Gianni Amélio: Leão de Ouro em Veneza;

–Através das oliveiras (IRA/FRA, 1994), de Abbas Kiarostami;

–Babe, o porquinho atrapalhado (AUS, 1995), de Chris Noonan.

–Caráter (HOL, 1997), de Mike Van Diem: Oscar de melhor filme estrangeiro;

–Carne trêmula (ESP, 1998), de Pedro Almodóvar;

–Cyrano (FRA, 1990), de Jean Paul Rappeneau: prêmio de melhor ator, em Cannes, e indicação ao     Oscar de melhor filme estrangeiro;

–Delicatessen (FRA, 1990), de Jean-Pierre Jeunet: César de melhor filme estreante;

–Desconstruindo Harry (EUA, 1997), de Woody Allen;

–Despedida em Las Vegas (EUA, 1995), de Mike Figgis: Oscar de ator;

–Deuses e monstros (EUA, 1998), de Bill Condon: Oscar de roteiro adaptado;

–Drácula de Bram Stoker (EUA, 1992), de Francis Ford Coppola: três Oscar: figurino, maquiagem e edição de efeitos sonoros;

–Em busca do paraíso (ITA, 1996), de Mario Monicelli;

–Em nome do pai (IRL/ING/EUA, 1993), de Jim Sheridan: Urso de Ouro;

–Entre o inferno e o profundo mar azul (BEL/FRA/ING, 1995), de Marion Hänsel: menção em Cannes;

–Europa (DIN/FRA/ALE/SUE, 1990), de Lars von Trier: prêmio do júri e de melhor contribuição artística no Festival de Cannes;

–Fargo (EUA, 1996), de Ethan Coen: Palma de Ouro de direção e Oscar de roteiro e atriz;

–Felicidade (EUA, 1998), de Todd Solondz;

–Festa de família (DIN, 1998), de Thomas Vinterberg: grande prêmio do júri em Cannes;

–Fogo contra fogo (EUA, 1995), de Michael Mann;

–Hamlet de William Shakespeare (EUA, 1997), de Kenneth Branagh;

–Jurassic Park – Parque dos dinossauros (EUA, 1993), de Steven Spielberg;

–Lanternas vermelhas (CHI/HON/TAW, 1991), de Zhang Yimou: Leão de Prata de direção;

–Los Angeles – Cidade proibida (EUA, 1997), de Curtis Hanson: Oscar de roteiro adaptado e de atriz coadjuvante;

–Loucos pela fama (ING/IRL, 1991), de Alan Parker;

–Mediterrâneo (ITA, 1991), de Gabriele Salvatores: Oscar de melhor filme estrangeiro e David de Donatello;

–Melhor é impossível (EUA, 1997), de James L. Brooks: Oscar de ator e atriz e três Globos de Ouro;

–Minha vida em cor-de-rosa (BEL/FRA, 1997), de Alain Berliner: Globo de Ouro;

–Montanhas da Lua (EUA, 1990), de Bob Rafelson;

–Na linha de fogo (EUA, 1993), de Wolfgang Petersen;

–Nenhum a menos (CHI, 1998), de Zhang Yimou: Leão de Ouro em Veneza e favorito da crítica em São Paulo;

–Noites Calmas (EUA, 1992), de Keith Gordon;

–O assédio (ITA, 1998), de Bernardo Bertolucci;

–O caminho para casa (CHI, 1999), de Zhang Yimou: Urso de Prata no Festival de Berlim;

–O destino (EGI/FRA, 1997), de Youssef Chahine;

–O jarro (IRA, 1992), de Ebrahim Foruzesh: Leopardo de Ouro, e prêmio do júri em São Paulo;

–O povo contra Larry Flint (EUA, 1996), de Milos Forman: Urso de Ouro e Globo de Ouro;

–O sexto sentido (EUA, 1999), de M. Night Shyamalan;

–O último dos moicanos (EUA, 1992), de Michael Mann: Oscar de som;

–Ondas do destino (DIN, 1996), de Lars von Trier: grande prêmio do júri em Cannes e Félix de diretor e atriz;

–Os bons companheiros (EUA, 1990), de Martin Scorsese: Oscar de ator coadjuvante;

–Os idiotas (DIN, 1998), de Lars von Trier;

–Os miseráveis (FRA, 1995), de Claude Lelouch: Globo de Ouro;

–Razão e sensibilidade (EUA/ING, 1995), de Ang Lee: Urso de Ouro e Globo de Ouro;

–Segredos e mentiras (ING, 1996), de Mike leigh: Palma de Ouro em Cannes;

–Shine – Brilhante (AUS/ING, 1996), de Scott Hicks: Oscar de ator;

–Tempos de viver (CHI, 1993), de Zhang Yimou: filme vetado na China;

–Todas as coisas são belas (SUE, 1995), de Bo Winderberg: Urso de Prata e indicação ao Oscar;

–Todas as manhãs do mundo (FRA, 1991), de Alain Corneau: ganhador de sete César (o Oscar francês);

–Traídos pelo desejo (IRL, 1992), de Neil Jordan: Oscar de roteiro;

–Três é demais (EUA, 1998), de Wes Anderson;

–Underground (ALE/FRA/HUN, 1995), de Emir Kusturica: Palma de Ouro em Cannes;

–Velocidade máxima (EUA, 1994), de Jan De Bont: Oscar de som e efeitos sonoros;

–Vestígios do dia (EUA/ING, 1993), de James Ivory;

–Documentários:

–Arquitetura da destruição (ALE, 1994), de Peter Cohen;

–Salve o cinema (IRA, 1995), de Mohsen Makhmalbaf.

–Desenho:

–A bela e a fera (EUA, 1991), de Gari Trousdale: primeiro desenho animado a ganhar o Oscar.

GRANDES CINEASTAS BRASILEIROS

Após darmos uma visão mundial  da produção e da história do cinema em diversos países, abordaremos, agora , alguns aspectos do cinema no Brasil, começando com uma rápida visão de seus principais cineastas.

Com recursos financeiros limitados, mas muita imaginação, talento, criatividade e, sobretudo, idealismo, cineastas brasileiros marcaram presença na cinematografia mundial, conseguindo importantes prêmios.

O início das filmagens em nosso país, segundo a maioria dos pesquisadores, deu-se em 19 de junho de 1898, quando AFONSO SEGRETO, chegando ao Rio de navio, rodou Fortalezas e navios de guerra na Baía de Guanabara.

Segreto faria, ainda, cerca de sessenta filmes entre 1898 e 1901.

Outros pioneiros, como MÁRIO PEIXOTO (1910-1991), que foi produtor, roteirista, diretor, argumentista e montador do seu famoso filme Limite (1929) e HUMBERTO MAURO (1897-1983), que deflagrou o “Ciclo de Cataguases” – um dos maiores movimentos do cinema mudo – e dirigiu o clássico Ganga bruta (1933), seu primeiro filme sonoro, ajudaram a construir a história do cinema brasileiro.

Seguiram-se-lhes cineastas de porte como:

– ALBERTO CAVALCANTI (1897-1982) – Figura importante na revitalização e desenvolvimento da técnica de filmagem no Brasil;

–NELSON PEREIRA DOS SANTOS (1928-) – Diretor, produtor e roteirista, com vários sucessos, entre eles: Rio 40 graus (1955); Vidas Secas (1963), um dos melhores filmes brasileiros de todos os tempos; o premiadíssimo Amuleto de Ogum (1974); Tenda dos Milagres (1976); Memórias do cárcere (1984), considerado uma lição de cinema e A terceira margem do rio (1994);

–JOAQUIM PEDRO DE ANDRADE (1932-1989) – Com ênfase na cultura brasileira, dirigiu Macunaíma (1969), Garrincha, alegria do povo (1963), O padre e a moça (1966), Os inconfidentes (1972) e O homem do pau-brasil, melhor filme do festival de Brasília (1981);

–CARLOS (CACÁ) DIEGUES (1940-) – Um dos mais ativos realizadores do Cinema Novo, priorizou a cultura negra com Ganga Zumba (1964), Xica da Silva (1976)  e Quilombo (1984); dirigiu, ainda, Bye, bye, Brasil (1979) e o premiado Veja esta canção (1994);

–LEON HIRZSMAN (1937-1987) – Entre os teóricos do Cinema Novo, tem filmes dedicados ao drama urbano; dirigiu A falecida (1964), São Bernardo (1972), Que país é esse (1977) e o premiado Eles não usam black-tie (1981);

–GLAUBER ROCHA (1939-1981) – Líder do Cinema Novo, abordou temas sociais em filmes reconhecidos internacionalmente, como: Deus e o Diabo na Terra do Sol (1963), Terra em transe (1967), O dragão da maldade contra o santo guerreiro (1969)  e outros; seu último longa-metragem foi A idade da Terra (1980);

–CARLOS MANGA (1928-) – Grande diretor nos tempos da Chanchada (anos 1950) e grande incentivador de Oscarito (16 filmes), com destaque para Nem Sansão nem Dalila (1953), Matar ou correr (1954) e O homem do Sputnik (1959); levou sua experiência para a TV onde, a partir dos anos 1960, vem realizando ótimos trabalhos. Em 1975 fez uma antologia de trechos de filmes em Assim era a Atlântida, obra de importante valor histórico;

–ARNALDO JABOR (1940) – Outro dos participantes do Cinema Novo, diretor de longas a partir de 1970, com Pindorama; é o roteirista e diretor do premiado Toda nudez será castigada (1972), uma das melhores abordagens da obra de Nelson Rodrigues no cinema. Dirigiu, ainda, Tudo bem (1977), Eu te amo (1980) e Eu sei que vou te amar (1985);

–ANSELMO DUARTE (1920-) – Ator e cineasta, ganhou a Palma de Ouro em Cannes com O pagador de promessas (1962). Dirigiu, também, Vereda da salvação (1965), Quelé do Pajeú (1970), Um certo capitão Rodrigo (1971) e O crime do Zé Bigorna (1977);

–ROBERTO FARIAS (1932-) – Realizador do clássico Assalto ao trem pagador e do político Pra frente, Brasil;

–ROBERTO SANTOS (1928-1987) – Dirigiu A hora e a vez de Augusto Matraga (1965);

–TIZUCA YAMASAKI (1949-) – De assistente de Nelson Pereira dos Santos (em O amuleto de Ogum e em Tenda dos Milagres) e de Glauber  Rocha (em A idade da Terra) a produtora, escreveu e dirigiu Gaijin, caminhos da liberdade (1980), seu melhor filme, premiado em Havana;

–CARLA CAMURATI (1960-) – Excelente atriz e uma grata surpresa como diretora em Carlota Joaquina, Princesa do Brazil (1995);

–WALTER SALLES (1957-) – Após fazer A grande arte (1991) e Terra estrangeira (1995), é o grande premiado do novo cinema brasileiro com Central do Brasil (1998), que ganhou o Globo de Ouro 1999, o Urso de Ouro 1998 e foi indicado para o Oscar, além de inúmeros outros prêmios.

Estes são alguns dos cineastas que deram sua contribuição decisiva para a evolução e o reconhecimento do cinema brasileiro. Inúmeros novos talentos continuam surgindo.

FILMES BRASILEIROS PREMIADOS

Com o ressurgimento do cinema brasileiro, de novo marcando presença no mundo a partir de 1998, inclusive penetrando no fechadíssimo circuito dos EUA, o otimismo voltou a reinar entre seus apreciadores.

Prêmios internacionais e indicações para o Oscar começaram a aparecer, ressaltando a qualidade das produções.

Entretanto, nem todos sabem que a cinematografia tupiniquim já  era detentora de grandes prêmios em festivais consagrados em diversos países, o que precisa ser lembrado e exaltado.

Os premiados foram:

–O cangaceiro - Melhor filme de aventura, Cannes 1953;

–Orfeu negro/Orfeu do Carnaval (produção franco-brasileira) - Oscar de melhor filme estrangeiro e Palma de Ouro em Cannes 1959;

–O pagador de promessas - Palma de ouro em Cannes 1962 e finalista ao Oscar de melhor filme estrangeiro;

–Assalto ao trem pagador - Caravela de Prata e de Valores Humanos, Lisboa 1962;

–Os fuzis - Urso de prata, Berlim 1964;

–Vidas secas - Prêmio do Office Catholique, Cannes 1964;

–Terra em transe - Prêmio Luiz Buñuel, Cannes 1967;

–O dragão da maldade contra o santo guerreiro - Melhor direção, Cannes 1969;

–Macunaíma - Condor de Ouro, Mar del Plata 1970;

–Em família - Segundo prêmio, Moscou 1971;

–Toda nudez será castigada - Urso de Prata, Berlim 1973 e melhor filme, Gramado 1973;

–O amuleto de Ogum - Melhor filme e direção, Air France 1974 e Gramado 1975;

–O homem que virou suco - Medalha  de Ouro, Moscou 1980;

–Pixote - a lei do mais fraco - Melhor filme e atriz,  na Associação Críticos EUA, 1980;

–Eles não usam black-tie - Leão de Ouro, Veneza 1981;

–Memórias do cárcere - Melhor filme, Havana  1984 e da crítica, Cannes 1984;

–Veja esta canção - Festival Internacional de Biarritz, França, 1994;

–Um céu de estrelas - Melhor direção e roteiro, Brasília 1996, prêmio do júri, Biarritz 1996 e melhor filme no Festival Latino-Americano, Boston 1997;

–Central do Brasil - Urso de Ouro, Berlim 1998,  Globo de Ouro 1999 e mais 26 prêmios, além da indicação ao Oscar de melhor filme estrangeiro;

–O quatrilho - Indicação Oscar de melhor filme estrangeiro, 1996;

–O que é isso, companheiro? – Indicado ao Oscar de melhor filme estrangeiro, 1998.

Mereceram outros prêmios internacionais diversos:

–Sargento Getúlio - Havana e Locarno (Além de melhor filme em Gramado 1983);

–Meow (desenho animado) - Prêmio especial do júri, Cannes 1982;

–Gaijin - Havana;

–Bar Esperança - Cádiz;

–Parahyba mulher macho - Cartagena;

–Inocência - Havana;

–Di (curta de Glauber Rocha) - Prêmio especial do júri, Cannes 77;

–O corpo - Cartagena.

Nos festivais realizados no Brasil destacaram-se os seguintes:

–Xica da Silva - Melhor filme, Brasília 1976;

–Lúcio Flávio, o passageiro da agonia - Bandeira Paulista da Mostra Internacional de São Paulo, 1977;

–Doramundo - Melhor filme, diretor e cenografia, Gramado 1978:

–Cabaret mineiro - Melhor filme e mais seis prêmios, Gramado 1981;

–Pra frente, Brasil - Melhor filme, Gramado 1982;

–Cabra marcado para morrer - Vencedor do primeiro Fest Rio, 1984;

–A marvada carne - Melhor filme, Gramado 1985;

–O homem da capa preta - Melhor filme, Gramado 1986;

–Anjos da noite - Melhor filme em Gramado e Brasília, 1987;

–A dama do cine Shangai - Melhor filme e mais seis prêmios, Gramado 1988;

–Terra estrangeira - Melhor produção nacional, Crítica de SP, 1995;

–Dezesseis zero sessenta - Melhor produção, Mostra Internacional de Cinema São Paulo, 1995;

–Quem matou Pixote? - Melhor filme e mais seis prêmios, Gramado 1996;

–Baile perfumado - Melhor filme, direção de arte e ator coadjuvante, Brasília 1996;

–Louco por cinema - Melhor filme e mais cinco prêmios, Brasília 1994;

–Os matadores - Melhor direção, montagem e fotografia, Gramado 1997.

Não temos atores premiados. Foram eleitas como melhor atriz:

–Marília Pêra (em 1981, pela Associação de Críticos de Nova York, em Pixote);

–Marcélia Cartaxo (Berlim, 1985, em A hora da estrela);

–Fernanda Torres (Cannes, 1986, em Eu sei que vou te amar);

–Ana Beatriz Nogueira (Berlim, 1986, em Vera);

–Fernanda Montenegro (Berlim 1998, Fort Lauderdale, National Board of Review-EUA, FIC-Havana, Associação dos Críticos de Los Angeles, Associação Paulista de Críticos de Arte, em Central do Brasil).

O PERÍODO DA CHANCHADA

Se você fosse convidado a assistir a  um filme protagonizado por Oscar Lorenzo Jacinto de la Imaculada Concepción Teresa Dias e por Sebastião Bernardes de Souza Prata, acharia estranho? Pois eu lhe asseguro que você iria se divertir muito. Eles são nada mais nada menos do que Oscarito e Grande Othelo, os dois maiores astros de um período fértil da cinematografia brasileira e ao qual não poderíamos deixar de nos referir: a época da chanchada.

Considerada a mais genuína comédia popular carioca, a chanchada, calcada em paródias humorísticas e musicais, de caráter ingênuo e descomplicado, transmitia alegria, verdade, descontração e combinava com o espírito irreverente, alegre e gozador de nosso povo, tornando-se grande sucesso de público. Era a comédia brasileira, a consagração do deboche.

O nome chanchada foi dado por críticos de cinema, inicialmente, aos musicais carnavalescos da Atlântida, que julgavam sem valor artístico e vulgares e, posteriormente, a todo filme brasileiro, musical ou não, que tivesse os elementos básicos da comédia popular. Intelectuais (?) da época sequer queriam saber o que a Atlântida produzia. Por tudo isso, houve um jornalista que escreveu na ocasião: ”Ninguém gosta das chanchadas da Atlântida, a não ser o público”.

Produções rápidas, de orçamento limitado, geravam grande expectativa por parte do público das décadas de 1940 e 1950, anos que antecederam a televisão.

Enormes filas se formavam à porta dos cinemas com fãs ávidos por verem seus ídolos: Oscarito, Grande Othelo, Catalano, Cyll Farney, Eliana Macedo, Zezé Macedo, Zé Trindade, Adelaide Chiozzo, Sônia Mamede, Renata Fronzi, Anselmo Duarte, Fada Santoro, Norma Bengell, Ivon Cury e os eternos vilões José Lewgoy, Renato Restier, Wilson Grey, Wilson Viana e outros, competentemente dirigidos pelo “professor” Watson Macedo, por Carlos Manga, José Carlos Burle etc.

Foi uma época de ouro do cinema nacional, hoje reconhecida. Infelizmente, um incêndio e duas enchentes destruíram grande parte do acervo da Atlântida: dos 63 filmes produzidos, de 1941 a 1962, restaram  apenas 33 (27 chanchadas e seis dramas).

As 27 chanchadas serviram de base para o filme-antologia Assim era a Atlântida, de 1975, roteirizado por Carlos Manga e Sílvio de Abreu, com trechos dos grandes sucessos da empresa, tais como:-

–O homem do sputinik (1959), um clássico da chanchada, parodiando a guerra fria entre americanos e russos, em trama alegre e agitada;

–De vento em popa (1957), eleito o melhor filme do ano pela crítica, tem roteiro movimentado e direção segura de Carlos Manga;

–Matar ou correr (1954), excelente sátira ao filme Matar ou morrer, de Fred Zinnemann: Kid Bolha e Ciscocada contra o temível “Jesse Gordon”: o Oeste americano filmado em Jacarepaguá - Imperdível!;

–Nem Sansão nem Dalila (1954), primeira superprodução da Atlântida; barbeiro é transportado por máquina do tempo de professor maluco ao ano de 1153 a.C.; grande atuação de Oscarito satirizando Sansão;

–Aviso aos navegantes (1950), movimentada comédia musical. Destaque para o arranjo de Jealousie, com Bené Nunes ao piano e linda coreografia, à altura dos melhores musicais hollywoodianos;

–Carnaval Atlântida (1952), ótima paródia, com o diretor “Cecílio B. de Milho” querendo realizar um épico sobre Helena de Troia; Oscarito é o professor de história Xenofantes que se transforma em Helena de Troia; daí...;

–Carnaval no fogo (1949), filme que praticamente determina os parâmetros da chanchada; em cena antológica, Oscarito (como Romeu) declara-se a Grande Othelo (Julieta);

–Tristezas não pagam dívidas (1944), foi o primeiro longa-metragem carnavalesco da Atlântida;

–Este mundo é um pandeiro (1946), filme onde Emilinha Borba canta Escandalosa o que atraiu aos cinemas grande número de fãs; primeira direção de Watson Macedo;

–Garotas e samba (1957), Sônia Mamede e Berta Loran brilham nas cenas de humor;

–Colégio de brotos (1956), um dos maiores recordes de bilheteria da época.

Muitos outros filmes poderiam ser citados. Alguns se perderam, outros estão sendo restaurados.

CINEMA ARRETADO – O CICLO DO CANGAÇO

Desde 1925, iniciou-se uma filmografia que iria mostrar alguns aspectos da realidade histórica e geopolítica do Nordeste, retratando o cangaço, “fenômeno de rebeldia místico-anárquica surgida do sistema latifundiário nordestino, agravado pelas secas”, conforme situa Glauber Rocha, in: “Revisão crítica do cinema brasileiro”. De fato, o ciclo do cangaço, denominado pelo escritor britânico Eric Hobsbawm como “banditismo social”, surgiu numa região pobre, de clima semiárido, com longos períodos de seca, culturalmente isolada e colonizada de modo violento pelos chamados “coronéis” – apadrinhados políticos, “donos de gado e de gente” – que representavam o poder e a lei e dispunham, para sua defesa ou ações criminosas, de pistoleiros ditos cangaceiros mansos (“cabras” ou capangas) e de mercenários para ações especiais, os “jagunços”. Surgiu, na época, o “voto de cabresto”: o eleitor era levado como um quadrúpede aos “currais eleitorais”, para votar nos candidatos do senhor das terras. Neste contexto, com a concentração de terras e o poder nas mãos de poucos, a seca implacável e a miséria profunda, com mínimas condições de sobrevivência, era natural que os sem-terra, sem-direitos e sem-bens se revoltassem contra o sistema social vigente, em busca de justiça. Muitos optaram pelo caminho da violência, formando bandos itinerantes, invadindo e saqueando povoados, buscando uma vida melhor.

Assim, a injustiça social, as atrocidades, a fome e as catástrofes naturais inserem-se nas causas que originaram o cangaço, que teve seu apogeu no primeiro quarteirão do século XX, estendendo-se pelos sertões da Paraíba, Pernambuco, Alagoas, Sergipe, Ceará, Rio Grande do Norte e Bahia. Para combater os cangaceiros, surgiram as “volantes”, unidades móveis da polícia com capangas e “cabras” conhecedores da região. Chamados de “macacos” pelos cangaceiros, eram quase tão brutais quanto eles, inspirando medo à população, que não sabia de que lado ficar. Era o caso de “Se correr, o bicho pega; se ficar, o bicho come”. Cangaceiros subornavam alguns chefes de volantes para não combatê-los e até praticavam boas ações isoladas, visando angariar a simpatia da população (de modo semelhante ao que traficantes fazem nos dias de hoje). Místico, religioso e temente a Deus, selvagem, duro e com sede de justiça, o cangaceiro era produto do atraso econômico (cuja gênese vamos encontrar na divisão do Brasil em capitanias hereditárias e a posterior concessão das sesmarias, que originaram os latifúndios semifeudais, após sucessivas gerações dos beneficiados); será herói ou bandido, conforme suas origens ou suas ações. Entre os mais conhecidos figuram: O Cabeleira (objeto de romance de 1876, de Franklin Távora), Lucas da Feira, João Calangro, Inocêncio Vermelho, Jesuíno Brilhante, Antônio Silvino, Silvino Aires, Sinhô Pereira, Lampião e Corisco. O ciclo do cangaço, de 1870 a 1940, serviu de inspiração para mais de quarenta filmes. O primeiro foi Filho sem mãe, de Tancredo Seabra, em 1925. Em 1927, tivemos Sangue de irmão, de Jota Soares. O longa Lampião, fera do Nordeste, que retratava o “capitão” (título recebido do padre Cícero, na época da Coluna Prestes) como um assassino louco e cruel, rodou em 1930, na Bahia. Em 1936, visando ganhar dinheiro, o mascate libanês Benjamin Abrahão, com uma carta de recomendação do padre Cícero, embrenha-se na caatinga e consegue aproximar-se de Lampião e seu bando, realizando, além de 82 retratos, o filme documental Lampião, o rei do cangaço, únicos arquivos históricos que existem sobre o cotidiano dos cangaceiros; o primeiro filme que os utilizou foi o média-metragem Memória do cangaço (1965), de Paulo Gil Soares, que, segundo Alberto Silva (in: Cinema e Humanidade), “...passou a ser um dos mais importantes documentos de estudo do fenômeno”. Em 1950, há outro filme com o nome Lampião, o rei do cangaço, direção de Fouad Anderaos. 1953 é o ano de O cangaceiro, de Lima Barreto, primeiro filme brasileiro de sucesso internacional, premiado em Cannes como melhor filme de aventuras, inaugurando o que muitos denominam de “nordestern”, o western caboclo. O filme foi bastante criticado por Glauber Rocha (in: Revisão crítica...): “Uma estória do tempo que havia cangaceiros, uma fábula romântica de exaltação à terra”. De  1953 a 1959, tivemos apenas uma chanchada: O primo do cangaceiro (1955), de Mário Brasini. A década de 1960 foi rica na produção de filmes sobre a realidade nordestina. Foram feitos bons filmes de cangaço, dentro das naturais limitações de nossa indústria. Carlos Coimbra realizou: A morte comanda o cangaço (1960); Lampião, o rei do cangaço (1962); Cangaceiros de Lampião (1960); e Corisco, o Diabo Loiro (1969). De Aurélio Teixeira, tivemos: Três cabras de Lampião (1962) e Entre o amor e o cangaço (1965). Exaltando a mulher no cangaço, Miguel Borges fez, em 1968, Maria Bonita, rainha do cangaço. Em 1969, surgiram: Deu a louca no cangaço, de Nelson Teixeira Mendes; Meu nome é Lampião, de Mozael Silveira; O cangaceiro, de Giovanni Fago. Tivemos, outrossim, na década, o chamado “Cangaço da Boca-do-Lixo”, um subciclo inaugurado por Oswaldo de Oliveira, em 1969, com O cangaceiro sanguinário e Cangaceiros sem Deus, filmes em que prevalece a imaginação do autor. Ainda nos anos 1960, Glauber Rocha resolve fazer um neocangaço, enfatizando os dramas sociais e os conflitos, com Deus e o diabo na terra do sol (1964), fusão de drama existencial e alegoria política, analisando dados históricos sobre o messianismo e o cangaço. Dentro do mesmo espírito de crítica social, roda, em 1969, O dragão da maldade contra o santo guerreiro, onde mistura macumba, ópera, cordel e faroeste. Na década de 1970, só um filme: O último cangaceiro (1970), de Carlos Mergulhão. Nos anos 1980, idem: Lampião e Maria Bonita (1982), de Paulo Afonso Grisolli. Dentro da chamada Retomada, nos anos 1990, os filmes de cangaço ganham nova roupagem com Baile Perfumado (1996), de Paulo Caldas e Lírio Ferreira, que utiliza as imagens de Benjamin Abrahão, presentes em Memória do cangaço (1965); Corisco e Dadá (1996), de Rosemberg Cariry; e O cangaceiro (1997), de Aníbal Massaini Neto, refilmagem, com mais violência e erotismo, do filme homônimo de 1953, de Lima Barreto.

Fora dos filmes de cangaço, observa-se, de um modo geral, o retorno do Nordeste como cenário e/ou inspiração de filmes benfeitos: Central do Brasil (1998), de Walter Salles; Eu, tu, eles (2000), de Andrucha Waddington; O auto da Compadecida (2000), de Guel Arraes; Guerra de Canudos (1996), de Sérgio Rezende; Lisbela e o prisioneiro (2003), de Guel Arraes; Amarelo Manga (2002), de Cláudio Assis; O caminho das nuvens (2003), de Vicente Amorim.

O CINEMA NOVO - BRASIL

Refletindo uma linguagem voltada para a problemática social, surge, no Brasil, no fim dos anos 1950, estendendo-se pela década de 1960, uma importante e genuína expressão cultural, de dimensões internacionais: o Cinema Novo.

Um cinema independente, renovador, contestatório e que procurava retratar a realidade do homem brasileiro, numa época de efervescência cultural e política.

Participando da resistência ao golpe militar de 1964, enfrentou sérias dificuldades para sobreviver com os cortes incessantes da censura e a constante proibição a temáticas diversas, aliadas ao capital insuficiente e à falta de mercado interno para exibição.

Apesar disso, algumas produções tiveram repercussão mundial, auferindo dezenas de prêmios em festivais consagrados, propiciando a afirmação cultural do cinema brasileiro, que passou a ser tido como um dos expoentes da criação do cinema moderno.

Aí, no final dos anos 1960, veio aquele “Aí” (o AI 5); mais censura, autocensura, exílio... A “linha dura”... Repressão aos movimentos artístico-culturais... O que surgiu, então? A pornochanchada... Mas isto é outra história...

Tiveram participação importante no Cinema Novo:

–HUMBERTO MAURO (1897-1983) – Sua obra-prima Ganga Bruta (1932/1933), crítica audaciosa da desigualdade social, é considerada a semente de uma tradição cultural e estética que iria exercer importante influência nos jovens cineastas brasileiros;

–ALEX VIANY (1918-1992) – Defensor de um cinema nacionalista e politicamente engajado. Seus dois primeiros filmes, Agulha no palheiro (1953) e Rua sem Sol (1954), influenciaram grandemente a geração do Cinema Novo;

–NELSON PEREIRA DOS SANTOS (1928) – A raiz neorrealista de seu primeiro longa, Rio 40 graus (1955), marcou todo o movimento de renovação do cinema brasileiro; Outros filmes de destaque, são:

–Rio Zona Norte (1957) seguiria a mesma linha, relatando, pela primeira vez, a vida nos morros cariocas;

–Vidas Secas (1963), adaptação fiel – quase um documentário – do romance de Graciliano Ramos sobre os nordestinos vítimas da seca, mostra as contradições do subdesenvolvimento do país e foi incluído entre os 100 melhores filmes do século XX;

–Memórias do cárcere (1984), a saga do escritor Graciliano Ramos nas prisões do Estado Novo;

–Azyllo muito louco (1970), adaptação do conto O alienista, de Machado de Assis, denuncia as responsabilidades da classe dirigente.

Fez, ainda, outros filmes importantes, entre os quais o premiadíssimo Amuleto de Ogum (1974).

Sua obra é um painel sensível das múltiplas realidades de uma nação;

–GLÁUBER ROCHA (1939-1981) – Dono de uma personalidade complexa, grande crítico e incentivador do Cinema Novo – de modo intenso e polêmico – foi, juntamente com Nelson Pereira dos Santos, um destaque de sua geração.

“Um cinema intuitivo e em transe... a alegoria como arma contra a ditadura... o insólito da  metáfora e da metafísica...”.

Com Barravento (1961), inicia sua filmografia polêmica e de denúncia de desigualdades.

Seu prestígio internacional veio com Deus e o diabo na terra do sol (1964), considerada, por muitos, sua melhor obra, “cheia de poesia ensanguentada”, segundo Buñuel.

Com Terra em transe (1967), mostra a convulsão social e política de uma América Latina mergulhada em golpes, guerrilhas e revoluções.

Ganhou o prêmio de melhor diretor no Festival de Cannes com O dragão da maldade contra o santo guerreiro (1969), uma mistura de misticismo, ópera, literatura de cordel, faroeste, abrangendo problemas nacionais como a miséria, o analfabetismo, o coronelismo etc.

–RUY GUERRA (1931) – Seu primeiro filme no Brasil, Os cafajestes (1962) é considerado um dos clássicos do Cinema Novo; sua obra-prima, Os fuzis (1964), feita num momento político conturbado, retrata a fome no Nordeste e a repressão pelo exército (os fuzis) ao saque de um armazém pela população faminta;

–ROBERTO SANTOS (1927-1987) – Com O grande momento (1957), sob influência do neorrealismo, estabeleceu o percurso definitivo do Cinema Novo; realizou, também, a melhor adaptação, até hoje, de uma obra de Guimarães Rosa: A hora e a vez de Augusto Matraga (1966);

–CARLOS DIEGUES (1940) – Um dos fundadores do Cinema Novo. Estreou com um episódio do filme Cinco Vezes Favela (1962); em 1964, dirigiu Ganga Zumba, com parcos recursos; seu filme A grande cidade (1966) situa-se dentro do espírito representativo do Cinema Novo; em Os herdeiros (1970), num tom tropicalista e alegórico, mostra a luta pelo poder desde a Revolução de 1930 até a chegada da televisão;

–PAULO CÉSAR SARACENI (1933) – Elogiado realizador do Cinema Novo, talvez seja o que menos atraiu público para os seus filmes; começou com o curta-metragem Arraial do Cabo (1959), premiado em vários festivais; em O desafio (1965) aborda a problemática dos setores intelectuais após o golpe militar; Capitu (1968) é a adaptação para a tela do romance de Machado de Assis;

–JOAQUIM PEDRO DE ANDRADE (1932-1989) – Com uma obra voltada para a cultura nacional, fez o curta Couro de gato, episódio famoso de Cinco vezes favela (1962); após Garrincha, alegria do povo (1963), um dos melhores filmes sobre o futebol brasileiro, suas obras tiveram sucessivos problemas com a censura (O padre e a moça, 1965;  Macunaíma, 1969; Os inconfidentes, 1971 etc.);

–LEON HIRSZMAN (1937-1987) – A cabeça política do Cinema Novo, segundo Gláuber Rocha.

Iniciou-se com o episódio Pedreira de São Diogo no filme Cinco vezes favela (1962). Os problemas sociais brasileiros estão presentes em sua obra: analfabetismo (Maioria absoluta, 1964), os pequenos burgueses do subúrbio (A falecida, 1965), a classe média (Garota de Ipanema, 1967).

Seu maior êxito, São Bernardo (1973) é uma brilhante adaptação da obra de Graciliano Ramos.

Em 1981, ganhou o Leão de Ouro de Veneza com Eles não usam black-tie;

–LUÍS SÉRGIO PERSON (1936-1976) – Fez um retrato do Brasil em São Paulo S.A. (1965), uma crítica à industrialização desordenada de São Paulo.

Segundo Luiz Carlos Merten (in: Cinema – Um zapping de Lumière a Tarantino¨), “uma radiografia dos rumos do capitalismo  no país [...] o drama existencial de São Paulo S. A. vai muito adiante de Tempos Modernos, comédia de Chaplin”.

Outro grande filme de Person é O caso dos irmãos Naves (1967), igual sucesso de público e crítica, que faz uma denúncia do autoritarismo e traça um paralelo entre a ditadura de Vargas e o regime de força instaurado em 1964;

–WALTER LIMA JR. (1938) – Começou como assistente de Gláuber em Deus e o diabo na terra do Sol. Depois de Menino de Engenho (1965), fez o alegórico e tropicalista Brasil ano 2000 (1968), Urso de Prata em Berlim.

Em 1986 dirige Chico Rei, a história do rei do Congo, escravo no Brasil que lutou e conseguiu sua liberdade, sendo o primeiro negro a ter propriedade em terras brasileiras;

–GERALDO SARNO (1938) – Em Viramundo, incluído no longa Brasil verdade (1968), conta a história de migrantes do Nordeste na grande São Paulo; com Coronel Delmiro Gouveia (1977), narra a luta de um industrial nordestino contra as multinacionais estrangeiras no princípio do século XX.

Podemos citar, ainda, no período, MAURICE CAPOVILLA (1936) que dirigiu Os subterrâneos do futebol (1965).

EROTISMO E CHANCHADA NO CINEMA BRASILEIRO

Surgida no início dos anos 1970, época de repressão política, do “milagre econômico”, do “Brasil, ame-o ou deixe-o”, do “Ninguém segura mais este país”, de obras faraônicas que enriqueceram muita gente e nos endividaram de vez, tornando-nos reféns do FMI, a pornochanchada conjugava a ingenuidade e comédia das chanchadas dos anos 1950 com erotismo apelativo e histórias picantes. Era uma saída criativa e inteligente para superar as dificuldades financeiras que o Cinema Novo enfrentava no regime militar. Um tipo de cinema não-politizado, safadinho, de baixo custo, que teve até apoio governamental, pela Embrafilme.

Embora rejeitado pela crítica e com muitas cenas cortadas pela censura, sua rentabilidade era alta, atraindo milhares de espectadores. O ciclo teve duas fases: a carioca, caracterizada por comédias com limitadas cenas de nudez e sexo, e a paulista, da chamada “Boca do lixo”, onde prevalecia a sexualidade.

Vários atores e atrizes, hoje famosos, participaram de produções eróticas, leves ou pesadas: Vera Fischer (lançada no cinema em A superfêmea, de 1973, fez, também, Delícias da vida, Essa gostosa brincadeira a dois, em 1973, e As mulheres que fazem diferente, em 1974); Xuxa Meneghel aparece em Amor, estranho amor (1982), vídeo raríssimo, proibido pela Justiça em nosso país, e em Fuscão preto (1983); Lima Duarte, Regina Casé (em rara cena de nudez total) e Antônio Fagundes estão em Os 7 gatinhos, de 1980; Nuno Leal Maia cometeu O bem-dotado – Homem de Itu (1977), Embalos alucinantes – A troca de casais (1979) e Guerra é guerra (1976); Carla Camurati faz de tudo para perder a virgindade em Os bons tempos voltaram, vamos gozar outra vez (1984); Lúcia Veríssimo mostra suas qualidades em Jeitosa (1986); Elisângela está em O enterro da cafetina (1971); Jorge Dória em Como é boa a nossa empregada (1973); Daniel Filho, Denis Carvalho, Joana Fomm e Maria Zilda são os protagonistas de Espelho de carne (1985); Adele Fátima e o saudoso Costinha estão em Histórias que nossas babás não contavam (1979), paródia picante da história de Branca de Neve e os sete anões; Antônio Fagundes aparece em Eu faço... elas sentem (1976).

Tivemos, ainda, Renata Sorrah (Lua de mel e amendoim-1971), Francisco Milani (O padre que queria pecar-1975), Cecil Thiré (Ainda agarro essa vizinha-1974), Gretchen e Rita Cadilac (Aluga-se moças (SIC), de 1982), etc. etc.

O ciclo erótico também produziu suas divas, garantia de boa bilheteria: Aldine Muller, Helena Ramos e Matilde Mastrangi, seguidas de Nídia de Paula, Sandra Bréa, Sandra Barsotti, Regininha Poltergeist, Nicole Puzzi, Claudete Joubert, Kate Lyra, Vera Fischer e outras. O galã mais assíduo era David Cardoso; em menor escala, aparecem: Carlos Mossy, Nuno Leal Maia, John Herbert, João César Araújo e... o anão Chumbinho, presente como coadjuvante ou protagonista em diversos filmes.

As tramas eram produto da fértil imaginação dos produtores, com histórias hilariantes e, por vezes, escalafobéticas, como se pode ver em Pinóquio 2000, onde um maluco almejava provocar uma epidemia monstruosa de diarreia na população, para promover sua marca de papel higiênico no comércio.

Não eram filmes categorizados e grande parte beirava a mediocridade, mas divertiam um público específico. Um dos que se destacou foi Mulher objeto (1981), com Helena Ramos e Kate Lyra.

Com o passar dos anos, foram ficando cada vez mais audaciosos, antecipando o que viria acontecer nos anos 1980: a liberação quase total da censura, com cenas de sexo mais ousadas, beirando o explícito.

Os títulos de alguns filmes extrapolaram, com nomes engraçados e pra lá de apelativos: Meu pipi no seu popó, Elas são do baralho (1977), Viagem ao céu da boca (1983), No calor do buraco (1987), Minha égua favorita (1987), Nos tempos da vaselina (1979), A pistola que elas gostam (1982), Sabendo usar não vai faltar (1976), Senta no meu que eu entro na sua (1985), Será que ela aguenta? (1976), Cada um dá o que tem (1975), Como afogar o ganso (1981), Deu veado na cabeça (1982), O estranho vício do dr. Cornélio (1975), Eu faço... elas sentem (1976), A menina e o cavalo (1983), O beijo da mulher piranha (1986) etc. Como estamos vendo, nada edificante.

Os personagens típicos da pornochanchada foram muito bem definidos por Ruy Gardnier:

-o garanhão cafajeste (como em Os paqueras, 1969, de Reginaldo Faria);

-a virgem profissional (Ainda agarro essa vizinha, A viúva virgem e Pintando o sexo);

-o velho tarado (Pintando o sexo);

-a frígida gostosa (Mulher mulher e Mulher sensual);

-a moça liberada (Os paqueras e Amadas e violentadas);

-o marido inadimplente e a esposa em erupção (Pintando o sexo);

-a titia (ou vovó) malandrona (Ainda agarro essa vizinha);

-o safado engravatado (Um uísque antes e um cigarro depois).

Curiosamente, o ciclo da pornochanchada, que começou num regime ditatorial, se encerra justamente com o fim  da censura e com a abertura política que possibilitou a chegada de filmes realmente pornográficos dos EUA, como: Atrás da porta verde (1972), O diabo na carne de miss Jones (1972), Garganta profunda (1972) etc.

Após a liberação do clássico japonês O império dos sentidos (1976), em 1981, a “Boca do lixo” começou a produzir filmes pornográficos em grande escala, com algum sucesso, mas hoje suas produções estão restritas ao mercado de vídeo doméstico.

OS BONS FILMES DA NOVA SAFRA DO CINEMA BRASILEIRO

O cinema brasileiro sofreu um golpe que o deixou literalmente fora de cena, com a extinção da Embrafilme e do Concine, em 1990, pela política econômica francamente recessiva do governo Collor, que acabou com os incentivos à indústria cinematográfica. Mas em 29 de setembro de 1992, a Câmara, em decisão histórica, autorizou a abertura do processo de impeachment do presidente, por crimes de responsabilidade e prevaricação, afastando-o do cargo. Coincidentemente, ou não, os primeiros sinais de recuperação do cinema brasileiro começam a aparecer em 1993, com Alma corsária, de Carlos Reichenbach.

Incentivos à indústria cinematográfica, com a nova lei do Audiovisual, aprovada em 1994, no governo Itamar Franco, propiciam filmes como A terceira margem do rio, de Nelson Pereira dos Santos, e Lamarca, de Sérgio Rezende. É deste ano, também, Louco por cinema, de André Luiz de Oliveira, prêmio de melhor filme no festival de Brasília.

Um impulso maior vem em 1995, com produções de boa aceitação pelo público, como: Carlota Joaquina - Princesa do Brasil, de Carla Camurati; O quatrilho, de Fábio Barreto; Castelo Rá-Tim-Bum 3 e 4, de Cao Hamburguer; e Sábado, de Ugo Giorgetti. Também dessa época, podemos citar Terra estrangeira, de Walter Salles Jr. e Dezesseis, zero, sessenta, de Vinicius Mainardi. Nota-se sensível melhora na qualidade das produções.

Em 1996, destacam-se dois filmes que abordam a tragédia social das periferias: Quem matou Pixote?, de José Joffily (sete prêmios no Festival de Gramado) e Como nascem os anjos, de Murillo Salles. Neste mesmo ano, o governo Fernando Henrique assina medida provisória que altera o texto da lei do Audiovisual, ampliando a dedução do Imposto de Renda para investidores na indústria cinematográfica.

Aumenta a produção de filmes em 1997, destacando-se: O que é isso, companheiro?, de Bruno Barreto, que se classificou para concorrer ao Oscar de melhor filme estrangeiro; Guerra de Canudos, de Sérgio Rezende; Os matadores, de Beto Brant; Baile perfumado, de Lírio Ferreira e Paulo caldas (melhor filme do festival de Brasília); Um céu de estrelas, de Tata Amaral; A ostra e o vento, de Walter Lima Jr; Pequeno dicionário amoroso, de Sandra Werneck; e Miramar, de Júlio Bressane.

A qualidade dos filmes se aprimora ainda mais em 1998 e uma produção brasileira obtém mais de 40 prêmios nacionais e internacionais, entre eles o Urso de Ouro no Festival de Berlim: Central do Brasil, de Walter Salles Jr., que também concorreu ao Oscar de melhor filme estrangeiro. No “trilho” de Central, tivemos mais três bons filmes em 1998: Amor & Cia., de Helvécio Ratton; Um copo de cólera, de Aluízio Abranches; Ação entre amigos, de Beto Brant.

Em 1999, o destaque vai para Castelo Rá-Tim-Bum – O filme, de Cao Hamburguer. Outras produções do ano que merecem ser vistas são: Cronicamente inviável, de Sérgio Bianchi; O primeiro dia, de Walter Salles; Dois córregos, de Carlos Reichenbach; e Bossa nova, de Bruno Barreto.

No ano de 2000, o cinema brasileiro se consolida de vez. Nada menos de sete grandes produções enchem os olhos dos espectadores: Santo forte, de Eduardo Coutinho (melhor filme da APCA – SP); Eu tu eles, de Andrucha Waddington (Grande Prêmio Cinema Brasil, do Ministério da Cultura); O auto da Compadecida, de Guel Arraes (Grande Prêmio da crítica de SP); Bicho de sete cabeças, de Laís Bodanzky (Prêmio de roteiro em Recife e de melhor filme em Brasília); Tainá – Uma aventura na Amazônia, de Tânia Lamarca e Sérgio Bloch; Hans Staden, de Luiz Alberto Pereira; Quase nada, de Sérgio Rezende.

Em 2001, o público começa a perceber que estamos novamente retomando o caminho de um cinema sério e renovador, que aborda temas importantes de nossa cultura. Cinco filmes se destacaram no ano: Lavoura arcaica, de Luiz Fernando Carvalho (melhor filme de Brasília, prêmio do júri em Biarritz 2001 e prêmio MinC no festival Rio-BR); Amores possíveis, de Sandra Werneck; Caramuru – A invenção do Brasil, de Guel Arraes; O invasor, de Beto Brant (prêmio de melhor produção latino-americana no Sundance 2002); Dias de Nietzsche em Turim, de Júlio Bressane. Outros filmes bem interessantes do ano foram: Avassaladoras, de Mara Mourão; Bellini e a esfinge, de Roberto Santucci Filho; Abril despedaçado, de Walter Salles (indicado para o Globo de Ouro 2002); e O Xangô de Baker Street, de Miguel Faria Jr.

As grandes promessas de 2002 foram: Sonhos tropicais, de André Sturm, biografia romanceada de Oswaldo Cruz; Cidade de Deus, de Fernando Meirelles e Katia Lund (“O filme mais importante desde ‘Pixote’” – declarou Walter Salles); Latitude zero, de Toni Venturi; Estação Carandiru, de Hector Babenco; O homem do ano, de José Henrique Fonseca.

Seguidos de: A paixão de Jacobina, de Fábio Barreto; Madame Satã, de Karim Aïnouz; Deus é brasileiro, de Cacá Diegues; Desmundo, de Alain Fresnot;  Xuxa e os duendes 2, e, em 2003, o grande lançamento: O homem que copiava, de Jorge Furtado.

Alguns criticam a lei do Audiovisual, vendo apenas casos isolados de má aplicação, mas foi graças a ela que o cinema brasileiro ressurgiu das cinzas a que fora lançado após a extinção da Embrafilme e do Concine.

O CINEMA E A REALIDADE BRASILEIRA

Constituindo um ótimo coadjuvante para estudos mais profundos sobre a história do Brasil, e muitas vezes com os temas bem explorados por grandes cineastas, com pesquisas sérias e detalhadas, os filmes e documentários de que trataremos a seguir analisam diversas facetas da cultura em nosso país e são recomendados para pessoas interessadas em melhorar seus conhecimentos sobre a nossa realidade. Procuramos selecionar os mais autênticos e aqueles que, embora sendo ficção, baseiam-se em fatos verídicos e traçam um paralelo com a situação vigente na época de repressão e censura em que foram feitos. É o cinema a serviço da História, como se pode ver em:

–Os fuzis (1964, de Ruy Guerra): aspectos da seca e da fome no Nordeste – o coronelismo e o imobilismo social;

–Vidas secas (1963, de Nelson Pereira dos Santos): a seca e a miséria destruindo as esperanças de nordestinos errantes em busca de melhores condições de vida;

–Pra frente, Brasil (1983, de Roberto Farias): a repressão paramilitar da ditadura nos anos 1970 e a tortura de inocentes;

–Eles não usam black-tie (1981, de Leon Hirszman): reprodução da peça de Gianfrancesco Guarnieri, sobre a reconstrução do movimento sindical no fim da década de 1970;

–O país dos tenentes (1987, de João Batista de Andrade): o envolvimento de militares em momentos históricos como o Tenentismo e o golpe militar de 1964;

–Lúcio Flávio, o passageiro da agonia (1977, de Hector Babenco): os meandros da corrupção e da violência policial sem controle, durante a ditadura nos anos 1970;

–Que bom te ver viva (1989, de Lúcia Murat): depoimentos de oito ex-prisioneiras políticas brasileiras que foram torturadas no período da ditadura militar;

–Revolução de 30 (1980, de Sylvio Back): desenvolvimento e consequências do Movimento Tenentista e a Revolução de 1930;

–Getúlio Vargas (1974, de Ana Carolina):  o Brasil getulista de 1930 a 1954, com farto material oriundo do DIP – Departamento de Imprensa e Propaganda do Estado Novo. Fatos políticos, como o suicídio de Vargas, em 1954, e a participação da FEB na II Grande Guerra;

–Rádio Auriverde (1991, de Sylvio Back): documentário polêmico em que Back desmitifica o papel da FEB na Itália, baseado em vasta documentação;

–Guerra do Brasil (1987, de Sylvio Back): documentário sobre a Guerra do Paraguai, sem mitos e preconceitos;

–Guerra de Canudos (1997, de Sérgio Rezende): reconstituição do violento conflito, visto sob o aspecto humano. A peregrinação de Antônio Conselheiro no sertão nordestino e a força dos beatos;

–Batalha dos Guararapes (1978, de Paulo Thiago): a invasão dos holandeses em 1635 e a luta por sua expulsão;

–A Guerra dos Pelados (1970, de Sylvio Back): o sangrento conflito de 1913 em Santa Catarina, revolta dos expropriados por causa da cessão de terras a uma estrada de ferro estrangeira;

–Independência ou morte (1972, de Carlos Coimbra): visão didática e ufanista da independência política do Brasil, com ênfase na vida amorosa de d. Pedro I. A influência da Maçonaria e de José Bonifácio;

–Tiradentes (1998, de Oswaldo Caldeira): retrato da conspiração contra a opressão portuguesa no século XVIII, em Minas Gerais. A reação dos colonizadores e a condenação do alferes Joaquim José da Silva Xavier. Outro filme sobre o assunto é Os inconfidentes (1972, de Joaquim Pedro de Andrade);

–Aleluia Gretchen (1976, de Sylvio Back): família alemã instalada no interior do Paraná, na década de 1930, e suas relações e conflitos com o nazismo e o integralismo. Estudo sério sobre a imigração de adeptos do nazismo no Brasil;

–Gaijin – Os caminhos da liberdade (1980, de Tizuka Yamasaki): imigrantes japoneses no Brasil e sua integração com nordestinos e italianos;

–República Guarani (1982, de Sylvio Back): as missões jesuíticas no Brasil, Paraguai, Argentina e Uruguai, de 1610 a 1767, e a chamada República Comunista-Cristã dos guaranis. Documentário que, segundo Back, “Põe em suspeita todo e qualquer tipo de evangelização ou ocupação ideológica do indígena”;

–Terra dos índios (1980, de Zelito Viana): depoimentos de índios brasileiros com relação à atuação da Funai, dos latifundiários e das multinacionais. Uma denúncia sobre o modo de ser da política de emancipação indígena;

–Jenipapo (1996, de Monique Gardenberg): no nordeste do país, um painel político dos interesses dos posseiros e da situação dos sem-terra;

–Rio Zona Norte (1957, de Nelson Pereira dos Santos): primeiro filme a abordar o cotidiano das favelas cariocas: as condições de vida, a marginalização e as consequências da imigração de populações pobres para os centros urbanos;

–O homem da capa preta (1986, de Sérgio Rezende): fatos da vida de Tenório Cavalcanti, o lendário e carismático líder político da Baixada Fluminense, seu apogeu nos anos 1950 e sua derrocada com o golpe militar de 1964. Boa visão do coronelismo e do populismo;

–Os anos JK – Uma trajetória política (1980, de Sílvio Tendler): a política do Brasil, de 1945 até os anos 1970, o período do governo de Juscelino Kubitschek e o ostracismo a que foi relegado após o golpe de 1964. A política desenvolvimentista, o Plano de Metas, a construção de Brasília. Documentário que resgata para as novas gerações uma história que o regime militar se esforçou para apagar. Veja, também, o documentário de Francisco Cesar Filho, A era JK (1993, 17 minutos), sobre o tema;

–Jango (1984, de Sílvio Tendler): coletânea sobre a trajetória política de João Goulart, o único presidente brasileiro a morrer no exílio. O documentário tem sequências raras, como o comício na Central do Brasil, em 13.3.1964, que precipitou o movimento militar;

–Chega de saudade (1988, de Sílvio Tendler): as manifestações artísticas e políticas do ano de 1968, no Brasil e no mundo. Temas: movimento estudantil; ditadura e autoritarismo;

–Lamarca (1994, de Sérgio Rezende): a saga do capitão do Exército brasileiro, Carlos Lamarca, que desertou em 1969 e passou para a luta armada de esquerda, sua caçada pelos órgãos de repressão e sua morte em 1971, na Bahia.

Outros documentários, com resumo dos temas:

–O canto da terra (1991, de Paulo Rufino): a questão fundiária;

–A luta do povo (1980, de Renato Tapajós): as lutas populares entre 1978 e 1980;

–Terceiro milênio (1981, de Jorge Bodanzky): as populações ribeirinhas, populismo e messianismo;

–A guerra civil (1993, de Eduardo Escorel): a Revolução Constitucionalista de 1932;

–Perfil: Luiz Carlos Prestes (de Mílton Alencar Jr.): movimento tenentista, Coluna Prestes, governo

Vargas, movimento comunista;

–Lembrai-vos de 37 (de Wilson Paraná - UFF): o Estado Novo;

–Cabra marcado para morrer (1984, de Eduardo Coutinho): um retrato vivo do Brasil;

–Greve! (1979, de João Batista de Andrade): a greve dos metalúrgicos do ABC, em março de 1979;

–Braços cruzados, máquinas paradas (1979, de Roberto Gervitz e Sérgio Toledo): sindicalismo, operariado urbano, primeiras greves;

–Invasores ou excluídos? (1989): a origem das primeiras favelas do Distrito Federal;

–A Nova República Operação Brasil (1985): a fabricação do mito Tancredo Neves, de sua chegada ao

Incor até sua morte;

–Imagens do Brasil República (Biblioteca Pública do RJ): vida política de 1946 a 1984;

–Em nome da Segurança Nacional (1984, de Renato Tapajós): o “Tribunal Tiradentes” que julgou e condenou a Lei de Segurança Nacional feita a partir do golpe de 1964;

–Barragem: a ocupação (1986, TV Viva): a questão agrária, a organização dos trabalhadores rurais;

–Jânio a 24 quadros (1981, de Luiz Alberto Pereira): superficial exposição da vida de Jânio Quadros.

JACQUES TATI – UM ATENTO OLHAR SOBRE A VIDA

Como  a finalidade deste livro é dar ao leitor uma visão panorâmica do que há de melhor no cinema, mostrando as diversas nuanças da arte cinematográfica, em nível mundial, ressaltamos,neste capítulo, o trabalho de um excepcional cineasta francês, um dos maiores realizadores de filmes de humor, dono de uma comicidade diferente, inovadora, fruto de sua observação apurada e inteligente do cotidiano: Jacques Tati, nascido Jacques Tatischeff, em 9 de outubro de 1908, em Le Pecq, Yvelines.

Neto do embaixador do czar na França, ele teve sólida educação artística e, desde garoto, mostrava perícia como imitador e ator de pantomimas. Logo, largou o negócio de restauração de obras de seu pai e passou a representar em cabarés, teatros e music-halls. Com os modestos salários que recebia, começou a realizar algumas experiências em cinema, em curtas-metragens de minguado orçamento onde já se antevia o apuro do seu senso de observação: Oscar, campeão de tênis (1932); Domingo alegre (1935); Retorno à terra (1938).

A escola dos carteiros (1947), o último deles, foi o esboço do seu primeiro longa-metragem como ator, escritor e diretor, Carrossel da esperança (1949), que alcançou grande sucesso de público, obteve o Prêmio de Cenografia em Veneza (1949) e o Grande Prêmio do Cinema Francês (1950). Em Carrossel, Tati vive o ingênuo e abobalhado carteiro François, que após assistir, num cineminha, a um filme que mostrava, de um modo jocoso, a incrível agilidade do correio americano – tinha até cenas de carteiros saltando de paraquedas e atravessando cortinas de fogo com suas motocicletas –, fica meio deprimido, se embriaga e resolve modernizar-se, partindo para a agilidade total com sua frágil bicicleta. Sob o efeito da bebedeira e querendo ser mais rápido do que os americanos, François proporciona momentos de humor imperdíveis.

O sucesso alcançado por Tati com Carrossel foi confirmado no seu filme seguinte, As férias do sr. Hulot, obra-prima do humor, que põe em relevo certos gestos e detalhes, como a estação de trens (onde o incompreensível alto-falante é a estrela maior), a câmara-de-ar que vira coroa de flores, a partida de tênis, a porta rangente do restaurante, o sorvete cai-não-cai, e outras excelentes gags realmente dignas de figurar em uma antologia do cinema.

Tati apresenta, com humor, a vida do francês de classe média, sua presença na sociedade, a partir da observação de sua vida. Hulot é aquele indivíduo simples, tranquilo, “gente boa”, de postura impecável, que não se abala com as mais inusitadas situações.

Segundo Jean Tulard, in: Dictionnaire du Cinema (apud Henri Angel), “É muito difícil deixar de comparar Tati com Chaplin, principalmente para perceber suas divergências. Há em Tati uma postura de fé na infância, o que é sua contribuição pessoal”. Tulard acrescenta: “Há igualmente, além da amargura, uma espécie de confiança final no homem”.

O personagem Hulot, hoje eterno, voltaria em filmes seguintes de Tati.

Em Meu tio (1958), uma crítica da modernidade, Hulot é um solteirão descontraído, com grande vocação para a vagabundagem, e de uma incompetência infinita. Seu sobrinho de nove anos, que vive numa casa equipada com os mais modernos aparelhos, vê no simpático tio um grande companheiro que o tira daquele mundo automático e árido, com pais ricos e muito chatos, para passeios muito mais prazerosos, que ressaltam as coisas simples e a amizade entre os seres. Segundo o crítico de cinema Inácio Araújo (in: Folha de São Paulo), “Meu tio seria uma espécie de Tempos modernos, de Chaplin, versão vida burguesa (...) se Chaplin atacava a imperfeição da máquina (seu aspecto opressivo), Tati ataca sua perfeição. E é isso que lhe dá um lugar privilegiado no cinema moderno”.

Meu tio ganhou o Oscar de filme estrangeiro e Prêmio Especial do Festival de Cannes.

Depois do sucesso de As férias do sr. Hulot e de Meu tio, Tati levou dez anos produzindo seu novo filme, em que empenhou todas as suas economias: Playtime, tempo de diversão (1967). Neste, Hulot – agora numa Paris irreconhecivelmente moderna, com trânsito tenso e edifícios da era do ferro e do vidro – vai se deparar com novas e inesperadas situações. Aqui, Tati satiriza a arquitetura moderna, cujas estruturas compara com as da sociedade em geral. O filme inova ao quebrar a narração clássica, introduzindo um modo mais aberto de contar uma história.

O personagem Hulot voltaria em 1971, em As aventuras de M. Hulot no tráfego louco, onde é um motorista que passa por inúmeras situações cômicas, ao tentar transportar um carro de design exclusivo, da França para uma feira de automóveis na Holanda. Foi o penúltimo filme de Tati. O último foi uma produção para a TV sueca, Parade (1974).

Problemas financeiros, a partir de 1977, acabaram com as perspectivas de continuidade da obra deste gênio do humor, que pintava um universo em que o homem oferecia resistência a uma sociedade moderna cada vez mais dominadora.

Jacques Tati faleceu em 4 de novembro de 1982, perto de Paris.

CHAPLIN, UM GÊNIO E UM SÍMBOLO

Nascido Charles Spencer Chaplin, em Londres, em 16 de abril de 1889, continua entre nós, até hoje, através de filmes de sua criação maior, o genial Carlitos (“Charlie” para os países anglo-saxônicos, “Charlot” para os de língua francesa, Portugal e outros).

Filho de Charles e Hannah Chaplin, artistas do music-hall londrino (que se separaram quando ele tinha apenas um ano), pisou num palco pela primeira vez aos cinco anos, para substituir sua mãe que estava doente.   Teve uma infância difícil e miserável e por vezes era obrigado a roubar comida e a dançar nas ruas para sobreviver Abandonou a escola quando tinha 10 anos e foi ser mímico e ajudante-geral no teatro de variedades.

Em 1906, com 17 anos, consegue um lugar na trupe de vaudeville de Fred Karno, onde permaneceu até os 24 anos. Em 1910, a trupe o trouxe para os EUA, para apresentação no musical The eight Lancaster ladies, no Colonial Theater de Nova York, e sua versatilidade foi um sucesso. Mack Sennett (1884-1960), o maior produtor de comédias do cinema mudo (Keystone Company), viu e gostou. Contratou-o a partir de novembro de 1913, término de seu compromisso com os produtores da peça.

Em 1914, Chaplin fez 35 filmes na Keystone, onde obteve preciosa experiência profissional, mas ganhava pouco: 175 dólares por semana. No ano seguinte, passou para a Essanay – ganhando 1.250 dólares por semana mais bônus – onde dirigiu 14 filmes. Nascia, assim, Carlitos, o pequeno vagabundo, seu chapéu-coco, o bigode talhado em escova (teve até um certo ditador que quis imitá-lo...), os sapatos grandes, a bengala, as calças surradas... Em 1916 e 1917, devido a uma oferta maior (salário de 10 mil dólares por semana mais bônus adicionais até 150 mil), foi para a Mutual, onde passa a ter total liberdade de expressão e conclui a criação de seu personagem. Em 1918, assina contrato milionário com a First National (depois absorvida pela Warner Bros.) e começa a era de obras-primas: Rua da Paz, Ombro armas, O garoto. A celebridade chega. O grande salto começara em 1919, quando se tornou produtor, fundando – juntamente com D. W. Griffith, Mary Pickford e Douglas Fairbanks – a United Artists, onde escreveu, dirigiu e interpretou uma série de grandes clássicos. Torna-se, então, uma das maiores estrelas de Hollywood.

Mas as ideias pacifistas expostas no filme Monsieur Verdoux, de 1947, não agradaram aos políticos conservadores adeptos do macarthismo, que já achavam que em Tempos Modernos (1936) havia uma implícita aversão ao capitalismo. Intimado a depor na HUAC (House Un-American Activities Council), em setembro de 1947, nunca se apresentou; enviou-lhes um telegrama: “Não sou um comunista, nem me associei alguma vez a qualquer partido político ou organização em minha vida”. Mas muitos viam em Monsieur Verdoux uma atitude de desrespeito e ingratidão ao país que o adotou e onde ele obteve glória e fortuna. Como agravante, havia o fato de nunca ter se naturalizado como cidadão norte-americano. Tendo ido a Londres, em 1952, para a estreia de Luzes da Ribalta, foi avisado de que o visto de reentrada nos EUA poderia lhe ser negado. Desiste de voltar aos EUA e se instala na Suíça. Só voltaria para a América em 1972, para receber um Oscar especial da Academia, em recepção triunfal, mas com visto no passaporte para apenas um mês, o que o levou a declarar: “Eles ainda têm medo de mim”.

Chaplin também é autor de canções inesquecíveis em seus filmes, como: Smile, de Tempos Modernos; La violetera, de Luzes da cidade; Limelight, de Luzes da ribalta. Em sua obra,  que mistura pastelão, sátira, lirismo, crítica e preocupações sociais, ele recriou grande parte de sua infância pobre e sofrida.

Foi o primeiro ator a aparecer na capa do Time Magazine, em 6 de julho de 1925.

Gostava de mulheres jovens: tinha 28 anos quando se casou com Mildred Harris, que tinha 16; Aos 35, casou-se com Lita Grey, de 16 (Joyce Milton, em seu livro Tramp: the life of Charlie Chaplin, afirma que o clássico Lolita, de Vladimir Nabokov (1898-1977), foi inspirado na relação de Chaplin com Lita Grey); Com 44 anos, desposou Paulette Goddard, de 19; já “coroa”, com 54 anos, casou-se com a filha do dramaturgo Eugene O’Neill (1888-1953),  Oona O’Neill, de 18, com quem ficou até o fim de seus dias e teve oito filhos.

Em 1975, recebeu o título de Cavaleiro da Coroa Britânica, dois anos antes de sua morte, em 25 de dezembro de 1977, em Corsier-sur-Vevey, na Suíça. O mundo perdia, então, um grande gênio.

FILMOGRAFIA EM 1914: Carlitos repórter; Corridas de automóveis para meninos; Carlitos no hotel; Dia chuvoso; Joãozinho na película; Carlitos dançarino; Carlitos entre o bar e o amor; O marquês; Carlitos e a patroa; Carlitos banca o tirano; 20 minutes of love; Apanhado num cabaré; Caught in the rain; A busy day; O malho de Carlitos; Her friend the bandit; Dois heróis; Carlitos e as salsichas; Dois casais encantados; Gás hilariante; Carlitos na contrarregra; Sobrado mal-assombrado; Divertimento; O mascarado; His new profession; Carlitos na farra; Carlitos porteiro; Carlitos rival no amor; Dinamite e pastel; Isabel e Carlitos nas corridas; Músicos vagabundos; O engano; O casamento de Carlitos (ou Idílio desfeito); Carlitos e Mabel em passeio; O passado pré-histórico.

FILMES EM 1915: Um novo emprego; Uma noite fora; O campeão; Carlitos no parque; Carlitos quer casar; O vagabundo; Carlitos à beira-mar; Carlitos na atividade; Senhorita Carlitos; O banco; Carlitos marinheiro; Carlitos no teatro; Carmem.

FILMES EM 1916: Carlitos policial; O falso gerente (ou Carlitos no armazém); Carlitos bombeiro; O vagabundo; À uma da madrugada; O conde; Loja de penhores; Carlitos no estúdio; O rinque de patinação (ou Carlitos patinador).

FILMES EM 1917: Rua da paz; O balneário; O imigrante; O aventureiro.

FILMES EM 1918: Vida de cachorro; Ombro armas.

FILMES EM 1919: Idílio campestre; Dias de prazer.

OUTROS FILMES: O garoto (1921); Os clássicos vadios (1921); Dia de pagamento (1922); Pastor de almas (1923); Casamento ou luxo (1923); Em busca do ouro (1925); O circo (1928); Luzes da cidade (1931); Tempos modernos (1936); O grande ditador (1940); Monsieur Verdoux (1947); Luzes da ribalta (1952); Um rei em Nova York (1957); A condessa de Hong Kong (1966).

CINEMA E SOCIEDADE – AS IDEIAS HUMANÍSTICAS –

A PREOCUPAÇÃO SOCIAL

Voltado para os problemas coletivos, o cinema engajado – política e socialmente – preocupa-se com o povo e suas enormes questões humanas, abordando temas polêmicos que muitas das vezes não agradam às classes dirigentes e conservadoras de certos países, onde o sistema aproveita-se da alienação vigente na população para impor normas severas e restritivas que não a deixam atingir um estágio social mais próspero e condigno.

É imensa a lista de filmes nos quais os diretores tiveram uma visão realista da emancipação humana, levando os espectadores a uma reflexão mais profunda dos fatos históricos.

Grandes cineastas deram sua contribuição ao cinema voltado para o humanismo: Eisenstein, Wajda, Visconti, Montaldo, Germi, Chaplin, Monicelli, Pasolini, Buñuel, Costa-gravas, Glauber Rocha, Nelson Pereira dos Santos, Joaquim Pedro de Andrade, Ruy Guerra, Godard, Bellochio etc.

Damos, a seguir, uma pequena amostra de filmes ligados à temática social:

–A classe operária vai ao paraíso (1971, de Elio Petri): operário-modelo sofre acidente de trabalho e perde um dedo. Até então sem preocupações sindicais, é envolvido em movimentos de protesto. O filme analisa a tomada de consciência do operário, que fica dividido entre os sonhos de consumo da classe média e as convocações da esquerda radical. Palma de Ouro em Cannes;

–Classe operária (1982, de Jerzy Skolimowski): quatro trabalhadores poloneses, forçados pela necessidade, ingressam ilegalmente na Inglaterra para reformar apartamento de homem rico. Só um deles, o líder, tem contato com o mundo exterior e sabe sobre o golpe de estado na Polônia e o fechamento do sindicato Solidariedade, mas esconde o fato dos outros para poder terminar a obra. A angústia do líder e o caos social na Polônia de 1982 são retratados nesta bela alegoria. Prêmio de melhor roteiro em Cannes;

–Os companheiros (1963, de Mário Monicelli): exemplo de filme social, mostra as necessidades e a luta do operariado à época da chamada, indevidamente, “Revolução Industrial” (fábricas precárias e rústicas, com máquinas toscas e trabalho de 14 horas por dia, sem hora de almoço, sem condições higiênicas, tampouco leis trabalhistas). Segundo Alberto Silva (in: Cinema e Humanismo), “Os companheiros edificam a luta e incrustam a primeira pedra na estátua do operariado: homenagem justa ao trabalhador, sua luta, sua vida, sua família, seus amigos, sua necessidade”;

–O salário do medo (1953, de Henri-Georges Clouzot): uma reflexão sobre a dignidade do trabalho humano. Trabalhadores correm risco de vida com o transporte de cargas de nitroglicerina em dois caminhões, em uma estrada perigosamente esburacada. A ambição e a necessidade vencendo o medo;

–Vidas secas (1963, de Nelson Pereira dos Santos): trágico filme sobre a seca e a miséria no nordeste do Brasil, marca o aparecimento de um cinema brasileiro voltado para o social. A vida errante de vítimas da seca, buscando melhores condições de vida;

–São Paulo S.A. (1964, de Luis Sérgio Person): primeiro filme brasileiro a criticar a industrialização desordenada. Ambientado entre os anos de 1957 e 1961, época da arrancada da indústria automobilística em SP, mostra, simultaneamente, uma crise intimista e social, ressaltando os males da acumulação capitalista;

–Tempos modernos (1936, de Charles Chaplin): uma crítica bem-humorada à industrialização selvagem, uma sátira à mecanização. Carlitos é um operário da linha de montagem de uma grande indústria;

–Os fuzis (1964, de Ruy Guerra): realizado numa época política difícil, aborda uma temática que até hoje se mantém atual: a fome no Nordeste. População faminta de um bolsão nordestino é impedida por soldados de invadir e saquear um depósito de alimentos. Um clássico do Cinema Novo, premiado em Berlim;

–Z (1969, de Costa-Gavras): baseado num incidente da vida real, aborda o assassinato político, em 1963, de um líder esquerdista, por terroristas da direita, durante a ditadura militar na Grécia. Uma denúncia contra os  regimes ditatoriais ou de opressão. Filme esteve proibido no Brasil durante um bom tempo; ganhou o Oscar de filme estrangeiro;

–O encouraçado Potemkin (1925, de Sergei M. Eisenstein): a revolta de marinheiros russos, em 1905, quando lhes é servida carne podre, sob as duras condições de vida no império czarista. A população de Odessa se mobiliza e apoia o movimento. A repressão violenta da polícia czarista termina com um massacre de populares nas escadarias do cais.

Inseridos no contexto humanista, temos, ainda, vários filmes antibelicistas que condenam os horrores da guerra. Entre os mais notáveis, estão:

–A grande ilusão (1937, de Jean Renoir): obra-prima antibelicista magnificamente montada. A ação se passa num campo de prisioneiros de guerra alemão, em 1917, e descreve brilhantemente as relações entre os personagens e a influência do patriotismo e da diferença das classes sociais;

–Sem novidade no front (1930, de Lewis Milestone): retrato doloroso dos adolescentes que são enviados à guerra e treinados para matar, sem saber direito por quê, e morrem nos campos de batalha;

–Glória feita de sangue (1957, de Stanley Kubrick): uma reflexão sobre o modo de pensar dos comandantes militares. General ordena um ataque insano e suicida, mas alguns de seus homens hesitam. Em razão disso, o general leva à corte marcial um homem de cada pelotão e consegue condenar inocentes.

Muitos são os filmes humanistas. À guisa de ilustração, relacionamos outras obras pertinentes: Teorema (1969); Mar louco (1962); O ferroviário (1956); Estado de sítio (1973); Giordano Bruno (1973); Danton – O processo da Revolução (1982); Rocco e seus irmãos (1960); Europa (1990); A doce vida (1960); A bela da tarde (1967); Dr. Fantástico (1964); O grande ditador (1940); O caso Mattei (1971); As vinhas da ira (1940); Ganga bruta (1933); Deus e o diabo na terra do sol (1964); Os inconfidentes (1972); Ganga Zumba (1963); Barravento (1962), Terra em transe (1967); O dragão da maldade contra o santo guerreiro (1969); Central do Brasil (1998); Cidade de Deus (2002) etc.

A HISTÓRIA E OS FILMES HISTÓRICOS – ANTIGUIDADE

Um modo fascinante e agradável de melhorar nossa cultura e nos ajudar a entender os grandes acontecimentos históricos é procurar ver filmes relacionados à história da humanidade. É um contato visual com diferentes épocas, culturas, costumes, vidas, que constitui um excelente incentivo para estudos mais profundos. Como dizia Cícero (106-43 a. C.), “Historia est magistra vitæ” (a história é a mestra da vida). A mestra que nos ensina a evolução dos povos através dos tempos, seus erros e seus acertos. E o cinema soube utilizar-se adequadamente disso, brindando-nos com produções que abrangem notáveis fatos históricos, desde a Antiguidade até os dias atuais.

Devido à grande quantidade de filmes (mais de 300), fizemos uma seleção cronológico-temática para melhor organizar nossa explanação. Veremos, neste primeiro capítulo, os filmes cujas ações são pertinentes à ANTIGUIDADE, período da história situado entre a utilização da escrita (4000 a. C.) e a queda do Império Romano (476 d. C.), e um relativo à pré-história (o primeiro da lista):

–A guerra do fogo (1981), de Jean-Jacques Annaud: numa savana com mamutes, tigres e canibais hostis, tribo pré-histórica luta pela sobrevivência e pela descoberta de uma chama, para repor o fogo que haviam deixado se extinguir;

–Os dez mandamentos (1956), de Cecil B. DeMille: a vida de Moisés (séc. XIII a. C.), carismático líder que deu aos hebreus sua pátria, lei e religião;

–Siddhartha (1973), de Conrad Rooks: do romance de Hermann Hesse sobre jovem indiano que deixa a família e empreende uma jornada em busca do significado da existência. Siddhartha é um dos títulos conferidos a Gautama, o Buda (560 e 480 a. C.) e significa “aquele que atingiu sua meta”;

–Spartacus (1960), de Stanley Kubrick: história do gladiador que liderou uma violenta rebelião de escravos (73-71 a. C.) contra a República Romana;

–Alexandre Magno (Alexander the great, 1956), de Robert Rossen: épico que mostra a vida de Alexandre III, O Grande, rei da Macedônia (336-323 a. C.) que derrotou o império persa e foi o fundador de Alexandria, novo mercado marítimo e centro de expansão da cultura helênica;

–Júlio César (1953), de Joseph L. Mankiewicz: uma das melhores adaptações da peça de William Shakespeare sobre a vida do general e estadista romano Caio Júlio César (100-44 a. C.), e a conspiração que levou ao seu assassinato por descontentes com o regime ditatorial por ele exercido. Apunhalado, caiu ao lado da estátua de Pompeu, no Senado, em 15 de março de 44;

–Cleópatra (1934), de Cecil B. DeMille: a melhor versão sobre a vida da rainha do Egito, Cleópatra VII (69 a. C. – 30 a. C.), que, após a morte de Júlio César (com quem casara para se manter no poder no Egito), seduziu Marco Antônio, senhor do Oriente Romano, que anexou várias províncias romanas ao Egito, atraindo a ira do sucessor de César em Roma, Otaviano, que lhes declarou guerra e venceu-os em Ácio, em 2 de setembro de 31;

–Cleópatra (1963), de Joseph L. Mankiewicz: versão cara, aparatosa, colorida e longa (243 minutos) sobre a ascensão e queda da rainha do Egito, com Elizabeth Taylor, mas inferior à de 1934, em preto e branco, com Claudette Colbert;

–Terra dos Faraós (1955), de Howard Hawks: a construção, durante 20 anos, com mais de 2 milhões de blocos de pedra, da maior pirâmide do Egito, pelo faraó Quéops, da IV dinastia, por volta de 2800 a. C.;

–Ulysses (1955), de Mario Camerini: baseado na obra mitológica Odisseia, de Homero (séc. IX a. C.), dá uma ideia do modo de vida dos antigos gregos;

–Quo vadis (1951), de Marvyin Leroy: na Roma Imperial do tempo de Nero, do incêndio da cidade, do crescimento do cristianismo, religião proibida e perseguida naqueles tempos, o romance entre uma cristã e um general do imperador;

–A queda do Império Romano (1964), de Anthony Mann: com uma apurada reconstituição arquitetônica da Roma antiga, filme mostra o início da decadência do Império Romano, no final do reinado de Marco Aurélio (121-180 d. C.), e após sua morte, com o poder sendo passado para seu cruel filho, Commodus (161-192 d. C.), que instaurou um regime de corrupção e de terror;

–O Rei dos reis (1961), de Nicholas Ray: a vida e obra de Jesus Cristo, desde a época em que os romanos invadiram a Judeia até a crucificação;

–Átila, o huno (2001), de Dick Lowry: minissérie feita para a TV americana, mas com cópia em DVD (170 minutos) disponível no Brasil (Universal). A saga do rei dos hunos, da infância até as grandes batalhas em que ameaçou o poderio do Império Romano;

–Abraão (1994), de Joseph Sargent: produção para a TV (EUA/Itália), mas com cópia em DVD (180 minutos) no Brasil (Flashstar), conta toda a vida do patriarca dos hebreus, o profeta Abraão (séc. XIX a. C.), com corretas adaptações dos textos bíblicos;

–A Bíblia... no início (1966), de John Huston: um resumo do livro do Gênesis, com episódios como a criação do mundo, Adão e Eva, Caim e Abel, a Torre de Babel, Gomorra, Arca de Noé etc., num filme apenas regular.

Alguns filmes cometem certos “deslizes históricos” que, entretanto, não comprometem, por vezes, suas qualidades. Entre eles, selecionamos os três a seguir:

–Faraó (1964), de Jerzy Kawalerowicz: filme de “ficção faraônica”: conta a luta de “Ramsés XIII” contra castas militares e sacerdotes no Antigo Egito. O problema é que jamais existiu um “Ramsés XIII”. Ramsés é o nome de 11 faraós da XIX e da XX dinastias, indo, portanto, de Ramsés I (1314-1312 A. C.) a Ramsés XI (1166-1085 a. C.), que encerrou a XX dinastia. Ramsés significa “O deus Rá colocou-o no mundo”. O “Ramsés XIII” do filme é fictício, mas a reconstituição de época é boa;

–Gladiador (2000), de Ridley Scott: Megaprodução épica com espetaculares cenas de batalha. A história do militar “Maximus”, dedicado general do exército romano, que é indicado pelo velho e acabado imperador Marco Aurélio (121-180 d.C.) para sucedê-lo no trono de Roma, o que desperta a ira do herdeiro de sangue do trono, Commodus, que mata o pai e assume o poder. Maximus se recusa a ser leal a ele e é condenado à morte, mas escapa e depois volta a Roma para se vingar. Filme que transporta a plateia para o mundo romano das batalhas e dos gladiadores, mas comete uma liberdade histórica ao dizer que Marco Aurélio foi morto pelo filho Commodus, quando, na realidade, ele morreu de peste numa campanha no Danúbio;

–Barrabás (1962), de Richard Fleischer: história fictícia, com fatos mais ou menos possíveis, sobre o destino do ladrão e assassino libertado por Pôncio Pilatos no lugar de Jesus Cristo. Superprodução com elenco de primeira e cenas expressivas, como as lutas no Coliseu que estão à altura de Gladiador (2000).

A HISTÓRIA E OS FILMES HISTÓRICOS – IDADE MÉDIA

Neste capítulo, veremos os filmes que retratam lendas, episódios históricos e obras literárias sobre a IDADE MÉDIA, período que se situa, tradicionalmente, entre a data da queda do Império Romano do Ocidente (476 d.C.) e a data da descoberta da América (1492), discutível, pois também é proposta a de 1453 (queda de Constantinopla) como término, além de várias outras teorias. Mas isso é problema de historiador detalhista. Nosso caso é mostrar filmes que dão uma ideia aproximada do que era a vida naquela época. Selecionamos algumas produções significativas do período, que acreditamos constituir uma boa diversão para o leitor:

–O leão no inverno (1968), de Anthony Harvey: a disputa familiar pelo trono inglês, no séc. XII, envolvendo o rei Henrique II (1133-1189), os filhos entre os quais pretendia eleger seu sucessor (Henrique III, João Sem Terra e Ricardo Coração de Leão) e a rainha Eleanor de Aquitânia;

–El Cid (1961), de Anthony Mann: a saga do legendário herói cristão espanhol Rodrigo Días de Bivar, dito El Cid Campeador (1043-1099), que, com coragem e patriotismo, procurou unir, no séc. XI, os membros da nobreza, para unificar a Espanha, e conseguiu expulsar os mouros da Península Ibérica. Filme longo (três horas), com espetaculares cenas de batalhas e bem cuidada reconstituição de época;

–Joana D’Arc de Luc Besson (1999): épico grandioso sobre a jovem heroína francesa (1412-1431) que, com sua força mística, liderou as tropas de seu país contra os ingleses e teve papel decisivo na coroação do rei Carlos VII (1403-1461);

–Coração valente (1995), de Mel Gibson: a história de William Wallace (1270-1305), o camponês que se tornou herói da independência escocesa, quando assumiu a liderança da resistência aos ingleses e ganhou a batalha de Stirling, na passagem do séc. XIII ao XIV;

–Aventuras de Robin Hood (1938), de Michael Curtiz: a melhor versão cinematográfica do livro de sir Walter Scott sobre o ladrão da floresta de Sherwood que roubava dos ricos para ajudar aos pobres, em oposição ao tirânico príncipe João, que, na ausência do rei Ricardo Coração de Leão, apoderou-se do trono inglês no séc. XII;

–O corcunda de Notre Dame (1939), de William Dieterle: sem dúvida, a melhor e mais emocionante adaptação para o cinema da obra de Victor Hugo sobre Quasímodo, o sineiro deformado e surdo que se apaixona e salva a vida da bela cigana Esmeralda. Atuação soberba de Charles Laughton e reconstituição perfeita da Paris medieval;

–O nome da rosa (1986), de Jean-jacques Annaud: baseado no romance homônimo de Umberto Eco – um dos mais importantes teóricos de Comunicação da atualidade –, conta a história de sábio monge franciscano inglês que é chamado para solucionar um crime inexplicável num mosteiro nas escarpas dos Montes Apeninos, na Itália medieval, e se depara com novos assassinatos, que vão exigir apurado talento dedutivo para serem solucionados. A vida religiosa do séc. XIV em ótima reconstituição de época;

–Em nome de Deus (1988), de Clive Donner: história verídica da paixão do casto filósofo cristão Abelardo com sua rica aluna Heloísa, no séc. XII, na França, com as pressões religiosas da época sobre o comportamento das pessoas;

–Irmão Sol, irmã Lua (1973), de Franco Zeffirelli: lindo filme sobre a infância e a adolescência de São Francisco de Assis (1182-1226) e de Santa Clara (1193-1253);

–Alexandre Nevski (1938), de Sergei M. Eisenstein: uma das principais obras do cinema soviético, conta a história do heroico príncipe Alexandre Nevski (1220-1263) – que derrotou os suecos na Batalha de Neva (daí seu nome “Nevski”) – em sua campanha contra os invasores germânicos, os quais expulsou do país no séc. XIII. Filme teve sua exibição suspensa na URSS, após o pacto de não-agressão firmado entre Stalin e Hitler, em 1939;

–Henrique V (1945), de Laurence Olivier: a melhor adaptação da peça de Shakespeare sobre a trajetória do rei inglês Henrique V (1387-1422), vencedor da Batalha de Azincourt (outubro de 1415);

–Excalibur (1981), de John Boorman: bem elaborada adaptação da lenda do rei Arthur e os cavaleiros da Távola Redonda, com as lutas para a unificação da Inglaterra, em meio ao romance de Lancelot e a rainha Guinevere;

–As brumas de Avalon (2001), de Uli Edel: roteiro adaptado do best-seller homônimo de Marion Zimmer Bradley. A influência de grupo de feiticeiras da ilha de Avalon, entre 600 e 700 d.C., na vida de Arthur, futuro rei da Inglaterra;

–Coração de cavaleiro (2001), de Brian Helgeland: inspirado nos Contos de Canterbury, é a história de um jovem camponês e de sua luta para se tornar um cavaleiro, numa época em que só os nobres ou seus filhos tinham acesso ao título. A diferença entre as classes sociais, os torneios e o cotidiano medieval são temas dominantes do filme;

–O sétimo selo (1957), de Ingmar Bergman: obra metafórica e profundamente humana, esta alegoria de Bergman nos remete para a época das Cruzadas, com sua ação na Idade Média. Cavaleiro moribundo, ao regressar das Cruzadas, depara-se com um cenário desolador em seu país, assolado pela peste negra. No caminho, encontra a Morte e propõe a ela um jogo de xadrez, para definir sua existência. Um filme que nos conduz à reflexão;

–Decameron (1970), de Pier Paolo Pasolini: ótima reconstituição de época, retratando a vida cotidiana em Nápoles, em dez contos do Decamerão, de Giovanni Boccaccio (1313-1375).

–O senhor da guerra (1965), de Franklin J. Schaffner: no séc. XI, cavaleiro encarregado de proteger terras de poderoso duque, na Normandia, é tentado a tomar donzela que acabou de casar, antes que ela tenha sua noite de núpcias com o noivo, alegando a lei do “Direito de Senhor”.

A HISTÓRIA E OS FILMES HISTÓRICOS – IDADE MODERNA

Este capítulo trata dos filmes que estão ligados a fatos da chamada IDADE MODERNA, que, na Europa, se estende da queda do Império Romano do Oriente, em 1453, até a Revolução Francesa, em 1789, ou, segundo alguns historiadores, vai de 1492 a 1789. O importante é que houve um período de transição do feudalismo para o capitalismo e os filmes relacionados registram nuances desses acontecimentos, dando uma ideia da vida naqueles tempos.

O primeiro período é o das GRANDES NAVEGAÇÕES (expansão marítima europeia e a colonização da América). São filmes ligados a essa época:

–Cristóvão Colombo (1984), de Alberto Latuada: superprodução da TV italiana; há filme homônimo, do diretor inglês David Macdonald, em 1949;

–1492 – A conquista do paraíso (1992), de Ridley Scott: com uma reconstituição bastante cuidadosa e cenas belíssimas, filme mostra a epopeia do navegador genovês Cristóvão Colombo (1450-1506) até a descoberta do Novo Mundo e o posterior convívio com os índios;

–Aguirre, a cólera dos deuses (1972), de Werner Herzog: história da expedição do conquistador espanhol Don Lope de Aguirre (1518-1561), na floresta amazônica, em 1560, em busca do Eldorado. Nota: renomados guias de cinema (uns copiando os outros) indicam que esta é a história da expedição de Francisco Pizarro à Amazônia. Acontece que Pizarro nasceu em 1475 e morreu em 1541...;

–A missão (1986), de Roland Joffé: no século XVIII, jesuíta espanhol monta missão na América do Sul, na tentativa de catequizar os índios e, ajudado por um traficante de escravos convertido, luta contra contínuas agressões de colonos portugueses;

–Hábito negro (1991), de Bruce Beresford: em 1634, a odisseia de padre jesuíta europeu para catequizar índios de inóspita região do Canadá e o inevitável conflito entre as duas culturas;

–Hans Staden (1999), de Luiz Alberto Pereira: índios tupinambás aprisionam alemão no litoral do Brasil, em 1554, planejando comê-lo num ritual antropofágico;

–O real caçador do Sol (1969), de Irving Lerner: a lenda do explorador Francisco Pizarro na conquista dos incas.

Filmes relacionados a fatos ligados ao RENASCIMENTO, a renovação cultural e artística que se iniciou na Itália do século XV e se espalhou pela Europa no século XVI, retratam aspectos cotidianos e fatos históricos e culturais daquela época:

–Galileu Galilei (1973), de Joseph Losey: baseado na peça homônima de Bertold Brecht (1898-1956), destaca o processo inquisitorial movido pela Igreja contra o astrônomo, físico e escritor italiano Galileu (1564-1642), acusado de heresia por defender o sistema heliocêntrico, considerado incompatível com os textos bíblicos;

–Agonia e êxtase (1965), de Carol Reed: os conflitos entre o grande pintor e escultor italiano Michelangelo (1475-1564) e o papa Julio II, sobre o trabalho de decoração do teto da Capela Sistina, em Roma. Uma briga entre a arte e o poder;

Ambientados na época da REFORMA, movimento religioso que levou à criação das igrejas protestantes, no século XVI, e da CONTRARREFORMA, se destacam:

–Rainha Margot (1995), de Patrice Cheveau: baseado no romance homônimo de Alexandre Dumas, conta a história da católica Margot e de seu envolvimento com um homem que sobreviveu ao assassinato de milhares de protestantes, na Noite de São Bartolomeu, em 24 de agosto de 1572;

–O homem que não vendeu sua alma (1966), de Fred Zinnemann: decidido a separar-se de Catarina de Aragão (que lhe dera apenas uma filha, Maria Tudor) e casar-se com Ana Bolena, Henrique VIII rompe com a Igreja, que se recusara a conceder-lhe o divórcio, mas Thomas Morus, seu chanceler mais respeitado, fiel a seus princípios, recusa-se a homologar a decisão, provocando a ira do rei;

–Ana dos mil dias (1969), de Charles Jarrot: a vida da segunda esposa de Henrique VIII e a reforma anglicana;

–Henrique VIII e suas seis esposas (1973), de Waris Hussein: o rei que se casou diversas vezes, tentando gerar um filho para sucedê-lo no trono da Inglaterra, conta, em 1547, às vésperas da morte, para Catarina Parr, a sexta esposa, sua vida com as cinco anteriores;

–Giordano Bruno (1973), de Giuliano Montaldo: ótima reconstituição da vida do filósofo, astrônomo e matemático Giordano Bruno (1548-1600), que, influenciado por Nicolau de Cusa e Copérnico, desenvolveu sua teoria do universo infinito e da multiplicidade dos mundos, o que contrariava a ideia teológica da Criação. Julgado pela Inquisição, foi torturado e queimado vivo, em fevereiro de 1600.

Também existem bons filmes relativos ao período do ABSOLUTISMO, regime das monarquias da Europa Ocidental nos séculos XVII e XVIII (e da Rússia, até 1905), em que o soberano exercia todas as atribuições: administração, justiça e legislação. Entre as produções, destacamos:

–Cromwell (1970), de Ken Hugues: o apoio do chanceler Oliver Cromwell (1599-1658) ao Partido Puritano, contra os desmandos monárquicos do rei Carlos I (1600-1649), o início da guerra civil, a morte do rei e a batalha sangrenta pelo poder;

–Elizabeth (1998), de Shekhar Kapur: primórdios do reinado de Elizabeth I (1533-1603), rainha da Inglaterra e da Irlanda, de 1558 a 1603, em bela reconstituição de época. Outros filmes sobre a soberana são: A rainha tirana (1955), de Henry Koster, e A rainha virgem (1953), de George Sidney.

Ambientados no período do Absolutismo temos, ainda:

–O homem da máscara de ferro (1998), de Randall Wallace, baseado no romance de Alexandre Dumas;

–As loucuras do rei George (1994), de Nicholas Hytner, adaptação da peça de Alan Bennett;

–O rei pasmado e a rainha nua (1991), de Imanoel Uribe, do romance homônimo de Gonzalo Ballester;

–Ligações perigosas (1988), de Stephen Frears, versão do célebre romance epistolar de Choderlos de Laclos, de 1782.

A HISTÓRIA E OS FILMES HISTÓRICOS - REVOLUÇÃO FRANCESA E PERÍODO NAPOLEÔNICO

Retratando aspectos da REVOLUÇÃO FRANCESA, temos:

–Danton – O processo da Revolução (1982), de Andrzej Wajda: no quarto ano da Revolução Francesa, o líder popular Danton (1759-1794) questiona os excessos do regime do Terror que ajudara a implantar e entra em choque com Robespierre (1758-1794);

–A noite de Varennes (ou Casanova e a Revolução), de 1981, direção de Ettore Scola: passageiros de uma carruagem, entre eles o já velho Giacomo Casanova, discutem sobre o destino da França e da família real, que tenta fugir do país, durante a Revolução Francesa;

–Marat-Sade (1967), de Peter Brook: adaptação da peça de Peter Weiss, mostra a encenação (sob a direção do Marquês de Sade (1740-1814), no hospício de Charenton, onde estava internado) do assassinato do líder radical da Revolução Francesa, Jean-Paul Marat (1743-1793);

–A queda da Bastilha (1935), de Jack Conway: um panorama da Revolução Francesa e a defesa das vítimas do Terror;

–Maria Antonieta (1956), de Jean Delannoy: aspectos da vida amorosa da frívola e sedutora rainha da França, que influenciou seu esposo, Luis XVI, a tomar decisões que levaram à queda da monarquia. Há outro filme sob o mesmo nome (Maria Antonieta), em 1938, dirigido por W. S. Van Dyke, sobre a princesa austríaca que se tornou a rainha da França de 1770 a 1792.

Sobre os acontecimentos ligados à época do PERÍODO NAPOLEÔNICO, algumas produções se destacam:

–Napoleon (1927), de Abel Gance: excelente reconstituição histórica que mostra a carreira de Napoleão Bonaparte (1769-1821) desde a adolescência, em 1780, até a campanha da Itália, em 1796. Com numerosas inovações técnicas introduzidas por Gance, este épico é considerado um marco do cinema. Filmado na época do cinema mudo, o diretor exigiu que os atores pronunciassem as palavras de seus papéis, possibilitando a sonorização do filme em 1934. Não confunda esta inovadora obra com o filme homônimo Napoleão (Napoleón), de 1955, dirigido por Sacha Guitry, uma cinebiografia apenas regular;

–Guerra e paz (1968), de Sergueï Bondarchuk: homônima e fiel adaptação da obra-prima de Tolstói (1828-1910), é um painel da vida russa entre 1805 e 1821, época de grandes acontecimentos históricos. Com custo superior a 100 milhões de dólares e 373 minutos de duração, filme foi o vencedor do Oscar de Filme Estrangeiro de 1968. Bondarchuk também dirigiu, em 1971, Waterloo, filme que mostra a queda de Napoleão na famosa batalha de 18 de junho de 1815, mas que foi alvo de críticas pela falta de homogeneidade do elenco, embora tivesse uma exata reconstituição da luta entre as tropas inglesas e francesas, onde estas perderam cerca de 25 mil homens;

–Madame Walewska (1937), de Clarence Brown: Greta Garbo interpreta a condessa polonesa Maria Walewska (1789-1817), casada com o conde Walewski em 1804, e que foi amante de Napoleão em Varsóvia, em 1807, tendo um filho com ele;

–Monsieur N (2003), de Antoine de Caunes: o mais recente filme sobre Napoleão Bonaparte mostra os últimos anos de vida do general francês como prisioneiro dos britânicos na Ilha de Santa Helena, onde veio a falecer, em 5 de maio de 1821. Cuidadosa reconstituição de época, numa co-produção França/Reino Unido.

Outros filmes cujas ações se passam durante o Período Napoleônico são:

–Os duelistas (1977), de Ridley Scott: um duelo sem fim entre dois soldados franceses que se desentenderam às vésperas das guerras napoleônicas e que permanecem com a obsessão de vencer um ao outro, sempre que seus caminhos se cruzam, durante 15 anos;

–Coronel Chabert (1994), de Yves Ângelo: o drama de um coronel para recuperar sua identidade, sua honra e seu patrimônio, ao voltar para casa após ter sido considerado morto havia 10 anos, nas guerras napoleônicas, e encontrar sua esposa em companhia de outro homem, com quem ela teve duas filhas. Baseado em romance homônimo de Honoré de Balzac.

A HISTÓRIA E OS FILMES HISTÓRICOS - A REVOLUÇÃO RUSSA

Um dos maiores acontecimentos do início do século XX, a Revolução Russa serviu de inspiração para diversos filmes – alguns considerados imperdíveis – que ajudam a compreender as causas que determinaram o fim do regime czarista e a tomada de poder pelos bolcheviques, em outubro de 1917. Entre os mais notáveis, temos:

–O encouraçado Potemkin (1925), de Sergei M. Eisenstein: vinte anos depois da mal sucedida insurreição de 1905 contra o czar Nicolau II (1868-1918), Eisenstein fez este filme, em tom de documentário, onde mostra o motim de marinheiros russos contra as duras condições de vida que levavam no império czarista, o apoio da população civil e de outros navios, e o covarde massacre de populares simpatizantes da causa, na escadaria da cidade portuária de Odessa, por tropas do governo;

–Nicholas e Alexandra (1971), de Franklin J. Schaffner: os últimos anos do império russo e de vida da família imperial, executada pelos revolucionários de 1917, na noite de 16 para 17 de julho de 1918. O amor entre o czar Nicolau II e a czarina Alexandra Fiodorovna, e a influência cada vez maior de Rasputin (1864-1916) nas decisões da corte;

–Outubro (1928), de Sergei M. Eisenstein: inspirado no best-seller do jornalista norte-americano John Reed (1876-1920), Os dez dias que abalaram o mundo (1919), a mais famosa cobertura jornalística da Revolução Russa, filme mostra os grandes acontecimentos de outubro de 1917, a queda do czarismo, o massacre em São Petersburgo, a volta de Lênin etc.;

–Reds (1981), de Warren Beatty: cinebiografia de John Reed, que, junto com sua mulher, Louise Bryant, participou da Revolução Russa de 1917. Filme tem boas sequências épicas e grande impacto emocional;

–A greve (1924), de Sergei M. Eisenstein: em sua primeira obra, Eisenstein mostra uma greve de operários na Rússia czarista de 1912, resultado da inquietação que atingiu a sociedade a partir de 1911, e sua violenta repressão pelo governo;

–Agonia Rasputin (1975), de Elem Klimov: a ascendência escandalosa do corrupto, devasso e astucioso Rasputin (1872-1916) (que tinha uma reputação de homem santo e de curandeiro) como conselheiro da família real, aproveitando-se da fraqueza do czar Nicolau II e da veneração da czarina Alexandra Fiodorovna, que acreditava que ele era o “homem de Deus” destinado a salvar seu filho (hemofílico) e a Rússia. Com imagens documentais reconstituídas, o filme é um panorama da Rússia desde a guerra com o Japão (1904/1905) e mostra o fim da dinastia dos Romanov (Nicolau II foi obrigado a abdicar em março de 1917 e foi deportado para a Sibéria. Em julho de 1918, ele e sua família foram executados).

Em produção feita para a TV, Uli Edel dirigiu, em 1996, Rasputin, que tem lances curiosos sobre o aventureiro que exerceu forte influência no destino da nação russa;

–Anastácia, a princesa esquecida (1956), de Anatole Litvak: a historia de Anastasia, a filha de Nicolau II e Alexandra que teria supostamente sobrevivido à execução de sua família na Rússia de 1917 e reapareceu em Paris dez anos depois. Oscar de melhor atriz para Ingrid Bergman neste excepcional filme;

–Doutor Jivago (1965), de David Lean: baseado no best-seller de Boris Pasternak (1890-1960), conta a odisseia de um médico e poeta aristocrata de ideais liberais, durante a I Guerra Mundial e os primeiros anos da Revolução Russa, quando se apaixona pela mulher de um líder soviético. Filme ganhou cinco Oscar, inclusive o de roteiro.

A HISTÓRIA E OS FILMES HISTÓRICOS – A PRIMEIRA GUERRA MUNDIAL

O conflito deflagrado em 2 de agosto de 1914 e que foi até 1918, fruto de antigas rivalidades imperialistas entre diversas potências europeias (França, Alemanha, Rússia, Grã-Bretanha), serviu de inspiração para alguns bons filmes, que retratam diversos aspectos e consequências da guerra.

Um dos mais notáveis, situado entre as grandes produções do cinema francês dos anos 1930-1940, dentro do chamado “realismo poético”, é A grande ilusão (La grande illusion, 1937), de Jean Renoir, uma obra-prima sobre a guerra e a humanidade e um dos filmes de maior ênfase antibelicista da história do cinema; um clássico com base em fatos reais que conta o drama de três pilotos franceses capturados e suas divergências com o comandante alemão da unidade em que são prisioneiros.

Outro  bom filme é Glória feita de sangue (Paths of glory, 1957), de Stanley Kubrick, sobre as rebeliões e execução de soldados franceses no front durante a I Grande Guerra; general francês envia homens para uma missão suicida e eles, obviamente, fracassam; resolve, então, escolher três inocentes para serem julgados e executados por covardia. Uma violenta sátira aos estados-maiores e seus erros.

Produção típica é Sem novidade no front (All quiet on the western front, 1929/1930), de Lewis Milestone, grande filme pacifista baseado no conto de Erich Maria Remarque, que mostra as experiências e desilusões de jovens soldados germânicos nas trincheiras, durante o conflito de 1914-1918; premiado com o Oscar de filme e diretor.

Ganhador de sete Oscar, Lawrence da Arábia (id., 1962), de David Lean, tem roteiro baseado no livro de Lawrence, Os sete pilares da Sabedoria, de 1926. Thomas Edward Lawrence (1888-1935), conhecido como Lawrence da Arábia, renunciou à carreira de agente político britânico para unir e comandar tropas árabes contra o Império Turco, durante a I Guerra Mundial. Com 206 minutos de duração, o filme mostra impressionantes batalhas no deserto.

Outros filmes que contêm aspectos relacionados à I Guerra Mundial:

–Gallipoli (id., 1981), de Peter Weir: uma amizade destruída pela guerra. Dois promissores jovens corredores tornam-se amigos e, unidos pelo idealismo, alistam-se no exército australiano, sem ter ideia do horror que enfrentariam na trágica batalha de Nek, na península turca de Gallipoli;

–1900 (Novecento, 1977), de Bernardo Bertolucci: centrado na amizade entre dois jovens italianos: um filho bastardo de família camponesa e um herdeiro de ricos latifundiários, este grandioso afresco conta a história da Itália na primeira metade do século XX, percorrendo a I Guerra Mundial, as lutas trabalhistas no país e a ascensão do fascismo;

–Johnny vai à guerra (Johnny got his gun, 1971), de Dalton Trumbo: soldado perde todos os membros nos campos de batalha, além de ter o rosto todo mutilado. Sem poder falar, ver, cheirar ou ouvir, tenta, ainda assim, comunicar-se. Original, perturbadora e comovente mensagem contra os horrores da guerra;

–Sargento York (Sergeant York, 1941), de Howard Hawks: Alvin York servia no corpo médico e era um pacifista consciente, mas, depois de ver um amigo morrer, mudou seu comportamento, matando 25 alemães sozinho e capturando 132, tornando-se, assim, o maior herói dos EUA na I Guerra Mundial;

–Mata Hari (id., 1932), de George Fitzmaurice: a vida de Marguaretha Geertruida Zelle (1876-1917), sedutora dançarina e aventureira holandesa, que se tornou a espiã mais famosa de todos os tempos, a favor da Alemanha, durante a I Grande Guerra;

–Preto e branco em cores (Black and White in color, 1977), de Jean-Jacques Annaud: história engenhosa de um francês que está em um lugar remoto da África, no início da I Grande Guerra, e que, tomado de súbito patriotismo, resolve atacar uma fortaleza alemã próxima. Oscar de melhor filme estrangeiro;

–A ponte de Waterloo (Waterloo bridge, 1940), de Mervyn Leroy: durante a I Guerra Mundial, um casal separado pela guerra. Após se apaixonarem e marcarem casamento, ele parte para a guerra e desaparece nos campos de batalha. Julgando-o morto, ela torna-se prostituta. A volta inesperada dele irá desenrolar uma situação delicada em suas relações;

–Adeus às armas (Farewell to arms, 1932), de Frank Borzage: baseado no romance homônimo de Ernest Hemingway de 1929, conta a história de um soldado americano engajado no exército italiano, durante a I Grande Guerra, que, desobedecendo a ordem de seus superiores, mantém infortunado caso de amor com enfermeira britânica.

Os filmes sobre a I Guerra Mundial são poucos, mas bastante interessantes e com temas diversificados, dando uma ideia geral do que foi aquele histórico conflito.

A HISTÓRIA E OS FILMES HISTÓRICOS – A SEGUNDA GUERRA MUNDIAL

Uma quantidade enorme de filmes tem como assunto o conflito entre as potências democráticas aliadas e as totalitaristas do Eixo, entre 1939 e 1945, e suas consequências. Há produções ótimas, boas, regulares ou sofríveis. Muitas retratam acontecimentos verídicos, outras dão margem à imaginação, até fugindo, por vezes, à verdade histórica. Como nosso principal objetivo é indicar os melhores filmes e dar uma orientação segura ao leitor, resolvemos selecionar somente aqueles que, a nosso ver, estão tipificados como: 1-Imperdíveis; 2-Muito bons; 3-bons. Dois deles, dado o seu conteúdo, são considerados imperdíveis:

–Casablanca (1942), de Michael Curtiz. Obra-prima. Sério candidato a melhor filme hollywoodiano de todos os tempos. Tem de tudo: romance, suspense, intriga, aventura etc. Dono de bar em Casablanca (Humphrey Bogart) reencontra, durante a II Guerra Mundial, mulher com quem manteve intenso romance (Ingrid Bergman), mas ela está casada com um líder da Resistência (Paul Henreid). Num gesto nobre, sacrifica seu amor pela causa, ajudando o casal a escapar do local. Dooley Wilson interpreta o pianista Sam, que toca a inesquecível canção As time goes by. Oscar de filme, roteiro adaptado e diretor;

–A um passo da eternidade (1953), de Fred Zinnemann. Melodrama, sexo, sentimentalismo e ação. A vida dos soldados do exército em acampamento militar em Honolulu, no Havaí, na época do inesperado ataque japonês a Pearl Harbor; o caso entre o sargento (Burt Lancaster) e a esposa do comandante (Debora Kerr), com a famosa cena da praia; o caso do soldado que se apaixonou por uma prostituta. Inesquecíveis cenas de ação. Filme ganhou oito Oscar, inclusive o de ator coadjuvante para Frank Sinatra, que serviu para reerguer sua então decadente carreira. Oscar de filme, diretor, roteiro adaptado, atores coadjuvantes (Donna Reed e Sinatra), som, montagem e fotografia.

Os filmes que consideramos muito bons estão os seguintes:

–A ponte do rio Kwai (1957), de David Lean. Excelente épico de guerra cheio de suspense, ação e ironia. Num campo japonês de prisioneiros de guerra na Birmânia, decidido comandante britânico (Alec Guinness, em espetacular atuação) lidera o grupo de prisioneiros obrigados a construir uma ponte que irá servir aos inimigos e prefere fazê-lo da melhor maneira possível para ressaltar a superioridade e o moral da tropa. O comando aliado, entretanto, instrui um grupo para destruir a obra, o que divide o moral dos soldados. Produção ganhadora de sete Oscar: filme, direção, roteiro, ator (Guinness), montagem, fotografia e trilha sonora (composta por sir Malcolm Arnold, a música-tema Colonel Bogey march continua sendo assoviada e executada até hoje);

–Patton, rebelde ou herói? (1970), de Franklin J. Schaffner. Estudo profundo da carreira do brilhante, vaidoso e polêmico general George S. Patton (1885-1945), notável tático americano da II Guerra Mundial. Filme realista, com magistrais cenas de batalhas, revela detalhes da personalidade marcante de Patton, seu espírito de iniciativa, sua defesa fanática dos ideais nacionalistas e da disciplina, sua preferência pela ofensiva na tática de guerra. O filme ganhou sete Oscar: filme, diretor, ator (George C. Scott, que se recusou a receber o Oscar, denunciando a hipocrisia da Academia), roteiro (Francis Ford Coppola e Edmund H. North), direção de arte, som e montagem;

–A lista de Schindler (1993), de Steven Spielberg. Adaptação do livro do romancista australiano Thomas Keneally (1935-). A história do industrial alemão que teria salvado mais de 1000 judeus poloneses do extermínio, empregando-os em sua fábrica. Uma grandiosa visão do holocausto judeu. Ganhou sete Oscar: filme, roteiro adaptado, diretor, fotografia, direção de arte, montagem e trilha sonora original;

–Black Rain (1989), de Shohei Imamura. O drama e sofrimento de habitantes de Hiroshima com as sequelas da chuva radioativa resultante do bombardeio atômico em 1945. Filme ganhou o prêmio especial da comissão técnica no Festival de Cannes. A propósito, um parêntese: os EUA odeiam quando destroem seus prédios, mas adoram pôr abaixo as construções dos outros (Hiroshima, Nagasaki, Afeganistão, e, recentemente, no Iraque, que é bola da vez);

–Adeus, Meninos (1987), de Louis Malle. Numa França sob dominação alemã, durante a Segunda Guerra, menino de família rica enviado para um colégio católico distante vive o drama da descoberta de sua origem judaica. Filme ganhou o Leão de Ouro no Festival de Veneza;

–O ataque (1986), de Fons Rademakers. No final da Segunda Guerra, garoto de 12 anos sobrevive ao assassinato de sua família pelos nazistas. Ao crescer, as lembranças da tragédia mudam sua vida. Dramática e longa exposição sobre as feridas que uma guerra pode provocar. Oscar de melhor filme estrangeiro;

–A noite de São Lourenço (1982), De Paolo e Vittorio Taviani – A heroica defesa dos singelos moradores de pequeno povoado da Toscana contra os invasores alemães, logo após a entrada da Itália na Segunda Guerra;

–Filhos da guerra (1991), de Agnieszka Holland. Consagrado como herói alemão, jovem vive o drama de esconder sua origem judia. Filme ganhou o Globo de Ouro de melhor filme estrangeiro, mas foi impedido, pelo governo alemão, de concorrer ao Oscar;

–O resgate do soldado Ryan (1998), de Steven Spielberg. Com uma antológica sequência inicial de quase trinta minutos (uma das mais realistas feitas no cinema), Spielberg retrata os horrores da batalha do Dia D (o desembarque das tropas aliadas na Normandia, em 6 de junho de 1944) e o drama de um capitão (Tom Hanks) e seu grupo de soldados, encarregados de localizar um colega de farda em território francês. Filme levou os Oscar de: edição, direção, fotografia, som e efeitos sonoros;

–O paciente inglês (1996), de Anthony Minguella. Versão livre do romance de 1992 do escritor cingalês Michael Ondaatje (1944-), sobre um homem com sérias queimaduras e desmemoriado que sofreu um desastre de avião no deserto africano, durante a II Guerra Mundial, e é tratado por enfermeira canadense (Juliette Binoche), num mosteiro abandonado da Toscana, na Itália. Sua memória volta aos poucos e ele relembra as aventuras passadas no deserto, incluindo um romance adúltero. Ganhou nove Oscar: filme, diretor, fotografia, atriz coadjuvante (Binoche), som, direção de arte, figurinos, música e montagem;

–O mais longo dos dias (1962), de Ken Annakin. Grande épico sobre o desembarque das tropas aliadas nas praias da Normandia, em 6 de junho de 1944;

–Roma, cidade aberta (1945), de Roberto Rosselini. Filme que marca o começo do neorrealismo italiano, mostra a ação da resistência italiana (os Partiggiani) contra os nazistas que ocuparam Roma (entre setembro de 1943 e junho de 1944), declarada “cidade aberta” para não sofrer bombardeios aéreos;

–Duas mulheres (1960), de Vittorio De Sica. A história de uma mãe italiana e sua filha de 13 anos, estupradas por soldados marroquinos aliados, durante a II Guerra Mundial, e a dramática luta das duas pela sobrevivência; Globo de Ouro para o filme e Oscar de melhor atriz para Sophia Loren;

–Julgamento em Nuremberg (1961), de Stanley Kramer. O julgamento de quatro juízes que utilizaram seus cargos para permitir e legalizar os crimes de guerra nazistas contra os judeus na II Grande Guerra. Não confundir este filme com o de Yves Simoneau, O julgamento de Nuremberg (2000), minissérie feita para a TV;

–Os melhores anos de nossas vidas (1946), de William Wyler. Clássico ganhador de sete Oscar. A história de três pracinhas que voltam do front e suas tentativas de adaptar-se à vida civil. Comovente drama sobre os problemas oriundos dos horrores da guerra. Harold Russel, que perdera realmente as mãos numa batalha, tem uma participação extraordinária, lutando para superar sua deficiência física;

–Nosso barco, nossa alma (1942), de Noel Coward. Semidocumentário de exaltação patriótica, sobre o destroier HMS Torrin – afundado por um caça alemão, no mar de Creta – e as memórias de seus sobreviventes;

–Os canhões de Navarone (1961), de Jack-Lee Thompson. A tentativa de um grupo de soldados da resistência para destruir dois enormes e poderosos canhões estrategicamente colocados pelos nazistas em Navarone, uma ilha do Mar Egeu, em 1943;

–Fugindo do inferno (1963), de John Sturges. O audacioso plano de fuga de prisioneiros de um campo de concentração nazista projetado para impedir qualquer tipo de evasão;

–Esperança e glória (1987), de John Boorman. Os primeiros anos da II Grande Guerra, sob o olhar de um menino inglês que vive com sua família em bairro que é alvo de seguidos bombardeios;

–Os doze condenados (1967), de Robert Aldrich. Doze soldados condenados à Corte Marcial aceitam participar de missão arriscadíssima, atrás das linhas inimigas, em troca de liberdade, caso sejam bem-sucedidos;

–Um passeio ao sol (1945), de Lewis Milestone. O aspecto humano da guerra, explorado a partir de um confronto na Itália entre soldados americanos e alemães;

–Noites Calmas (1992), de Keith Gordon. Original produção que mostra a angústia de soldados nazistas e americanos que comemoram juntos a noite de Natal, sabendo que, em breve, os horrores da guerra voltarão a dividi-los;

–Furyo – Em nome da honra (1983), de Nagisa Oshima. Em 1942, o tenso relacionamento entre soldados britânicos prisioneiros e chefes japoneses de campo de concentração em Java é incrementado com a chegada de oficial britânico contrário às regras em vigor;

–E um de nossos aviões não regressou (1942), de Michael Powell. A penosa jornada para retornar à Inglaterra, enfrentada por tripulação de avião da RAF (força aérea britânica) derrubado em território holandês;

–Perdidos na tormenta (1948), de Fred Zinnemann. Impressionante drama sobre a história de um soldado que está cuidando de um sobrevivente de um campo de concentração nazista, enquanto a mãe do rapaz o procura desesperada e aleatoriamente na Berlim do pós-guerra;

–Cinco covas no Egito (1943), de Billy Wilder. A palavra Egypt é a chave para desvendar o segredo das redes de abastecimento de Rommel, descoberta importante para o destino da guerra;

–Mephisto (1981), de István Szabó. Cinebiografia do ator húngaro Gustaf Grundgens, que renegou seus companheiros da Resistência e aderiu, por vaidade, ao nazismo, passando a trabalhar em peças que convinham ao regime hitlerista. Produção com esplêndidas imagens barrocas, levou o Oscar de melhor filme estrangeiro, e o prêmio de roteiro, em Cannes;

–Além da Linha Vermelha (1998), de Terence Malick. O terror da batalha de Guadalcanal cujo resultado influenciará o avanço japonês no Pacífico;

–O pianista (2002), de Roman Polanski. Drama baseado no romance autobiográfico do pianista judeu polonês Wladyslaw Szpilman, obrigado a esconder-se em prédios abandonados de Varsóvia, para fugir do pesadelo nazista. Filme ganhou o Oscar de melhor roteiro adaptado, e a Palma de Ouro em Cannes;

–Amarga sinfonia de Auschwitz (1980), de Daniel Mann. Ganhador do Emmy (o Oscar da TV, nos EUA), vigoroso telefilme sobre duas mulheres que sobrevivem no campo de concentração de Auschwitz, por formarem um conjunto musical cuja qualidade agradou aos nazistas.

Um dos melhores estudos sobre o nazismo é o documentário de Peter Cohen, Arquitetura da destruição (1989), que traça a trajetória de Adolf Hitler (um artista plástico medíocre e frustrado), sob o ponto de vista estético.

Outro bom documentário é Sobreviventes do Holocausto (1995), de Allan Holzman, que aproveitou grande parte da pesquisa feita para o ótimo A lista de Schindler.

Procure ver, ainda, Nos braços de estranhos (2000), de Mark Jonathan Harris, Oscar de melhor documentário de longa-metragem, sobre o envio de crianças judias pelos pais para a Inglaterra, em 1938, para escaparem da opressão nazista.

Fora estas produções, digamos, sérias, você ainda poderá se divertir com a grande sátira a Hitler feita por Charles Chaplin, em 1940: O grande ditador e com o drama de Emir Kusturica: Underground – Mentiras da guerra (1995).

Outras produções de boa qualidade ainda podem ser apreciadas pelos amantes do gênero. São os filmes considerados bons, em nossa classificação:

–Cinzas da guerra (2001), de Tim Blake Nelson; Escapando do inferno (1954), de Guy Hamilton; A vida é bela (1997), de Roberto Benigni; Almas em chamas (1949), de Henry King; Insurreição (2001), de Jon Avnet; Quando os bravos se calam (1998), de John Irvin; Anjos do inferno (1930), de Howard Hugues; A patrulha da madrugada (1938), de Edmund Goulding; A batalha de Guadalcanal (1943), de Lewis Seiler; Pearl Harbor (2001), de Michael Bay; Tora! Tora! Tora! (1970), de Richard Fleicher; Areias de Iwo Jima ou Iwo Jima – O portal da glória (1949), de Allan Dwan; Sahara (1943), de Brian Trenchard-Smith; Império do Sol (1987), de Steven Spielberg; Um canto de esperança (1997), de Bruce Beresford; Fomos os sacrificados (1945), de John Ford; A Cruz de Ferro (1976), de Sam Peckinpah; Sessão especial de justiça (1974), de Costa-Gravas; Massacre em Roma (1973), de George Pan Cosmatos; O julgamento de Nuremberg (2000), feito para a TV; Spitfire (1942), de Leslie Howard; As 200 crianças do dr. Korczac (1990), de Andrzej Wajda; Trinta segundos sobre Tóquio (1944), de Mervyn Leroy; Stalingrado (1992), de Joseph Vilsmaier; Midway (1976), de Jack Smight; Os últimos rebeldes (1992), de Thomas Carter; O início do fim (1989), de Roland Joffé; Os senhores do Holocausto (1989), de Joseph Sargent; O velho fuzil (1975), de Pascal Jardin; MacArthur (1997), de Joseph Sargent; Paralelo 49 (1941), de Michael Powell; Tobruk (1967), de Arthur Hiller; Vá e veja (1984), de Elem Klimov; Um dia de outubro (1990), de Kenneth Madsen; Rosa da Esperança (1942), de William Wyler; Uma cidade sem passado (1989), de Michael Verhoeven; A queda (2004), de Oliver Hirschbiegel.

Com temas ligados à Segunda Grande Guerra, também podem ser vistos:

–Inferno número 17 (1953), de Billy Wilder; Torpedo (1958), de Joseph Pevney; 67 dias (1969), de Zika Mitrovic; Agonia e glória (1980), de Samuel Fuller; O buraco da agulha (1981), de Richard Marquant; Um assunto de mulheres (1988), de Claude Chabrol; A guerra e as crianças (1981), de Sadao Saito; Aimée & Jaguar (1999), de Max Fäberböck.

Um documentário impressionante sobre a II Grande Guerra é Le chagrin et la pitie (The sorrow and the pity), de 1970, de Marcel Ophuls, que questiona a posição de adesão aos nazistas pela França, durante o governo Vichy.

A GUERRA DO VIETNÃ

A Guerra do Vietnã é o mais longo – e um dos mais cruéis – conflito militar acontecido após a II Guerra Mundial, onde os EUA sofreram uma retumbante derrota, apesar de terem investido mais de 250 bilhões de dólares e apelado para o uso de milhões de bombas químicas de alto poder destrutivo, como o napalm, material bélico condenado pelas Nações Unidas.

As perdas norte-americanas na Guerra do Vietnã situaram-se entre 45.900 e 47 mil mortos, mais de 300 mil feridos (ou mutilados) e quase 2 mil desaparecidos. O exército up-to-date  dos EUA rendeu-se (literalmente) à determinação do povo vietnamita, que já havia defenestrado do seu território os colonianistas japoneses e franceses.

A cobertura televisiva maciça do conflito, pela primeira vez na história, serviu para mobilizar a opinião pública americana contrária ao envolvimento do país na guerra.

Entre as fotos que chocaram os americanos e o mundo, está a do comandante Nguyen Loan, do Vietnã do Sul, ao atirar na cabeça de um prisioneiro indefeso e com as mãos amarradas para trás; outra foi a da menina de 9 anos, Kim Phuc, nua, fugindo, com outras crianças igualmente apavoradas, de seu povoado, após ter sido queimada por napalm. Esta é a realidade das guerras. Dirigentes insensíveis e cínicos, refestelados em seus gabinetes refrigerados, mascaram propósitos imperialistas, cultivando uma espécie de “cultura do medo”, apoiada por uma mídia destituída de caráter, e invadem países distantes, provocando uma estúpida mortandade, não só de militares, mas também de civis e crianças inocentes. Temos um exemplo na guerra do Iraque, que, na opinião do democrata John Kerry (que perdeu a eleição para Bush), “é o novo Vietnã”. Felizmente, cineastas lúcidos, cientes do seu importante papel na sociedade, procuram retratar os diversos aspectos negativos que envolvem uma guerra. No caso do Vietnã, temos bons filmes que nos mostram a realidade do conflito:

–Platoon (1986), de Oliver Stone. Retrato emocionante dos horrores da Guerra do Vietnã, feito por jovem soldado, em cartas remetidas para sua avó distante, narrando o inferno vivido por ele e seus companheiros, tentando sobreviver num clima de violência e loucura de uma carnificina sem sentido. Oscar de filme, diretor, montagem e som;

–O franco atirador (1978), de Michael Cimino. Um filme sobre os efeitos causados em um grupo de operários da Pensilvânia pela participação na Guerra do Vietnã. As alegrias e a amizade da partida; as agruras da luta, onde são feitos prisioneiros e obrigados a praticar roleta russa; e a volta, já então psicologicamente destruídos pela brutalidade da guerra. Polêmico filme onde alguns críticos denunciaram a violência visual e os estereótipos raciais. Cinco Oscar: filme, direção, ator coadjuvante (Christopher Walken), som e montagem;

–Apocalypse now redux (1979/2001), de Francis Ford Coppola. Segunda e definitiva versão de Apocalypse now, com 47 minutos a mais que o original e muito mais cenas que mostram os dramas da Guerra do Vietnã e a loucura daí resultante, num filme mais humano e mais profundo;

–Amargo regresso (1978), de Hal Ashby. Visão emocionante dos reais efeitos da Guerra do Vietnã em ex-soldados mutilados. Um filme que deveria ser visto pelos ambiciosos e prepotentes presidentes que insistem em continuar enviando seus compatriotas para guerras inúteis, a fim de utilizar a formidável produção de armamentos de suas indústrias bélicas;

–Nascido para matar (1987), de Stanley Kubrick. Filme antimilitarista que mostra o árduo e cruel treinamento de fuzileiros, e depois suas agruras com os horrores da guerra e o distanciamento de suas famílias;

–Bom dia, Vietnã (1987), de Barry Levinson. Irônico e antimilitarista disc-jóquei de rádio do exército em Saigon revela, com humor, as mentiras e a manipulação dos comunicados militares;

–Os rapazes da Companhia C (1978), de Sidney J. Furie. Bom e vigoroso filme, mostra jovens recrutas às voltas com a rigorosa estupidez do comando militar.

Outros filmes interessantes com temas ligados à Guerra do Vietnã: –Nascido em 4 de julho (1989), de Oliver Stone; –Asas da liberdade (1984), de Alan Parker; –Bat 21 - Missão no inferno (1988), de Peter Markle; –Codiname 84 - A verdade sobre o Vietnã (1988), de Patrick Duncan; –O exército inútil (1983), de Robert Altman; –Tigerland - A caminho da guerra (2000), de Joel Schumacher; –Entre o céu e a terra (1993), de Oliver Stone; –Alucinações do passado (1990), de Adrian Lyne; –Fomos heróis (2002), de Randall Wallace; –Pecados de guerra (1989), de Brian de Palma; –Hamburger Hill (1987), de John Irvin; –De volta para o inferno (1983), de Ted Kotcheff; –Don’t cry, it’s only thunder (1982), de Peter Werner; –Corações e mentes (documentário, 1974), de Peter Davis; –Tambores de Guerra (1980-TV), de Richard T. Heffron; –Guerra de mentiras (1998-TV), de Terry George; –Friendly fire (1979-TV), de David Greene.

“SUPER SIZE ME – A DIETA DO PALHAÇO”

Um soco no estômago e uma mordida no McDonald’s (e em outros fast-foods)

Um dos filmes mais curiosos e extremamente atual, pois trata de uma situação da qual todos nós já participamos algum dia, é o documentário Super size me – A dieta do palhaço (EUA, 2004), uma McOdisseia onde o ator e diretor Morgan Spurlock vira sua própria cobaia, em uma singular experiência: alimentar-se apenas nos restaurantes da rede McDonald’s, durante um mês, realizando três refeições diárias.

Embora dirigido ao povo americano (e sua cultura de fast-food), classificado como o mais obeso do mundo logo no início do documentário (“Americans are the fattest people in the world. Everything’s bigger in America”), não podemos deixar de nos preocupar com uma incipiente epidemia de obesidade que começa a assolar vários países, inclusive o Brasil. Aqui, a cultura do fast-food é plenamente assimilada pelos jovens, alvos principais das propagandas das redes de lanchonetes.

Segundo Spurlock, em entrevista a Meriane Morselli, quando esteve no Brasil:

“O mais assustador é usar as crianças como principais alvos. Os restaurantes do McDonald’s têm playground, vendem brinquedos, veiculam comerciais com personagens infantis – como o palhaço Ronald McDonald – e mesmo assim insistem em culpar os pais por levar os filhos ao local. A companhia gasta US$ 1,4 bilhão em propaganda por ano e alimenta 65 milhões de pessoas todos os dias ao redor do mundo”.

Como costuma dizer o diretor, comida e marketing tendem a ser uma combinação indigesta.

Em Super size, de modo dinâmico, engraçado e por vezes alarmante, ele nos transmite uma mensagem real, que nos induz a pensar e rever nossos hábitos alimentares. Um filme que, acredito, irá se tornar uma referência e, possivelmente, vir a ser um super size cult (ou hit).

Mas, afinal, o que é super size? É um exagerado lanche, maior que o maior que temos no Brasil, mas que deixou de ser servido pela rede estadunidense em 2004, talvez devido à repercussão negativa produzida pelo documentário de Spurlock. Seria preciso andar sete horas seguidas para neutralizar o efeito de uma refeição super size, com fritas, Big Mac e refrigerante, que contém o equivalente a 48 colheres de chá de açúcar.

Nas filiais brasileiras, o Big Mac contém 490 calorias e fornece 31% da gordura que um adulto deve ingerir em um dia.

Trinta dias após o diretor e ator Morgan Spurlock se alimentar exclusivamente com a “McDiet”, o resultado foi catastrófico: ele passou de saudáveis 85 quilos para quase 97. Mas o aumento da gordura corporal foi o menor de seus problemas. Monitorado por uma equipe médica, em exames periódicos, foram constatadas outras alterações em seu organismo: fígado seriamente prejudicado, alterações cardíacas, dores de cabeça, cansaço e, segundo depoimento de sua mulher, dificuldades de ereção. Seus exames só voltaram a se normalizar após oito semanas, num regime de desintoxicação com produtos naturais.

O filme contém várias entrevistas com médicos, nutricionistas, advogados e interessados no estudo das consequências do fast-food.

O diretor (e “McCobaia”) ressalva que o objetivo do seu filme é fazer com que as pessoas atentem para os alimentos que ingerem, adotando uma dieta mais balanceada, e não é irritar ou prejudicar a imagem da rede de lanchonetes McDonald’s, que só foi escolhida por ser a maior e a mais representativa do setor.

Em suma, Super size me é um documentário peso pesado muito bem elaborado, grande demais para se esquecer.

CINEMA E GASTRONOMIA

No Natal e no réveillon, época das ceias e das guloseimas que, simples ou fartas, fazem parte da tradição do povo brasileiro, o pecado da gula mistura-se com as manifestações religiosas, num sincretismo já arraigado à nossa cultura. Como disse um personagem do filme A grande noite (EUA, 1996), “Comer boa comida é permanecer mais perto de Deus”.

Tendo em vista que há cinéfilos que são gourmets ou gourmets que são cinéfilos, dedicamos este capítulo às delícias da boa mesa, retratadas tantas vezes no cinema. São filmes em que a comida faz parte da trama e, metaforicamente, enreda-se a determinados comportamentos humanos, formando uma relação com os sentimentos: comida/arte, comida/amor/paixão, comida/erotismo, comida/humor, comida/alegria de viver, comida/fraternidade, comida/tristeza, comida/gula, comida/sexualidade etc. É a arte visual do cinema deliciando os espectadores, como se pode ver em:

–Vatel – Um banquete para o rei (ING/FRA, 2000), de Roland Joffé: caso típico de gastronomia política, onde um príncipe provinciano endividado promove suntuoso banquete no castelo de Chantilly para impressionar o rei Luiz XIV; Gerard Depardieu interpreta o chef suíço Fritz Carl Vatel (1635-1671), inventor do delicioso creme chantilly;

–O discreto charme da burguesia (FRA/ESP/ITA, 1972), de Luis Buñuel: um suplício tantalizador: seis burgueses são sempre interrompidos durante almoços e jantares, e não conseguem comer nunca as comidas deliciosas que lhes são oferecidas. Divertida sátira, premiada com o Oscar de melhor filme estrangeiro;

–Chocolate (EUA, 2000), de Lasse Hallström: a abertura de uma loja de venda de chocolates em vilarejo francês promove alterações nas relações sociais, despertando desejos, apimentando casamentos e reconciliando pessoas;

–A festa de Babette (DIN, 1988), de Gabriel Axel: um banquete refinado, de dar água na boca, dado a duas irmãs por sua antiga empregada, que acertou na loteria. Comensais de origens diversas descobrem, pela primeira vez, os prazeres da boa mesa, e seus sentimentos afloram;

–O jantar (ITA/FRA, 1998), de Ettore Scola: aspectos do dia a dia da sociedade italiana atual, vistos no comportamento dos frequentadores de tradicional restaurante italiano;

–A mulher do padeiro (FRA, 1938), de Marcel Pagnol: após descobrir a infidelidade de sua mulher, padeiro de pequena cidade perde o interesse em fazer pães, levando o povo camponês a se unir para trazer a adúltera de volta ao seu lar e resolver o problema;

–Parente é serpente (ITA, 1993), de Mario Monicelli: ceia de Natal, que começara tranquila, vira a maior lavagem de roupa suja após a matriarca da família declarar estar muito velha e querer mudar com o marido para a casa de um dos filhos. Veneno puro, daí o nome do filme;

–Tomates verdes fritos (EUA, 1991), de Jon Avnet: (Cuidado! Não é filme do Incrível Hulk sentando numa chapa quente...) – É uma sensível adaptação do romance de Fannie Flagg, Tomates verdes fritos no Café da Parada do Apito, onde, num restaurante de beira de estrada, uma mulher depressiva conhece viúva, mais idosa, cujas memórias são uma lição de vida;

–Vozes distantes (ING, 1988), de Terence Davies: a vida de uma família típica de classe média dos subúrbios de Liverpool (Inglaterra) e a repetição do modelo familiar pelos descendentes que crescem e se casam. Prêmio da crítica do Festival de Cannes;

–A grande noite (EUA, 1996), de Campbell Scott e Stanley Tucci: dois irmãos italianos abrem restaurante em Nova Jersey, nos anos 1950, com a intenção de encantar os fregueses com a genuína cozinha do Velho Mundo, mas não obtêm o sucesso esperado. Resolvem, então, fazer uma “grande noite”, com um banquete para jornalistas e convidados;

–Sabor de paixão (EUA, 2000), de Fina Torres: prato cheio para quem aprecia a bem temperada culinária baiana. Religiosidade africana (oferenda a Iemanjá), sexualidade, paixão/amor e comida entrelaçam-se neste filme, que tem o brasileiro Murilo Benício como protagonista;

–Jantar de despedida (FRA, 1995), de Laurent Bénégui: tradicional restaurante, encerrando suas atividades, promove um último jantar para a família, amigos e vizinhos. Com a câmera mostrando cada detalhe da arte de comer, personagens desfilam suas vidas, profissões, problemas;

–Comer, beber, viver (TAW, 1994), de Ang Lee: os pratos saborosos e a habilidade da preparação da cozinha chinesa, num drama em que o mestre-cuca perde o paladar;

–O amor está na mesa (FRA, 1998), de Jean-Yves Pitoun: história de amor que acontece num típico restaurante três estrelas do interior da França e o estresse do seu proprietário, às voltas com críticos gastronômicos, fiscais e dívidas bancárias;

–O cozinheiro, o ladrão, sua mulher e o amante (ING/FRA/HOL, 1989), de Peter Greenaway: humor negro e nonsense neste filme de atmosfera noir. Mulher de gângster déspota, acobertada pelo cozinheiro, faz amor frequentemente com outro freguês, em dependências de requintado restaurante;

–A comilança (ITA/FRA, 1973), de Marco Ferreri: com cenas escatológicas que causaram escândalo, filme conta a história de quatro homens de meia idade entediados com a vida, que resolvem ir ao máximo do absurdo nos prazeres da mesa (e da cama). E por falar em “comilança”, a esganação está presente em  Carlota Joaquina, princesa do Brasil (BRA, 1995, de Carla Camuratti), onde um d. João VI insaciável não para de comer (depois, em excursão, é obrigado a parar no mato, para “obrar”);

–Como água para chocolate (MEX, 1992), de Alfonso Arau: o exotismo da comida que jovem apaixonada faz e que, magicamente, contagia os comensais, aflorando suas verdadeiras emoções;

–Tampopo – Os brutos também comem spaghetti (JAP, 1986), de Juzo Itami: o empenho de viúva em recuperar economicamente seu restaurante e a busca de uma receita especial de sopa de macarrão, com a ajuda de caminhoneiro excêntrico;

–Meu reino por um leitão (ING, 1985), de Malcolm Mowbray: o racionamento de comida na Inglaterra, em 1947, faz com que uma porca seja disputada avidamente pela população.

Bem, depois de tanta comida, é melhor parar, para que não tenhamos uma indigestão. Entretanto, para os que ainda não se saciaram, menciono mais alguns filmes em que a comida se faz presente: Bagdad Café (ALE, 1988); Arlette (FRA, 1997); Party (POR, 1996); Os vivos e os mortos (EUA/ING, 1987); Faça a coisa certa (EUA, 1989); A van (ING, 1997); Simplesmente Martha (AUS/SUI/ALE/ITA, 2001); Urga – Uma paixão no fim do mundo (RUS/FRA, 1991); A marvada carne (BRA, 1985); As aventuras de Tom Jones (ING, 1963); O açougueiro (FRA/ITA, 1969).

FILME NOIR – O CINEMA SOMBRIO

Como podemos definir o filme noir? Recorrendo ao velho e bom dicionário de francês de nosso tempo de colégio, ali vemos: Noir: negro, triste, melancólico, preto (cor). E foram justamente os críticos franceses que usaram pela primeira vez o termo film noir como definição de determinados filmes produzidos a partir dos anos 1930, como em La chienne (1931), de Jean Renoir e outros como: O fugitivo (1932), de Mervyn Leroy; Fúria (1936), de Fritz Lang; e Vive-se uma só vez (1937), de Fritz Lang.

No final dos anos 1950, o termo foi adotado pelos críticos dos EUA para designar filmes policiais com contrastada fotografia em preto e branco e características especiais, produzidos nos anos 1940 e início dos anos 1950.

Segundo definição da Enciclopédia de Cinema Katz, o noir se refere aos

...filmes hollywoodianos da década de 1940 e começo dos anos 1950, nos quais era retratado o submundo escuro e

sombrio do crime e da corrupção (...) cujos heróis, bem como os vilões, eram cínicos, desiludidos e, frequentemente,

solitários e inseguros, fortemente ligados ao passado e indiferentes quanto ao futuro... abusa de cenas noturnas (internas e

externas), com cenários que sugerem realismo e com uma iluminação que enfatiza as sombras e acentua o clima de

fatalidade.

A. C. Gomes de Mattos, professor de História do Cinema Americano na PUC-RJ, em entrevista ao site Burburinho, esclarece:

O filme noir é um desvio ou evolução dentro do vasto campo do gênero drama criminal que teve seu apogeu

durante os anos 1940 até meados dos anos 1950 e foi uma resposta às condições sociais, históricas e culturais reinantes na América durante a Segunda Guerra Mundial e no imediato pós-guerra. Nele se combinam basicamente as formas da ficção criminal americana produzida por Dashiell Hammett, Raymond Chandler, James M. Cain, Cornell Woolrich e seus descendentes ou semelhantes literários, com um estilo visual inspirado nos filmes expressionistas alemães dos anos 1920.

Como vemos, todo filme noir é em preto e branco, mas nem todo filme em preto e branco é noir. Os elementos inerentes a um filme noir são específicos e nem sempre precisam estar juntos para caracterizá-lo. De um modo geral, temos: um fato criminal; o submundo urbano; violência; erotismo velado; detetive particular durão, solitário e cínico; dramas psicológicos.  O período dos filmes noir termina em meados dos anos 1950, ao sofrer forte concorrência da televisão e dos filmes coloridos. É difícil defini-lo, mas temos uma lista dos melhores e legítimos representantes deste, digamos, subgênero do filme de gângster dos anos 1930:

–À beira do abismo (1946), de Howard Hawks;

–A carta (1940), de William Wyller;

–A dália azul (1946), de George Marshall;

–A dama de Shangai (1948), de Orson Welles;

–A dama fantasma (1944), de Robert Siodmak;

–A embriaguez do sucesso (1957), de Alexander Mackendrick;

–A força do mal (1948), de Abraham Polonsky;

–A marca da maldade (1958), de Orson Welles;

–A montanha dos sete abutres (1951), de Billy Wilder;

–A morte num beijo (1955), de Robert Aldrich;

–A sombra de uma dúvida (1943), de Alfred Hitchcock;

–Alma em suplício (1945), de Michael Curtiz;

–Alma torturada (1941), de Frank Tuttle;

–Almas perversas (1945), de Fritz Lang;

–Amarga esperança (1949), de Nicholas Ray;

–Anjo do mal (1953), de Samuel Fuller;

–Assassinos (1946), de Robert Siodmak;

–Até à vista, querida (1944), de Edward Dmytryk;

–Baixeza (1949), de Robert Siodmak;

–Beijo da morte (1947), de Henry Hathaway, onde um sádico matador joga uma paralítica escada abaixo;

–Brutalidade (1947), de Jules Dassin;

–Capitulou sorrindo (1942), de Stuart Heisler;

–Cidade nua (1948), de Jules Dassin;

–Cinzas que queimam (1952), de Nicholas Ray;

–Com as horas contadas (1950), de Rudolph Maté, um dos mais sinistros filmes noir;

–Confissão (1947), de John Cromwell;

–Corpo e alma (1947), de Robert Rossen;

–Crepúsculo dos deuses (1950), de Billy Wilder;

–Do lodo brotou uma flor (1947), de Robert Montgomery;

–Envolto nas sombras (1946), de Henry Hathaway;

–Farrapo humano (1945), de Billy Wilder;

–Fuga do passado (1947), de Jacques Tourneur;

–Fúria sanguinária (1949), de Raoul Walsh;

–Horas de desespero (1955), de William Wyller;

–Interlúdio (1946), de Alfred Hitchcock;

–Laura (1944), de Otto Preminger, um dos mais românticos filmes noir;

–Mortalmente perigosa (1949), de Joseph H. Lewis;

–No silêncio da noite (1950), de Nicholas Ray;

–O beco das almas perdidas (1947), de Edmund Goulding;

–O caminho da tentação (1948), de André De Toth;

–O grande golpe (1956), de Stanley Kubrick;

–O invencível (1949), de Mark Robson;

–O mensageiro do diabo (1955), de Charles Laughton;

–O segredo das joias (1950), de John Huston;

–O tempo não apaga (1946), de Lewis Milestone;

–O terceiro homem (1949), de Carol Reed;

–Os corruptos (1953), de Fritz Lang;

–Pacto de sangue (1944), de Billy Wilder;

–Pacto sinistro (1951), de Alfred Hitchcock;

–Paixões em fúria (1948), de John Huston;

–Passos na noite (1950), de Otto Preminger;

–Precipícios d’alma (1952), de David Miller;

–Punhos de campeão (1949), de Robert Wise;

–Quando fala o coração (1945), de Alfred Hitchcock;

–Quem matou Vicky? (1941), de Bruce H. Humberstone;

–Rancor (1947), de Edward Dmytryk;

–Relíquia macabra (The maltese falcon), de John Huston, estreou em 1941, mesmo ano em que os EUA entraram na II Guerra Mundial; foi relançado recentemente em DVD com seu nome literal: O falcão maltês;

–Rua sem nome (1948), de  William Keighley;

–Rumo ao inferno (1952), de Richard Fleischer;

–Sombras do mal (1950), de Jules Dassin;

–Um lugar ao sol (1951), de George Stevens;

–Um retrato de mulher (1944), de Fritz Lang;

–Gilda (1946), de Charles Vidor, e um clássico francês de 1954:

–Rififi, de Jules Dassin.

O ciclo destas peculiares produções se encerrou em meados dos anos 1950, mas sua influência se fez notar em filmes mais recentes, chamadas de “neonoir” ou “homenagens ao noir”, por determinados críticos. São eles:

–A honra do poderoso  Prizzi (1985), de John Huston;

–Blade Runner, o caçador de androides (1982), de Ridley Scott;

–Cães de aluguel (1992), de Quentin Tarantino;

–Chinatown (1974), de Roman Polanski;

–Cidade das sombras (1998), de Alex Proyas;

–Coração satânico (1987), de Alan Parker;

–Corpos ardentes (1981), de Lawrence Kasdan;

–Ligadas pelo desejo (1996) de Andy e Larry Wachowski;

–Los Angeles – Cidade proibida (1997), de Curtis Hanson;

–O amigo americano (1977), de Wim Wenders;

–O desespero de Veronica Voss (1981), de Rainer-Werner Fassbinder;

–O destino bate à sua porta (1981), de Bob Rafelson;

–Veludo azul (1986), de David Lynch.

Após mais de cinquenta anos de seus lançamentos, os filmes noir continuam atraentes, pois, como dizem os melhores cinéfilos, filme policial nunca sai de moda e os antigos são os melhores.

OS CLICHÊS NO CINEMA

Antigamente, brincávamos com os títulos de filmes célebres, rebatizando-os com nomes jocosos como O fantópera da asma, O cordame de Notre Cunda, O morro dos uivos ventantes, Levaca da Breda etc. Um humor ingênuo, que combinava com o espírito irreverente, alegre e gozador de nosso povo. Bons tempos e tempos de bons filmes.

De lá para cá, as coisas foram se modernizando e o lado comercial das produções foi-se valorizando. O que constituía sucesso de público começava a ser copiado. Surgiu o clichê ou lugar-comum, que, segundo o Aurélio, é “fórmula, argumento ou ideia já muito conhecida e repisada; coisa trivial; trivialidade. Sinônimo: chavão”. E, no cinema atual, na maioria das vezes, pontifica a célebre frase-chavão do Chacrinha: “nada se cria, tudo se copia”. Mas um determinado tipo de público gosta. E, enquanto alguém estiver gostando, os produtores usam e abusam dos clichês. Há até ingredientes quase obrigatórios nos filmes modernos, como explosões, nudez, sexo, violência e perseguições de carros, com efeitos especiais mirabolantes. A mesmice começa a imperar.

Para dar uma ideia de como a coisa está funcionando, relacionamos alguns dos mais manjadíssimos clichês, que já estamos cansados de ver:

–Bomba deixada pelo vilão só é desarmada no último segundo;

–O vilão tem o trabalho de montar a bomba com fios de cores diferentes e com relógio de tempo, para facilitar o trabalho do herói;

–O herói ou o vilão só ligam a TV na hora exata em que é dada a notícia que lhes interessa; logo após, a desligam;

–Toda luta de espada sempre tem um momento em que os contendores ficam cara a cara, com as espadas cruzadas, e dizem gracinhas um para o outro;

–O carro em que a vítima pretende fugir do monstro nunca pega de primeira;

–Quando um carro avança em alta velocidade por uma rua ou calçada cheia de pedestres, não atinge ninguém, devido à extraordinária agilidade e reflexo das pessoas; mas sempre derruba hidrantes, carrocinhas de ambulantes e cestas de lixo;

–Sistemas de defesa com raios laser cruzados são sempre burlados por assaltantes que entram pelo teto;

–Nos filmes policiais, o investigador sempre vai a um inferninho que tem strip-tease;

–O chefe de polícia geralmente é um negro durão;

–Cartões de crédito e grampos abrem fechaduras;

–Cofres são abertos com uso de estetoscópio;

–Uma pessoa fugindo de alguém sempre tropeça e cai;

–Há sempre vaga para o carro do herói na cidade, bem em frente aonde ele quer ir;

–Os carros devem ser automáticos, pois ninguém tira a mão da direção para passar as marchas;

–Garotos de 10/11 anos que usam óculos são gênios no computador e penetram nos mais fechados sistemas, mas ninguém usa a barra de espaços para digitar;

–Alguém prestes a morrer fala algumas coisas e morre exatamente na hora em que iria revelar o nome do assassino;

–Soldados que revelam sonhos e esperanças aos companheiros de guerra são os primeiros a morrer;

–O parto é sempre natural; nada de cesariana; bebês nascem limpinhos, com o tamanho de dois meses;

–Policiais só solucionam casos após serem suspensos pelo chefe durão, que está sempre receoso da reação do prefeito da cidade, se “aquele” caso não for solucionado;

–As prisões sempre têm um guarda sádico e cruel que atormenta a vida dos presos e que no final se dá mal;

–Ninguém se limpa após fazer sexo; os lençóis são em forma de L: cobrem os seios da mulher e deixam nu o peito do homem; e a mulher, após um sexo selvagem, procura se cobrir imediatamente;

–O preço da corrida de táxi é sempre uma nota tirada ao acaso da carteira, e nunca há troco;

–Todas as casas têm telefone ao lado da cama, que tocam de madrugada para chamar o tira para o serviço; –O herói sempre pensa que já matou o vilão e dá as costas para ele, a fim de confortar a namorada; mas o vilão nunca morre de primeira e volta a atacá-lo. Ele, mesmo de costas, “pressente” a ação do vilão, vira-se e o liquida, agora sim, de vez;

–O vilão, em vez de matar logo o herói em seu poder, explica-lhe tudo o que pretende fazer e coloca-o numa complicada máquina de morte que nunca funciona;

–Armas de fogo são descartáveis: após ficarem sem munição, são jogadas fora;

–Em vez de ligarem o interruptor e iluminar tudo, os heróis preferem usar lanterna em locais perigosíssimos;

–A porta da casa mal-assombrada sempre fecha sozinha;

–Mais de 20 bandidos atirando no herói não conseguem acertá-lo, mas ele consegue liquidar todos com sua certeira pontaria; por sua vez, os inimigos lutadores de artes marciais à sua volta esperam para atacá-lo, um de cada vez;

–Edifícios têm sistema de ventilação total, ideal para alguém se esconder e alcançar qualquer aposento;

–Detetive e mulher esperta brigam o tempo todo, mas ficam juntos no final;

–O café da manhã é gordo, com ovos e bacon, mas os membros da família são magros; após o desjejum, ninguém escova os dentes, saindo apressadamente;

–Os maltrapilhos camponeses medievais têm os dentes perfeitos;

–No cinema americano, o vilão é sempre estrangeiro: nos anos 1940/1950, alemães; nos anos 1960/1970, asiáticos; 1970/1980, soviéticos; a partir de 1990, terroristas do Oriente Médio;

–O herói ferido a tiro no ombro continua a usar o braço; na perna, corre feito uma gazela;

–Carros numa perseguição são indestrutíveis. Batem de todo jeito, quebram obstáculos e não param;

–Medalhas, moedas ou isqueiros de metal no bolso da camisa bloqueiam tiros e salvam a vida do herói;

–Portas trancadas são arrombadas no primeiro pontapé;

–A caravana de carros da polícia só chega quando o herói já resolveu tudo sozinho;

–O dinheiro do roubo cabe certinho na maleta e não sobra espaço vazio;

–Havendo vidraça numa luta, alguém deverá ser arremessado através dela;

–Garotas de óculos e cabelo preso nunca conseguem um par para o baile da faculdade;

–Um policial é sempre o oposto de seu colega de dupla;

–As chamas de uma explosão nunca alcançam o herói, que sempre se joga em direção à câmera;

–Depois de apanhar muito e estar arrasadoramente abatido, o herói ainda consegue reunir forças e dar uma surra no bandido;

–Quando o bandido escapa, sempre aparece um táxi, na hora, onde o mocinho entra e diz: ”Siga aquele carro”.

Vou ficar por aqui. Existem muito mais clichês, mas estes já dão uma ideia do que está acontecendo em várias produções comerciais.

OS PREMIADOS COM O OSCAR

Reunimos neste capítulo os filmes premiados com o Oscar, desde sua criação, em 1927.

A Academia de Artes e Ciências Cinematográficas dos Estados Unidos foi fundada em 19 de março de 1927 por 36 personalidades do cinema, entre elas Mary Pickford, Darryl Zanuck, Louis B. Mayer, Jack L. Warner, Irving Thalberg, Norma Shearer, Douglas Fairbanks (seu primeiro presidente) e Cedric Gibbons, o desenhista da estatueta.

A primeira cerimônia de premiação aconteceu em 16 de maio de 1929, no Roosevelt Hotel, em Hollywood, para filmes produzidos entre meados de 1927 e meados de 1928.

A estatueta é de estanho e cobre, folheada a ouro, com 33,75cm e pesa 3,85kg.

A festa de entrega do Oscar não muda. Repetindo-se a cada ano, mostra o indefectível tapete, aqueles sorrisos estáticos, roupas extravagantes, piadinhas para americanos, números musicais sonolentos e lentidão de apresentação, porém num cenário rico e exuberante que deixa extasiados os telespectadores de todo o mundo.

A lisura da premiação é o seu ponto forte. Votos são conferidos e tabulados secretamente por uma empresa de auditoria e os resultados só são conhecidos na hora da abertura dos envelopes.

Refletindo o estado de espírito de Hollywood, o Oscar foi para...

–1927-1928 – Asas (Wings) – Direção de William Wellman. A história de dois rapazes apaixonados pela mesma moça e que se alistaram para combater na I Guerra Mundial. Destaque para os efeitos especiais revolucionários na sequência de combates aéreos. Oscar de filme;

–1928-1929 – Melodia da Broadway (Broadway melody) – Direção de Harry Beaumont. Primeira autêntica comédia musical a ganhar o Oscar de melhor filme. Duas irmãs à procura da fama enamoram-se por charmoso cantor-dançarino. Do filme consta até uma sequência em cores. Oscar de filme;

–1929-1930 – Sem novidade no front (All quiet on the Western front) – Direção de Lewis Milestone. Grande filme pacifista, baseado no conto de Erich Maria Remarque, mostra as experiências e desilusões de jovens soldados germânicos durante o conflito de 1914-1918. Oscar de filme e diretor;

–1930-1931 – Cimarron (idem) – Direção de Wesley Ruggles. Saga de uma família americana em sua corrida para o Oeste. Oscar de filme e roteiro;

–1931-1932 – Grande Hotel (Grand Hotel) – Direção de Edmund Goulding. Filme que reuniu Greta Garbo, Joan Crawford, John Barrymore, Wallace Beery, Lionel Barrymore, Lewis Stone e outros, em uma série de dramas interligados num hotel de Berlim onde “nada acontecia”… Oscar de filme;

–1932-1933 – Cavalgada (Cavalcade) – Direção de Frank Lloyd. Nostálgica  e chorosa reconstituição da vida de duas famílias inglesas, do final do século XIX até o início dos anos 1930; dura crítica da guerra e dos sobressaltos dela advindos. Oscar de filme, diretor e decorações interiores;

–1934 – Aconteceu naquela noite (It happenned one night) – Direção de Frank Capra. Clássica comédia romântica, foi o primeiro filme a ganhar os cinco principais Oscar: filme, ator, atriz, diretor e roteiro. Rica (e mimada) herdeira (Claudette Colbert) foge de casa, conhece num ônibus um tipo bonitão (Clark Gable), viajam pelo país e ela vai apaixonando-se e descobrindo a vida, sem saber que ele é um repórter e pretende escrever sobre a história de sua fuga;

–1935 – O grande motim (Mutiny on the Bounty) – Direção de Frank Lloyd. Adaptação do romance de Charles Nordhoff e James Norman Hall sobre o motim contra o sádico, provocador e tirânico capitão Bligh (Charles Laughton, em espetacular atuação), numa viagem do HMS Bounty pelos mares do Sul. Oscar de filme;

–1936 – Ziegfeld, o criador de estrelas (The great Ziegfeld) – Direção de Robert Z. Leonard. Delirante biografia do extravagante empresário Florenz Ziegfeld, com inusitadas cenas de dança. Oscar de filme e direção de dança;

–1937 – Emile Zola (The life of Emile Zola) – Direção de William Dieterle. Considerado o melhor dos filmes biográficos dos anos 1930. Exata biografia do famoso escritor francês do século XIX, desde sua juventude até a velhice. Sua luta contra a injustiça e sua defesa do capitão Alfred Dreyfus, vítima do antissemitismo e erroneamente exilado sob a falsa acusação de traição. Oscar de filme, roteiro e ator coadjuvante;

–1938 – Do mundo nada se leva (You can’t take it with you) – Direção de Frank Capra. Adaptação de um sucesso da Broadway, é um peculiar filme de Capra, que procura, de modo bem-humorado, uma mistura de idealismo e sentimentalismo, mostrando a revolução que se processa nas famílias de dois namorados que anunciam seu desejo de casar. Oscar de filme e diretor;

–1939 - ...E o vento levou (Gone with the wind) – Direção de Victor Fleming. Em quase quatro horas de filme (222 minutos), a saga da bela e decidida sulista Scarlett O’Hara por ocasião da Guerra Civil americana. Uma epopeia romântica meticulosamente produzida por David O. Selznick. Trilha sonora memorável. Oscar de filme, diretor, roteiro, fotografia, atriz (Vivien Leigh), atriz coadjuvante (Hattie McDaniel), montagem e direção de arte;

–1940 – Rebecca, a mulher inesquecível (Rebecca) – Direção de Alfred Hitchcock. Primeiro filme americano de Hitchcock. Bela produção do romance gótico de Daphne du Maurier. Garota tímida se casa com um nobre britânico, dono de enorme mansão e passa a ser atormentada pela cruel e sinistra governanta, que cultua a memória da primeira esposa de seu patrão, Rebecca. Oscar de filme e fotografia;

–1941 – Como era verde o meu vale (How green was my valley) – Direção de John Ford. Ganhador de cinco Oscar, num ano em que tivemos Cidadão Kane, Adorável vagabundo e Relíquia macabra. Com um belíssimo cenário e excelente direção, mostra as alegrias e tristezas de uma família de mineradores de carvão no País de Gales. Oscar de filme, diretor, ator coadjuvante (Donald Crisp), fotografia e direção de arte;

–1942 – Rosa de esperança (Mrs. Miniver) – Direção de William Wyler. Feito em plena II Guerra Mundial, um filme que teve o poder de levantar o brio do público americano. Dona-de-casa de família de classe média inglesa que aprende a lutar com a guerra, parando seus afazeres apenas para capturar um piloto nazista enquanto o marido resgata a BEF (Força Expedicionária Britânica), em Dunquerque. Oscar de filme, diretor e atriz (Greer Garson), entre outros;

–1943 – Casablanca (idem) – Direção de Michael Curtiz. Obra-prima. Sério candidato a melhor filme hollywoodiano de todos os tempos. Tem de tudo: romance, suspense, intriga, aventura etc. Dono de bar em Casablanca (Humphrey Bogart) reencontra, durante a II Guerra Mundial, mulher com quem manteve intenso romance (Ingrid Bergman), mas ela está casada com um líder da Resistência (Paul Henreid). Num gesto nobre, sacrifica seu amor pela causa, ajudando o casal a escapar do local. Dooley Wilson interpreta o pianista Sam, que toca a inesquecível As time goes by. Oscar de filme, roteiro adaptado e diretor;

–1944 – O bom pastor (Going my way) – Direção de Leo McCarey. História sentimental de um jovem padre que é designado para a paróquia de um bairro pobre de Nova York e cujas ideias avançadas entram em choque com o conservadorismo ali existente. Oscar de filme, diretor, ator (Bing Crosby), ator coadjuvante (Barry Fitzgerald) e canção (Swinging on a star);

–1945 – Farrapo humano (The lost weekend) – Direção de Billy Wilder. Um drama profundo sobre o alcoolismo. Excelente performance de Ray Milland no papel de um escritor, que dominado pelo vício chega a ponto de penhorar sua máquina de escrever para comprar bebida, e até roubar. Oscar de filme, diretor, ator (Milland) e roteiro;

–1946 – Os melhores anos de nossas vidas (The best years of our lives) – Direção de William Wyler. Clássico ganhador de sete Oscar, conta a história de três pracinhas que voltam ao lar após a II Guerra Mundial e suas tentativas de adaptar-se à vida civil. Comovente drama sobre os problemas decorrentes dos horrores da guerra. Harold Russel, que perdera realmente as mãos na guerra, tem uma participação extraordinária, lutando para superar sua deficiência física. Oscar de filme, diretor, ator (Fredric March), montagem, ator coadjuvante (Russel), roteiro e trilha sonora;

–1947 – A luz é para todos (Gentleman’s agreement) – Direção de Elia Kazan. Repórter finge que é judeu a fim de fazer reportagem sobre o antissemitismo. Oscar de filme, diretor, atriz coadjuvante (Celeste Holm);

–1948 – Hamlet (idem) – Direção de Laurence Olivier. A mais famosa caracterização da peça de Shakespeare sobre o príncipe dinamarquês que se finge de louco e que deseja vingar a morte do pai. Ótima fotografia e brilhante trilha sonora, em 153 minutos de filme. Oscar de filme, ator (Olivier), direção de arte e figurinos;

–1949 – A grande ilusão (All the king’s men) – Direção de Robert Rossen. A ascensão e a queda de um político idealista do interior dos EUA que foi transformado, pelas artimanhas da política, num corrupto demagogo. Oscar de filme, ator (Broderick Crawford), atriz coadjuvante (Mercedes McCambridge);

–1950 – A malvada (All about Eve) – Direção de Joseph L. Mankiewicz. Brilhantemente realizado, mostra Bette Davis no mundo do teatro, perfeita no papel da atriz Margo Channing, que protege uma aparentemente adorável fã, Eve Harrington, e cedo é traída por ela, que é, na realidade, astuciosa e calculista. Seis Oscar, incluindo: filme, diretor, roteiro e ator coadjuvante (George Sanders);

–1951 – Sinfonia de Paris (An american in Paris) – Direção de Vincente Minnelli. Considerado um dos maiores musicais de todos os tempos, ganhou os Oscar de filme, roteiro e história, direção de arte, trilha sonora, figurino e fotografia. Uma visão cativante e romântica de Paris. O romance entre um ex-soldado americano que está estudando pintura na cidade e que se apaixona por jovem e solitária balconista, vivida pela bailarina Leslie Caron, em seu primeiro filme no cinema. Na trilha sonora vencedora, uma seleção de canções de George e Ira Gershwin, como: Our love is here to stay, ‘S wonderful, I got rhythm, By Strauss, Embraceable you, e outras. No final do filme, um balé soberbo, com duração de 18 minutos, deu um Oscar especial ao coreógrafo e protagonista, Gene Kelly;

–1952 – O maior espetáculo da Terra (The greatest show on Earth) – Direção de Cecil B. DeMille. Superprodução abordando dramas, sonhos e realizações dos artistas de circo, com muitos números circenses. Oscar de filme e argumento;

–1953 – A um passo da eternidade (From here to eternity) – Direção de Fred Zinnemann. Melodrama, sexo, sentimentalismo e ação. A vida dos soldados do exército em acampamento militar em Honolulu, no Havaí, na época do inesperado ataque japonês a Pearl Harbor; o caso entre o sargento (Burt Lancaster) e a esposa do comandante (Debora Kerr), com a famosa cena da praia; o caso do soldado que se apaixonou por uma prostituta. Inesquecíveis cenas de ação. Filme ganhou oito Oscar, inclusive o de ator coadjuvante para Frank Sinatra, que serviu para reerguer sua então decadente carreira. Oscar de filme, diretor, roteiro adaptado, atores coadjuvantes (Donna Reed e Sinatra), som, montagem e fotografia;

–1954 – Sindicato de Ladrões (On the waterfront) – Direção de Elia Kazan. Os conflitos entre os estivadores e a máfia que organiza e explora o trabalho nas docas de Nova York. Marlon Brando é o truculento ex-lutador que é guarda-costas do sindicato dos estivadores. Oito Oscar: filme, diretor, ator (Brando), atriz coadjuvante (Eva Marie Saint), fotografia, roteiro, direção de arte e montagem;

–1955 – Marty (idem) – Direção de Delbert Mann. Açougueiro solitário do Bronx (Ernest Borgnine) conhece e se apaixona por uma singela professora (Betsy Blair). Um roteiro original da TV, adaptado para o cinema por Paddy Chayefsky, mostra um delicado estudo do comportamento das pessoas comuns. Oscar de filme, diretor, roteiro e ator (Borgnine);

–1956 – A volta ao mundo em 80 dias (Around the world in 80 days) – Direção de Michael Anderson e Kevin McClory. Grandiosa produção, baseada em história de Júlio Verne sobre a aposta feita por um nobre inglês de que conseguiria dar a volta ao mundo em um balão em 80 dias. Com um elenco all-star, é uma produção rica, embora monótona em alguns trechos. Levou os Oscar de filme, trilha sonora (Victor Young), fotografia, roteiro adaptado e montagem;

–1957 – A ponte do rio Kwai (The bridge on the river Kwai) – Direção de David Lean. Excelente épico de guerra cheio de suspense, ação e ironia. Num campo japonês de prisioneiros de guerra na Birmânia, decidido comandante britânico (Alec Guinness em espetacular atuação) lidera o grupo de prisioneiros obrigados a construir uma ponte que irá servir aos inimigos e prefere fazê-lo da melhor maneira possível para ressaltar a superioridade e o moral da tropa. O comando aliado, entretanto, instrui um grupo para destruir a obra, o que divide o moral dos soldados. Este filme ganhou sete Oscar: filme, direção, roteiro, ator (Guinness), montagem, fotografia e trilha sonora (composta por sir Malcolm Arnold, a música-tema Colonel Bogey march continua sendo assoviada e executada até hoje);

–1958 – Gigi (idem) – Direção de Vincente Minnelli. Grande musical da MGM, conta a história de uma jovem francesa (Leslie Caron) que é treinada por sua tia para ser uma cortesã, mas que acaba conquistando o amor do homem de quem deveria ser simples amante. Versão amenizada de um romance da escritora francesa Colette, levou nove Oscar da Academia: filme, roteiro, fotografia, direção de arte, figurino, montagem, trilha sonora e canção (Gigi). Maurice Chevalier interpretou, entre outras, Thank heaven for little girls e levou um Oscar honorário;

–1959 – Ben-Hur (idem) – Direção de William Wyler. Produção de 15 milhões de dólares, conta a epopeia do príncipe judeu Judah Ben-Hur (Charlton Heston), no início da Era Cristã. Quando se torna adulto, Judah entra em conflito com seu amigo de infância, o tribuno romano Messala (Stephen Boyd) que o escraviza e o manda para as galés. Após salvar um nobre romano (Jack Hawkins) durante uma batalha naval, é adotado por ele, volta a Jerusalém, derrota Messala em uma corrida de bigas e salva sua mãe e irmã que tinham contraído a lepra (depois curadas por Cristo por ocasião da crucificação). O grande momento do filme é a corrida de bigas, coordenada pelos especialistas em segundas unidades Yakima Canutt e Andrew Marton. Filme recordista em número de Oscar (11): filme, diretor, ator (Heston), ator coadjuvante (Hugh Griffith), fotografia, direção de arte, som, efeitos especiais, trilha sonora, figurinos e montagem;

–1960 – Se meu apartamento falasse (The apartment) – Direção de Billy Wilder. Funcionário solitário e ambicioso (Jack Lemmon) acha um meio de melhorar sua carreira na companhia onde trabalha: emprestar a chave do seu apartamento aos chefes, para encontros amorosos. Só que ele se apaixona pela ascensorista (Shirley MacLaine) que está envolvida com o chefão (Fred MacMurray) e a tática se torna um suplício. Admirável comédia-drama, misturando sentimentos e um delicioso cinismo, ganhou os Oscar de: filme, diretor, roteiro original, coreografia e montagem;

–1961 – Amor, sublime amor (West Side story) – Direção de Robert Wise e Jerome Robbins. Grande musical, o filme evoca a história de Romeu e Julieta, em frenética adaptação transplantada para as ruas de Nova York nos anos 1950. Homem descendente de italianos (Richard Beymer) se apaixona por mulher descendente de porto-riquenhos (Natalie Wood). Gangues preconceituosas lutam entre si e procuram impedir a concretização da união dos dois enamorados. Filme ganhador de 10 Oscar: filme, direção, ator coadjuvante (George Chakiris), atriz coadjuvante (Rita Moreno), fotografia, figurinos, montagem etc. O ponto alto do filme é a coreografia de Robbins, que ganhou um Oscar especial;

–1962 – Lawrence da Arábia (Lawrence of Arábia) – Direção de David Lean. Ganhador de sete Oscar. O roteiro de Robert Bolt e Michael Wilson baseou-se no livro de Lawrence, Os sete pilares da sabedoria, de 1926. Thomas Edward Lawrence (1888-1935), conhecido como Lawrence da Arábia, renunciou à carreira de agente político britânico para unir e comandar tropas árabes contra o império turco, durante a I Guerra Mundial. O filme, com 206 minutos de duração, mostra inesquecíveis cenas de batalhas no deserto;

–1963 – As aventuras de Tom Jones (Tom Jones) – Direção de Tony Richardson. Ardente e indecorosa adaptação do romance realista de Henry Fielding (1707-1754), passado na turbulenta Inglaterra do século XVIII. A história de Tom Jones. Ao nascer, filho de empregados é adotado por nobre inglês; quando adulto, passa a ter uma vida de aventuras desventuras e diversão com mulheres. Ganhou os Oscar de filme, direção, roteiro e trilha sonora;

–1964 – Minha bela dama (My fair lady) – Direção de George Cukor. Agradável versão musical da peça Pigmalião, de George Bernard Shaw (1856-1950), encenada em 1913 e publicada em 1916. É a história de um professor de fonética que, a fim de ganhar uma aposta, treina uma humilde e ignorante florista para tornar-se uma dama da sociedade. Ganhou oito Oscar, incluindo: filme, diretor, ator (Rex Harrison), fotografia, figurinos, trilha sonora adaptada (Andre Previn) e direção de arte;

–1965 – A noviça rebelde (The sound of music) – Direção de Robert Wise. Às vésperas da II Guerra Mundial, noviça sai do convento para ser governanta e cuidar dos sete filhos de severo aristocrata austríaco antinazista. Acaba se apaixonando e casando com ele. Os filhos se tornam um conjunto vocal famoso, mas têm de escapar da Áustria após a Anexação (o filme é baseado na vida real da família Von Trapp, que saiu da Áustria em 1938 para escapar dos nazistas). Embora um tanto piegas, há que se ressaltar a trilha sonora de Richard Rodgers e Oscar Hammerstein II, romântica e agradável. Oscar de filme, direção, trilha sonora adaptada, montagem e som.

–1966 – O homem que não vendeu sua alma (A man for all seasons) – Direção de Fred Zinnemann. Baseado na obra de Robert Bolt, Um homem para todas as estações (1961), sobre a vida de Thomas More. Acreditando que sua mulher, Catarina de Aragão, não seria capaz de gerar um herdeiro à Coroa, o rei Henrique VIII decide romper com a Igreja e se divorciar para se casar com Ana Bolena, mas Thomas More, seu chanceler, mantém-se fiel a seus princípios e, corajosamente, recusa-se a apoiar a decisão. Ganhador de seis Oscar: filme, diretor, ator (Paul Scofield, como More), roteiro (Robert Bolt), fotografia e figurinos;

–1967 – No calor da noite (In the heat of the night) – Direção de Norman Jewison. Xerife racista do sul dos EUA reluta em aceitar ajuda de detetive negro que chegou à cidade para elucidar o caso de um bizarro assassinato. Cinco Oscar: filme, ator (Rod Steiger), roteiro, montagem e som;

–1968 – Oliver (Oliver!) – Direção de Carol Reed. Superprodução adaptada do musical de Lionel Bart, baseada no clássico conto Oliver Twist, de 1838, de Charles Dickens. A história do garoto órfão que foge de tirânico orfanato e se junta a uma gangue de menores de rua, comandados pelo rude e terrível Fagin. Filme ganhador de seis Oscar, incluindo: filme, diretor, direção de arte, trilha sonora (com destaque para a canção Consider Yourself, com os meninos de Fagin) e um prêmio especial para Onna White (Coreografia). – Há uma versão ainda mais apurada da obra de Dickens, filmada em 1948 por David Lean: Oliver Twist, que retrata com mais fidelidade o pensamento do grande escritor, mostrando o lado aproveitador da Londres do século XIX;

–1969 – Perdidos na noite (Midnight cowboy) – Direção de John Schlesinger. Caipira texano de boa aparência (Jon Voight) vai para Nova York acreditando que poderá ganhar a vida como garoto de programa. Faz estranha ligação afetiva com um marginal trambiqueiro e tuberculoso (Dustin Hoffman) e começa a descobrir a face cruel da vida, ao envolver-se em episódios insólitos que terminarão de modo dramático. Por sua conotação sexual, o filme foi considerado forte para a época e figura entre os primeiros que conseguiram romper a censura dos anos 1960. Ganhou três Oscar: filme, diretor e roteiro (Waldo Salt). Embora de grande sucesso, a trilha sonora nada ganhou;

–1970 – Patton, rebelde ou herói? (Patton) – Direção de Franklin J. Schaffner. Estudo profundo da carreira do brilhante, vaidoso e polêmico general George S. Patton (1885-1945), notável tático americano da II Guerra Mundial. Filme realista, com magistrais cenas de batalhas, revela detalhes da personalidade marcante de Patton, seu espírito de iniciativa, sua defesa fanática dos ideais nacionalistas e da disciplina, sua preferência pela ofensiva na tática de guerra. O filme ganhou sete Oscar: filme, diretor, ator (Scott, que se recusou a receber o Oscar, denunciando a hipocrisia da Academia), roteiro (Francis Ford Coppola e Edmund H. North), direção de arte, som e montagem;

–1971 – Operação França (The french connection) – Direção de William Friedkin. Com locações reais em Nova York, é um grande filme de ação, baseado em um livro de Robin Moore inspirado em um caso real. Mostra, de forma nua e crua, a atuação de dupla de policiais (Gene Hackman – como Jimmy “Popeye” Doyle – e seu parceiro, Roy Scheider) no violento combate a refinado narcotraficante francês (Fernando Rey) que começa a estender sua organização nos EUA. Ficou célebre a fantástica cena de perseguição de automóveis, uma das melhores até hoje filmadas. Ganhador de cinco Oscar: filme, diretor, ator, roteiro adaptado e montagem;

–1972 – O poderoso chefão (The godfather) – Direção de Francis Ford Coppola. Baseado no best-seller de Mario Puzo (O chefão, 1969), com brilhante direção e elenco impecável, registra a saga da famiglia Corleone, nos Estados Unidos dos anos 1940 e 1950, e sua luta com outros grupos mafiosos pelo controle de negócios ilegais, com destaque para a ascensão de Michael Corleone (Al Pacino), filho do patriarca Don Vito Corleone (Marlon Brando, em excelente atuação). Um grandioso filme, de  proporções épicas, com várias sequências clássicas e memorável música de Nino Rota. Ganhou os Oscar de filme, roteiro e ator principal (Brando, que se recusou a receber);

–1973 – Golpe de mestre (The Sting) – Direção de George Roy Hill. Na Chicago dos anos 1930, dois trapaceiros (Robert Redford e Paul Newman) se unem e armam um plano complicado para dar um golpe num poderoso gangster (Robert Shaw), a fim de vingar a morte de um amigo, assassinado por ele. Grande sucesso de bilheteria. Ganhou sete Oscar: filme, diretor, cenografia, roteiro, figurinos, trilha musical e montagem;

–1974 – O poderoso chefão II (The godfather II) – Direção de Francis Ford Coppola. Coisa difícil de acontecer, esta segunda parte, uma obra prima independente, é ainda melhor que o original, completando a história da famiglia Corleone de modo emocionante e com detalhes sobre a conduta dos personagens. Após a morte de Don Vito Corleone, o filho Michael (Al Pacino) assume o controle do império da famiglia e vai enfrentar perseguições de outros mafiosos e do governo federal, em virtude de sua atuação em negócios ilícitos. O início da saga do império Corleone é mostrada em importantes flashbacks durante a narrativa. Ganhou seis Oscar: filme, diretor, roteiro adaptado, ator coadjuvante (Robert De Niro, como o jovem Vito Corleone), direção de arte e trilha sonora;

–1975 – Um estranho no ninho (One flew over the cuckoo’s nest) – Direção de Milos Forman. Condenado esperto (Jack Nicholson) se finge de louco para ser transferido para manicômio. Lá, se defronta com a tirania da enfermeira-chefe (Louise Fletcher), que trata os pacientes de modo cruel. Diante do absurdo da situação, incita os internos a se rebelarem junto com ele. Parábola feroz da forma de vida de um hospício do Oregon, ao mesmo tempo divertida e apavorante, vencedora de cinco Oscar: filme, diretor, ator (Nicholson), atriz (Fletcher) e roteiro;

–1976 – Rocky, um lutador (Rocky) – Direção de John G. Avildsen. Pintura  sinistra e ufanista do mundo do boxe. Boxeador medíocre (Sylvester Stallone), incentivado pela mulher (Talia Shire), treinador (Burguess Meredith) e amigos, aceita desafio de lutar contra o campeão mundial e se recupera de sua fase decadente. Oscar de filme, direção e montagem;

–1977 – Noivo neurótico, noiva nervosa (Annie Hall) - Direção de Woody Allen. Baseado no romance real do diretor Woody Allen com a atriz do filme, Diane (apelido Annie) Keaton (nome verdadeiro Hall), o filme mostra o engraçado e confuso relacionamento de um cômico judeu nova-iorquino neurótico (papel típico de Woody Allen) e uma garota oriunda do Meio-Oeste americano. Oscar de filme, atriz (Diane Keaton), direção e roteiro;

–1978 – O franco atirador (The deer hunter) – Direção de Michael Cimino. Um filme sobre os efeitos causados em um grupo de operários da Pensilvânia pela participação na guerra do Vietnã. As alegrias e a amizade da partida; as agruras da luta, onde são feitos prisioneiros e obrigados a praticar roleta russa; e a volta, já então psicologicamente destruídos pela brutalidade da guerra. Polêmico filme onde alguns críticos denunciaram a violência visual e os estereótipos raciais. Cinco Oscar: filme, direção, ator coadjuvante (Christopher Walken), som e montagem;

–1979 – Kramer versus Kramer (Kramer vs. Kramer) – Direção de Robert Benton. Tudo a ver com algumas relações familiares dos tempos modernos, onde a liberação feminina e o divórcio propiciaram mudanças de comportamento nos homens e nas mulheres. Mulher (Meryl Streep) abandona marido (Dustin Hoffman) que consegue, temporariamente, a custódia do filho do casal e é obrigado a continuar trabalhando e, também, a cuidar da criança de 7 anos. Alguns meses depois, ela volta para tentar recuperar o filho. Seguem-se cenas comuns de tribunal, acompanhadas de um sentimentalismo que comoveu as plateias e a Academia de Hollywood. Resultado: cinco Oscar: filme, diretor, ator (Hoffman), atriz coadjuvante (Streep) e roteiro adaptado;

–1980 – Gente como a gente (Ordinary people) – Direção de Robert Redford. Impressionante estreia de Redford como diretor que foi logo ganhando o Oscar por sua soberba e sensível adaptação do romance de Judith Guest. A desintegração tensa e sofrida de uma família de classe média alta, após a morte de seu primogênito. O filho caçula (Timothy Hutton) sente-se culpado pela morte acidental do irmão e, desprezado pela mãe, busca ajuda psiquiátrica para evitar sua tendência ao suicídio, começando a descobrir detalhes sobre si mesmo e sua relação com a família. Quatro Oscar: filme diretor, roteiro (Alvin Sargent) e ator coadjuvante (Timothy Hutton);

–1981 – Carruagens de fogo (Chariots of fire) – Direção de Hugh Hudson. Num ano em que o excelente Caçadores da arca perdida concorria ao Oscar, a zebra baixou em Hollywood: a obra de Hudson levou o Oscar de melhor filme. Em outros aspectos, entretanto, ela tem seus predicados: um belo visual, trilha sonora emocionante e ótimo roteiro. A ação se passa na Inglaterra dos anos 1920. Um filho de missionário escocês e um estudante judeu disputam a medalha de ouro das Olimpíadas de 1924. Baseada em fatos reais, a trama mostra as razões diferentes pelas quais lutam, suas emoções, frustrações e problemas. Oscar de filme, roteiro (Colin Welland), trilha sonora (Vangelis) e figurinos (Milena Canonero);

–1982 – Gandhi (idem) – Direção de Richard Attenborough. Grandiosa biografia épica de Mohandas Karamchand Gandhi (1869-1948), o extraordinário líder político e espiritual, adepto da não-violência e que levou a Índia a libertar-se do domínio inglês. Perfeita atuação do ator britânico Ben Kingsley no papel-título. Filme levou oito Oscar: filme, ator, diretor, roteiro (John Briley e Attenborough), montagem, direção de arte, vestuário e cinematografia;

–1983 – Laços de ternura (Terms of endearment) – Direção de James L. Brooks. Melodrama amargo e comovente mostra um complicado relacionamento de 30 anos entre mãe (Shirley Maclaine) e filha (Debra Winger), suas brigas, reconciliações e amores, num misto de humor e sofrimento. Os problemas aumentam com a chegada de um ex-astronauta mulherengo (Jack Nicholson) que vive de glórias passadas. Oscar de filme, diretor, atriz (Maclaine), ator coadjuvante (Nicholson) e roteiro adaptado;

–1984 – Amadeus (idem) – Direção de Milos Forman. Adaptação de uma peça de Peter Shaffer sobre a vida do grande compositor austríaco Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791), ressalta a perseguição que este sofreu por parte de seu rival, o invejoso Antonio Salieri (1750-1825), compositor oficial da corte do imperador José II. De acordo com a história, Salieri levou Mozart à morte pelo excesso de trabalho (a peça de Shaffer, no entanto, é criticada por alteração de fatos históricos, ao criar, injustamente, uma antipatia contra a obra e o comportamento de Salieri). O filme, entretanto, é suntuoso, com lindas músicas e imagens, figurino de primeira, elenco com excelentes atuações, ótimo roteiro e história dinâmica. Uma festa para os ouvidos e para os olhos. Ganhou oito Oscar: filme, ator (F. Murray Abraham, como Salieri), diretor, som, roteiro, diretor de arte, figurinos e maquiagem;

–1985 – Entre dois amores (Out of Africa) – Direção de Sydney Pollack. Baseado em cinco livros autobiográficos da escritora dinamarquesa Karen Blixen (1885-1962), que os assinou sob o pseudônimo de Isak Dinesen, o filme relata seu romance passado numa fazenda africana. Casada por conveniência com um primo indiferente, escritora (Meryl Streep) viaja da Dinamarca para Nairobi, onde se apaixona por aventureiro britânico (Robert Redford). O pecado maior do filme é sua longa duração (150 minutos). Ganhou sete Oscar, incluindo: filme, diretor, roteiro, fotografia (de um visual belíssimo) e trilha sonora (John Barry);

–1986 – Platoon (idem) – Direção de Oliver Stone. Retrato emocionante dos horrores da guerra do Vietnã, feito por jovem soldado, em cartas remetidas para sua avó distante, narrando o inferno vivido por ele e seus companheiros, tentando sobreviver num clima de violência e loucura de uma carnificina sem sentido. Oscar de filme, diretor, montagem e som;

–1987 – O último imperador (The last emperor) – Direção de Bernardo Bertolucci. Filme inspirado na história real de Pu Yi (ou Pu-Ii), o último imperador da China, que subiu ao trono aos 3 anos, em 1908, sob a regência de seu pai, o príncipe Tch’un, e que cresceu em meio à realeza, confinado na Cidade Proibida, em Pequim. Com a tomada do poder pelos comunistas, é deposto quando ainda adolescente e vê-se forçado a cuidar da própria subsistência no novo regime, pela primeira vez. Superprodução vencedora de nove Oscar: filme, diretor, roteiro adaptado, música, som, direção de arte, montagem e figurinos;

–1988 – Rain man (idem) – Direção de Barry Levinson. Rapaz egoísta (Tom Cruise) viaja para o meio-Oeste americano para o funeral de seu pai e fica sabendo que a herança paterna não é dele e sim de um irmão autista (Dustin Hoffman) – cuja existência ele desconhecia – que está internado em uma instituição. Vai ao asilo com a intenção de aproximar-se do irmão e procurar herdar sozinho a fortuna do pai. Na longa viagem de volta, eles vão reviver antigos sentimentos. O filme ressalta o crescimento da amizade entre os dois irmãos, sem cair no melodrama peculiar ao subgênero de fitas sobre hospitais e doentes. Oscar de filme, ator (Hoffman) direção e roteiro;

–1989 – Conduzindo miss Daisy (Driving miss Daisy) – Direção de Bruce Beresford. Sutil discurso anti-racista. Velha judia (Jessica Tandy) rabugenta e excêntrica, da Geórgia (Sul dos EUA), vê-se obrigada a conviver com motorista negro (Morgan Freeman) contratado pelo seu filho. Embora arredia e seca no início, vai, aos poucos, estabelecendo comovente relação de amizade com o empregado, que acaba sendo seu mais fiel companheiro por mais de vinte anos. Filme ganhou quatro Oscar: filme, roteiro adaptado (Alfred Uhry), maquiagem e atriz (Tandy);

–1990 – Dança com lobos (Dances with wolves) – Direção de Kevin Costner. Western ecológico e a favor da cultura indígena. Jovem tenente da Guerra Civil americana, com medo de amputar o pé após um acidente, se insere entre as tropas inimigas. Tido como herói, abandona a civilização e vai para território dominado pelos índios Sioux, onde faz amigos e, eventualmente, se torna um deles, com sensível mudança de seus conceitos sobre a vida. Sucesso de público, o filme ganhou sete Oscar: filme, diretor, roteiro adaptado (Michael Blake), trilha sonora original (John Barry), fotografia (Dean Semler), montagem (Neil Travis) e som;

–1991 – O silêncio dos inocentes (Silence of the lambs) – Direção de Jonathan Demme. Jovem agente do FBI (Jodie Foster) é recrutada para encontrar um serial killer e, para compreender como ele pensa, vai entrevistar um psicopata inteligente e violento, “Hannibal the cannibal” Lecter (Anthony Hopkins), esperando que ele possa ajudá-la, com suas informações e experiência, a capturar o assassino. Produção premiada com os cinco principais Oscar da Academia: filme, direção, ator (Hopkins), atriz (Foster) e roteiro adaptado (Ted Tally);

–1992 – Os imperdoáveis (The unforgiven) – Direção de Clint Eastwood. Pistoleiro matador aposentado (Eastwood) volta à ação para fazer mais uma caçada humana, ao ser contratado para localizar caubói que retalhou rosto de uma prostituta, mas terá pela frente outros caçadores de recompensas e um violento xerife. Faroeste intimista que examina a hipocrisia e a moralidade no velho Oeste. Oscar de filme, diretor, ator coadjuvante (Gene Hackman) e montagem (Joel Cox);

–1993 – A lista de Schindler (Schindler’s list) – Direção de Steven Spielberg. Adaptação do livro do romancista australiano Thomas Keneally (1935-). A história do industrial alemão que teria salvado mais de 1000 judeus poloneses do extermínio, empregando-os em sua fábrica. Uma grandiosa visão do holocausto judeu. Ganhou sete Oscar: filme, roteiro adaptado, diretor, fotografia, direção de arte, montagem e trilha sonora original;

–1994 – Forrest Gump – O contador de histórias (Forrest Gump) – Direção de Robert Zemeckis. Grande sucesso de bilheteria no mundo inteiro (mais de US$ 500 milhões em menos de um ano), mostra os quarenta anos da vida de um jovem de baixo QI, que se supera e consegue ser um ídolo e herói de guerra. O filme conta com técnicas digitais que mostram Gump participando, em contracena, em eventos da vida real acontecidos com pessoas famosas já falecidas. Ganhou seis Oscar: filme, diretor, ator (Tom Hanks), montagem, roteiro adaptado e efeitos especiais;

–1995 – Coração Valente (Braveheart) – Direção de Mel Gibson. Drama épico, conta a história de sir William Wallace (1270-1305), que em 1297 liderou a resistência aos ingleses, ganhando a batalha de Stirling, tornando-se herói da luta pela independência da Escócia. Leonard Maltin, em seu Guia de Cinema, diz: “Um poderoso, apaixonado filme sobre um poderoso, apaixonado homem”. Oscar de: filme, diretor, fotografia (John Toll), maquiagem e efeitos sonoros;

–1996 – O paciente inglês (The english patient) – Direção de Anthony Minguella. Versão livre do romance de 1992 do escritor cingalês Michael Ondaatje (1944-). Um homem com sérias queimaduras e desmemoriado sofre um desastre de avião no deserto africano, durante a II Guerra Mundial, e é tratado por enfermeira canadense (Juliette Binoche), num mosteiro abandonado da Toscana, na Itália. Sua memória volta aos poucos e ele relembra as aventuras passadas no deserto, incluindo um romance adúltero. Ganhou nove Oscar: filme, diretor, fotografia, atriz coadjuvante (Binoche), som, direção de arte, figurinos, música e montagem;

–1997 – Titanic (idem) – Direção de James Cameron. Espetacular superprodução, conta a história de dois jovens apaixonados: ela da classe alta americana (Kate Winslet) e ele um passageiro da terceira classe (Leonardo DiCaprio) que, apesar das diferenças sociais, vivem um grande romance, a bordo da viagem inaugural do luxuoso e imponente transatlântico britânico R.M.S. Titanic, que se chocou contra um iceberg e afundou, na noite de 14 para 15 de abril de 1912, ao sul da Terra Nova, no Atlântico Norte. Efeitos especiais colossais mostram detalhes do drama e da angústia que teriam vivido os passageiros em sua luta pela sobrevivência. Grandiosos cenários e figurinos impecáveis. Ganhou, merecidamente, onze Oscar: filme, diretor, fotografia, montagem, efeitos especiais, trilha sonora, canção (My heart will go on), som, figurino, direção de arte e cenários;

–1998 – Shakespeare apaixonado (Shakespeare in love) – Direção de John Madden. Comédia, romance e filme histórico (vá lá...) juntos, mostra um Shakespeare mulherengo (Joseph Fiennes) e farrista. O filme, com grande dose de especulação e invenção, mistura fatos e personagens reais e fictícios sobre a vida pouco conhecida do dramaturgo inglês. O roteiro, muito imaginativo, pretende preencher a lacuna histórica dos anos obscuros da vida de Shakespeare, insinuando um caso de amor dele com “Viola de Lesseps” (Gwyneth Paltrow) como inspiração para escrever um texto que viria a ser “Romeu e Julieta”. Só que a tal de “Viola de Lesseps” nunca existiu. E por aí vai. Mas, deixando o rigor histórico de lado, é boa diversão e ganhou os Oscar de: filme, roteiro, atriz (Paltrow), figurinos, atriz coadjuvante (Judi Dench) e trilha sonora;

–1999 – Beleza americana (American beauty) – Direção de Sam Mendes. Neste ano, os estúdios da Dream Works, de Steven Spielberg, conseguiram levar a melhor sobre sua rival, a Miramax, que em 1998 levou o Oscar, com Shakespeare apaixonado, deixando para trás o ótimo filme O resgate do soldado Ryan, tido como favorito. Spielberg apresentou o roteiro de Beleza americana – que considerava “perfeito” – a Mendes, diretor de teatro britânico, que aceitou dirigir esta atrevida tragicomédia, fazendo sua estreia como diretor de cinema. O título do filme, segundo Mendes, é uma alusão a uma rosa sem espinhos nem perfume, cultivada nos EUA, conhecida como “american beauty”. “Não há sentido na sua beleza, que se revela inútil e vulgar” – diz ele. O filme critica o “sonho americano”, mostrando, numa visão amarga e implacável, os conflitos, sonhos e desejos de uma família de classe média moradora nos ricos subúrbios americanos. Ganhou cinco Oscar: filme, diretor, ator (Kevin Spacey), roteiro original (Alan Ball) e fotografia;

–2000 – Gladiador (Gladiator) – Direção de Ridley Scott. Megaprodução épica com espetaculares cenas de batalha. A história do militar “Maximus”, dedicado general do exército romano, que é indicado pelo velho e acabado imperador Marco Aurélio (121-180 d.C.) para sucedê-lo no trono de Roma, o que desperta a ira do herdeiro de sangue do trono, Commodus, que mata o pai e assume o poder. Maximus se recusa a ser leal a ele e é condenado à morte, mas escapa e depois volta a Roma para se vingar.Filme que transporta a plateia para o mundo romano das batalhas e dos gladiadores, mas comete uma liberdade histórica ao dizer que Marco Aurélio foi morto pelo filho Commodus, quando, na realidade, ele morreu de peste numa campanha no Danúbio. Filme ganhou cinco Oscar: filme, ator, figurinos, efeitos especiais e som;

–2001 – Uma mente brilhante (A beautiful mind) – Direção de Ron Howard. A história real – com algumas omissões – do ganhador do prêmio Nobel de economia de 1994, o matemático esquizofrênico John Forbes Nash Jr. e suas teorias revolucionárias. Alguns setores da imprensa norte-americana acham que o filme não é totalmente fiel, ocultando passagens sobre o antissemitismo de Nash e de seu suposto homossexualismo. Entretanto, o filme foi o ganhador do Globo de Ouro e de quatro Oscar: filme, diretor, roteiro adaptado e melhor atriz coadjuvante (Jennifer Connelly), superando O senhor dos anéis: a Sociedade do Anel, que ficou com prêmios secundários: efeitos visuais, fotografia, trilha sonora e maquiagem;

–2002 – Chicago (Chicago) – Direção de Rob Marshall. Esfuziante e surpreendente adaptação do premiado musical da Broadway, ganhadora de seis das treze indicações para o Oscar: filme, direção de arte e cenários, figurino, montagem, som e atriz coadjuvante (Catherine Zeta-Jones). Primeiro filme para o cinema do diretor Rob Marshall, mostra a vida de duas dançarinas, ambas envolvidas em crimes passionais, uma já estrela e outra aspirante a atriz, que se tornam famosas após a divulgação de seus crimes e passam a disputar o posto de maior celebridade no meio artístico;

–2003 – O Senhor dos Anéis: o retorno do rei (The lord of the rings: the return of the king) – Direção de Peter Jackson. Fim da jornada repleta de perigos, suspense e aventuras da Sociedade do Anel pela Terra Média. A terceira (e melhor) parte da trilogia adaptada do best-seller de J. R. R. Tolkien (1892-1973) se encerra de maneira brilhante e perfeita, após nove horas e 18 minutos de aventuras espetaculares. No total, a trilogia conquistou 17 Oscar: 4 por A Sociedade do Anel, 2 por As duas torres e 11 por O retorno do Rei, que igualou o recorde de estatuetas dados a Ben-Hur e a Titanic;

–2004 – Menina de Ouro (Million Dollar Baby) – Direção de Clint Eastwood. Uma jovem que quer ser boxeadora transforma a vida de um lutador veterano. Oscar de filme, diretor, atriz (Hilary Swank) e ator coadjuvante (Morgan Freeman); – 2005 – Crash – No limite.

O OSCAR DE FILME ESTRANGEIRO

Você está cansado(a) de ver filmes ruins? Não aguenta mais a repetição exaustiva de explosões, corridas de carros, bombas que se desarmam no último segundo antes da explosão, super-homens que sozinhos vencem dezenas de pessoas e que nunca são baleados, apesar da intensa fuzilaria, e outros clichês manjadíssimos? Que tal variar um pouco, sair dessa baboseira e descobrir novas culturas, um tipo de entretenimento mais denso, maduro, variado e universal, que irá lhe proporcionar uma visão abrangente (e boa) do cinema mundial?

Quem indica o caminho para isto é a Academia de Artes e Ciências Cinematográficas de Hollywood, criada em 1927, depois que passou a premiar o melhor filme estrangeiro, a partir de 1947, hoje denominado Foreign Language Film (o Oscar de filme estrangeiro).

Mas a premiação nem sempre teve este nome. O primeiro prêmio concedido pela Academia para filmes de língua estrangeira foi o Special Foreign Language Film Award (Prêmio Especial), em 1947, para Shoeshine (Sciuscià, ITA, 1946), de Vittorio De Sica, um drama neorrealista sobre a luta de dois jovens pela sobrevivência, numa Itália desfigurada pela guerra.

O vencedor do Prêmio Especial de 1948 foi Monsieur Vincent, o capelão das galeras (FRA, 1947), de Maurice Cloche, que conta o fenomenal trabalho de São Vicente de Paulo (1581-1660) em defesa dos pobres. Um grande filme biográfico.

Em 1949, o Prêmio Especial foi concedido à obra-prima de Vittorio De Sica, Ladrões de bicicleta (ITA, 1947), um dos melhores filmes italianos de todos os tempos.

A partir de 1950 (e até 1955), o prêmio passa a denominar-se Honorary Foreign Language Film Award (Prêmio Honorário), e o primeiro vencedor é Três dias de amor (FRA/ITA, 1948), de René Clément, que também obteve o prêmio de melhor diretor no Festival de Cannes de 1949.

Em 1951, é a vez de o cinema japonês se destacar. O grande vencedor foi Rashomon (JAP, 1950), de Akira Kurosawa, que conta as diferentes versões de quatro testemunhas de um crime; uma densa reflexão sobre a verdade e a natureza humana.

Um triste drama, passado durante a Grande Guerra, é o tema de Brinquedo proibido (FRA, 1952), de René Clément, vencedor em 1952.

Em 1953, não houve premiação para melhor filme estrangeiro.

O portal do inferno (JAP, 1953), filme que tornou conhecido na Europa o diretor Teinosuke Kinugasa, nos anos 1950, ganhou não só o Prêmio Honorário de 1954, como também a Palma de Ouro em Cannes. É uma bela produção, que conta a história de um crime ocorrido no século XII.

Samurai (The legend of Musashi; JAP, 1954), de Hiroshi Inagaki, ganhou o último Prêmio Honorário, o de 1955.

Em 1956, com a Academia já adotando a denominação de Foreign Language Film (Oscar de filme estrangeiro), o prêmio vai para o cinema italiano, com o excelente A estrada da vida (ITA, 1954), que trouxe consagração internacional a Federico Fellini e lançou uma grande atriz, Giulietta Masina, sua esposa desde 1943.

Em 1957, Fellini é mais uma vez premiado, com As noites de Cabíria (ITA, 1957), clássico em estilo neorrealista, que mostra a vida e os sonhos de uma prostituta romana (Giulietta Masina em admirável interpretação) que acreditava na boa-fé das pessoas e sempre acabava se dando mal.

Um dos maiores realizadores de filmes de humor, Jacques Tati, criador do personagem Monsieur Hulot, teve sua obra reconhecida em 1958, levando o Oscar de filme estrangeiro, com Meu tio (FRA, 1958), uma crítica da modernidade, ressaltando as coisas simples e a amizade entre os seres.

Com soberba trilha musical de Vinicius de Moraes, Tom Jobim e Luís Bonfá, uma co-produção franco-brasileira, Orfeu Negro/Orfeu do carnaval (FRA/BRA, 1959), de Marcel Camus, baseada na peça Orfeu da Conceição, de Vinicius de Moraes, levou o Oscar de filme estrangeiro de 1959 e, também, a Palma de Ouro em Cannes. O filme é uma transposição do mito grego de Orfeu para os morros do Rio de Janeiro.

O cinema sueco é o grande vencedor de 1960, com A fonte da donzela (SUE, 1959), de Ingmar Bergman, um drama ambientado na Suécia medieval, sobre jovem que é estuprada e morta, numa cena considerada muito violenta à época do lançamento do filme na América. A obra também teve menção especial em Cannes.Bergman iria ganhar novamente em 1961, com Através de um espelho (SUE, 1961), onde aborda insanidade e incesto, num de seus melhores filmes.

Sempre aos domingos (FRA, 1962), de Serge Bourguignon, que narra a amizade de um amnésico e  uma garotinha, foi o vencedor de 1962, deixando para trás o nosso O pagador de promessas (BRA, 1962), de Anselmo Duarte, que levou a Palma de Ouro em Cannes.

Fellini volta a ser premiado em 1963, com Fellini oito e meio (ITA, 1963), um autorretrato do diretor e seus sonhos; a arte como fuga da solidão e angústia do homem moderno.

Ontem, hoje e amanhã (ITA/FRA, 1963), de Vittorio De Sica, filme com três comédias em puro estilo italiano, é o premiado de 1964, ganhando do ótimo musical romântico Os guarda-chuvas do amor (FRA, 1964), que conquistou, merecidamente, a Palma de Ouro em Cannes. Para os que apreciam a música de Michel Legrand, o musical francês é imperdível.

Um pungente drama de uma idosa judia, na antiga Tchecoslováquia, durante a Grande Guerra, A pequena loja da rua principal (TCH, 1965), de Jan Kadar e Elmar Klos, levou a estatueta de 1965.

Em 1966, um clássico do cinema romântico levou, além do Oscar de filme estrangeiro e roteiro original, a Palma de Ouro em Cannes: Um homem, uma mulher (FRA, 1966), de Claude Lelouch, que mostra o romance de dois viúvos e com filhos, em busca de outra oportunidade para serem felizes.

No ano de 1967, o prêmio foi para o diretor tcheco Jiri Menzel, com seu primeiro longa-metragem, Trens estreitamente vigiados (TCH, 1966), tragicomédia passada durante a ocupação nazista na antiga Tchecoslováquia.

Em 1968, um filme de 373 minutos, produzido em Moscou com custo superior a 100 milhões de dólares, dirigido por Sergei Bondarchuk, é o vencedor: Guerra e paz (URSS, 1968). Homônima e fiel adaptação da obra-prima de Tolstói (1828-1910), é um painel da vida russa entre 1805 e 1821, época de grandes acontecimentos históricos.

Z (FRA/ARGÉLIA, 1969), de Konstantinos Costa-Gravas, diretor francês de origem grega, levou a estatueta de 1969. Baseado em fatos reais, aborda o assassinato político de um líder esquerdista, em 1963, por terroristas de direita. Uma denúncia contra os regimes ditatoriais ou de opressão, o filme esteve proibido no Brasil durante um bom tempo.

Um filme policial é o ganhador em 1970: Investigação sobre um cidadão acima de qualquer suspeita (ITA, 1970), de Elio Petri. Chefe de polícia mata a amante e, ao chefiar as investigações, faz de tudo para incriminar jovem esquerdista que também tinha um caso com ela.

O cinema italiano volta a vencer em 1971, com O jardim dos Finzi-Contini (ITA, 1971), um clássico de Vittorio De Sica que mostra as situações inesperadas vividas por uma família de judeus aristocratas durante a II Guerra Mundial.

Em 1972, quem leva a estatueta é Luis Buñuel, com uma divertida sátira das convenções burguesas: O discreto charme da burguesia (FRA/ESP/ITA, 1972).

O mundo mágico do cinema é retratado em A noite americana (FRA/ITA, 1973), de François Truffaut, vencedor em 1973. O título do filme é uma referência às filmagens feitas durante o dia, mas com filtros especiais que simulam cenas noturnas.

Federico Fellini é mais uma vez premiado em 1974, com Amarcord (ITA/FRA, 1973). Amarcord (“eu me lembro”, em dialeto romagnol) é uma crônica onírica e nostálgica de uma pequena cidade italiana na década de 1930; relato autobiográfico que revela o cotidiano familiar, o despertar da sexualidade e a ascensão do fascismo.

Filmado na Rússia pelo mestre japonês Akira Kurosawa, o ganhador do Oscar de 1975 é Dersu Uzala (URSS/JAP, 1975), obra que mostra a amizade entre um pesquisador russo e um caçador-guia mongol, que lhe ensina as regras da sobrevivência na Sibéria.

Um filme que passou despercebido na França, que trata das consequências da I Guerra Mundial na África, foi o vencedor de 1976: Preto e branco em cores (FRA/SUI/Costa do Marfim, 1976), de Jean-Jacques Annaud.

Madame Rosa, a vida à sua frente (FRA, 1977), de Moshe Mizrahi, filme apenas razoável, ganha de Um dia muito especial (de Ettore Scola) e de Esse obscuro objeto do desejo (último filme de Luis Buñuel) e leva o Oscar de 1977.

Preparem seus lenços (FRA/BEL, 1978), de Bertrand Blier, uma comédia sobre um marido que faz inúmeras coisas para manter feliz sua sexualmente frustrada esposa, é o ganhador de 1978.

O tambor (ALE, 1979), magnífica crítica político-social de Volker Schlöndorff, vence em 1979, contando a história de um garoto de três anos que se recusa a crescer, depois de os nazistas tomarem o poder na Alemanha, e seu protesto, batendo com vigor num tambor, sempre que algo dava errado em sua vida. Filme dividiu, ainda, com Apocalypse Now, a Palma de Ouro em Cannes.

Moscou não acredita em lágrimas (URSS, 1980), de Vladimir Menshov, uma comédia que mistura o riso às lágrimas, ganhou, surpreendentemente, o Oscar de 1980, derrotando o fascinante épico Kagemusha, a sombra de um samurai, de Akira Kurosawa. A zebra estava solta, pois, neste mesmo ano, a Academia premiou com o Oscar de Animação um tal Ferenc Kofusz. Ninguém o conhecia. Apareceu um gaiato, discursou como se fosse ele e desapareceu com a estatueta...

Em 1981, o prêmio foi para o diretor húngaro István Szabó, com Mephisto (HUN/ALE/Áustria, 1981), cinebiografia do ator húngaro Gustaf Grundgens, que renegou seus compatriotas da Resistência e aderiu, por vaidade, ao nazismo, passando a trabalhar em peças que convinham ao regime hitlerista. Com esplêndidas imagens barrocas, a produção levou, também, o prêmio de roteiro em Cannes.

Um filme pouco conhecido e divulgado, Começar de novo (ESP, 1982), de José Luis Garci, foi o vencedor de 1982.

Com concorrentes de peso, como O baile, de Ettore Scola, e Carmen, de Carlos Saura, Ingmar Bergman leva, merecidamente, a estatueta de 1983, com Fanny e Alexandre (SUE/FRA/ALE, 1982), onde mostra as dores, as alegrias, a exuberância e os tormentos de rica família sueca que se reúne para comemorar o Natal, vistas através dos olhos de duas crianças.

Num ano de concorrentes fracos, em 1984, o prêmio vai para Le diagonale du fou (Dangerous Moves), filme suíço de 1984, dirigido por Richard Dembo, sobre uma intriga internacional em torno de um campeonato mundial de xadrez.

No ano de 1985,  um drama político sobre a violenta ditadura militar que imperou na Argentina, A história oficial (ARG, 1985), de Luis Puenzo, foi o vencedor, concorrendo com Coronel Redl (HUN, 1986, de István Szabó), que narra a ascensão e a queda de um oficial plebeu, no império austro-húngaro; e com Quando papai saiu em viagem de negócios (IUG, 1985, de Emir Kusturica), história realística que levou a Palma de Ouro, em Cannes.

Em 1986, sem rivais de peso, O ataque (HOL, 1986), de Fons Rademakers, leva o Oscar. A história é sobre o trauma de um garoto de 11 anos que viu o assassinato de sua família pelos nazistas e como as memórias do fato influem em sua vida nas décadas seguintes.

Gastronômica e bela fábula sobre o prazer e a continência ganha o prêmio de 1987: A festa de Babette (DIN, 1987), de Gabriel Axel. Seu principal contendor, Adeus, meninos (FRA, 1987, de Louis Malle), foi o laureado com o Leão de Ouro em Veneza; conta a história de um menino de família rica enviado para longínquo colégio católico, durante a dominação nazista na França, e o drama da descoberta de sua origem judaica.

A Dinamarca vence também em 1988, com Pelle, o conquistador (DIN, 1988), de Bille August, também detentor da Palma de Ouro, em Cannes. Narra o drama de dois imigrantes suecos, pai e filho, que enfrentam a discriminação dos dinamarqueses. Teve dois bons êmulos: Mulheres à beira de um ataque de nervos (ESP, 1988, de Pedro Almodóvar) e Hanusen (HUN, 1988, de István Szabó).

Cinema Paradiso (ITA, 1989), de Giuseppe Tornatore, uma evocação nostálgica do cinema, que extrai emoção de fatos habituais, ganha o Oscar em 1989, e o prêmio especial do júri, em Cannes.

Uma das “surpresas” que a Academia às vezes nos reserva ocorreu em 1990, com a inesperada premiação de A viagem da esperança (SUI, 1990), de Xavier Koller, sobre família turca que emigra para a Suíça em busca de vida melhor e enfrenta enormes dificuldades de adaptação. Filme desbancou Amor e sedução (CHI, 1990, de Zhang Yimou) e Cyrano (FRA, 1990, de Jean-Paul Rappeneau), a mais fiel adaptação da comédia heroica Cyrano de Bergerac (1897), de Edmond Rostand (1868-1918). O filme de Rappeneau ganhou 10 prêmios César (o Oscar francês), Oscar de figurinos, e prêmio de melhor ator, em Cannes (Gérard Depardieu).

Zhang Yimou, que voltou a competir em 1991, com Lanternas vermelhas (CHI/HON/TAW, 1991), perdeu, então, para Mediterrâneo (ITA, 1991), de Gabriele Salvatores, comédia pacifista sobre soldados italianos esquecidos em ilhota grega na II Grande Guerra. Sobre Lanternas vermelhas, escreve Leonard Maltin (in: Movie & Video Guide): “Uma extraordinária visão de sexo, lealdade, intriga e vínculo feminino”.

Num ano em que a qualidade na competição caiu bastante (1992), a Academia, sem melhores alternativas, premiou Indochina (FRA, 1992), de Régis Wargnier, uma mistura de política e romance. Sobre o filme, escreve Jean Tulard (in: Dictionnaire du Cinéma–Les Réalisateurs): “Folhetim anticolonialista, consternadora exaltação do comunismo na península que nem mesmo belas imagens conseguem salvar”.

O ano de 1993 foi uma ‘bela época’ para a Espanha: Sedução (Belle époque, ESP, 1992), de Fernando Trueba, história cômica de um soldado desertor que se envolve com todas as quatro filhas de um homem que o hospedou, leva a estatueta, superando o belo Adeus, minha concubina (CHI/HON, 1993), de Chen Kaige (Palma de Ouro, em Cannes, e Globo de Ouro).

Em difícil escolha, em 1994, a opção dos jurados foi O Sol enganador (RUS, 1994), de Nikita Mikhalkov, onde um herói da revolução e sua família vivem a realidade política e social do início do socialismo na Rússia stalinista.

O holandês A excêntrica família de Antônia (HOL/BEL/ING, 1995), de Marleen Gorris, um drama existencial sobre mulher e filha que voltam a residir em sua cidade natal, após a II Guerra Mundial, é o premiado de 1995. Seu principal competidor foi Todas as coisas são belas (SUE, 1995), de Bo Winderberg, filme sobre a descoberta sexual de rapaz que tem romance com sua professora de inglês (Urso de Prata no Festival de Berlim).

Uma escolha que desagradou a alguns críticos foi o prêmio de 1996, dado a Kolya – Uma lição de amor (TCH/FRA/ING, 1996), de Jan Sverák, tocante drama sobre o convívio humano, passado na Tchecoslováquia de 1988, às vésperas da saída dos russos do poder. Um concorrente com qualidades foi Caindo no ridículo (FRA, 1996, de Patrice Leconte), uma luxuosa e perspicaz comédia, ganhadora do César.

Incluído entre os finalistas de 1997, o brasileiro O que é isso, companheiro? (BRA, 1997, de Bruno Barreto), adaptação do livro de Fernando Gabeira sobre o sequestro do embaixador norte-americano, em 1969, não sensibilizou os jurados, que premiaram um filme menos polêmico: Caráter (HOL, 1997), de Mike Vam Diem, intenso melodrama que mistura elementos sociais e policiais.

Tivemos três bons filmes em 1998, mas o vencedor foi A vida é bela (ITA, 1997), de Roberto Benigni, comédia que abordou o tema das perseguições aos judeus na Itália. O premiadíssimo Central do Brasil (BRA, 1998, de Walter Salles Jr.) e o iraniano Filhos do Paraíso (IRA, 1997, de Majid Majidi), que mostram as misérias em seus respectivos países, não agradaram aos bem fornidos membros do júri...

O ganhador do Oscar e do Globo de Ouro de 1999 foi Tudo sobre minha mãe (ESP, 1999), de Pedro Almodóvar (prêmio de melhor direção, em Cannes), com uma trama emocionante e um elenco de primeira.

Tido como um dos melhores filmes de artes marciais já realizados, O Tigre e o Dragão (TAI/EUA, 2000), de Ang Lee, fatura quatro estatuetas em 2000 (filme, fotografia, trilha sonora e direção de arte), o Globo de Ouro, o Bafta (o Oscar inglês), e outros prêmios internacionais.

A melhoria de qualidade dos candidatos ao Oscar tornou a disputa mais atraente em 2001, saindo vencedor Terra de ninguém (Bósnia/BEL/FRA/ITA/ING, 2001), de Danis Tanovic, comédia satírica e política, com muito humor negro, envolvendo, durante a guerra da Bósnia, um soldado sérvio e um bósnio, com suas ideologias, numa trincheira abandonada entre os dois fronts. Filme também ganhou o prêmio de roteiro, em Cannes. Outros bons candidatos foram: O fabuloso destino de Amélie Poulain (FRA, 2001, de Jean-Pierre Jeunet); Lagaan – A coragem de um povo (IND, 2001, de Ashutosh Gowarier); O filho da noiva (ARG/ESP, 2001, de Juan José Campanella).

Lugar nenhum na África (ALE, 2002), de Caroline Link, filme sobre uma família judia alemã que foge para o Quênia, na época do nazismo, vence em 2002, mas alguns críticos consideram que uma melhor escolha teria sido O homem sem passado (FIN, 2002, de Aki Kaurismaki) ou Herói (CHI, 2002), de Zhang Yimou.

Em 2003, o vencedor é O declínio do Império Americano/As invasões bárbaras (Canadá/França 2003), de Denys Arcand, uma crônica sobre a modernidade e o declínio de ideologias.

Mar Adentro (Esp/Fr/Ita, 2004), dirigido por Alejandro Amenábar, vencedor de 2004, conta a história real de um tetraplégico recolhido em sua cama por mais de vinte anos e que decidiu se suicidar, após fracassar na tentativa de que os tribunais concordassem com sua possibilidade legal de se submeter à eutanásia.

Em 2005, o vencedor foi Infância roubada (Tsotsi), filme da África do Sul, dirigido por Gavin Hood.

O GLOBO DE OURO

O Globo de Ouro (Golden Globes) é, depois do Oscar, o mais importante prêmio de cinema dos EUA e também passou a premiar, a partir de 1955, os melhores da TV americana.

Foi criado em 1944 pela HFPA – Hollywood Foreign Press Association  (Associação da Imprensa Estrangeira de Hollywood), entidade nascida em 1931 e formada por correspondentes de jornais e revistas do mundo inteiro que fazem a cobertura dos acontecimentos na meca do cinema.

Para se manter ativo no selecionado grupo de votantes do Globo de Ouro – cerca de 90 pessoas –, o jornalista deve ter, no mínimo, dez textos publicados durante o ano, além de já ter morado nos EUA por dois anos.

A HFPA, para evitar um eventual confronto com a Academia de Artes e Ciências Cinematográficas, entrega seus prêmios, normalmente, no final de janeiro de cada ano, antes da cerimônia do Oscar, o que, em muitos casos, funciona como uma prévia dos prováveis contemplados com a famosa estatueta; a premiação  muitas vezes coincide.

Os mais importantes prêmios concedidos pela associação atualmente são para: filme (drama), ator (drama), atriz (drama), filme (comédia ou musical), ator (comédia ou musical), atriz (comédia ou musical), ator coadjuvante, atriz coadjuvante, diretor, roteiro, trilha sonora, canção, série dramática de TV, série cômica de TV e melhor filme em língua estrangeira.

Os premiados, a partir de 1943, foram:

–1943: – A canção de Bernadette – Direção de Henry King. Adaptação da biografia romanceada de mesmo nome, de 1941, do escritor austríaco Franz Werfel (1890-1945), sobre a camponesa francesa Bernadette Soubirous (1844-1879), que aos 14 anos, de 11 de fevereiro a 16 de julho de 1858, teve por 18 vezes a visão da Virgem (Imaculada Conceição) – o que deu origem às peregrinações a Lourdes (Fr) – e que foi canonizada em 1933. Filme longo, com 156min de duração, realça, de modo sentimental, os poderes da fé. Ganhou quatro Oscar: atriz (Jennifer Jones), trilha sonora (Alfred Newman), fotografia (Arthur Miller) e direção de arte. Linda Darnell aparece como a Virgem Maria, mas não consta dos créditos do filme;

–1944: – O bom pastor  – Direção de Leo McCarey. História sentimental de um jovem padre que é designado para a paróquia de um bairro pobre de Nova York e cujas ideias avançadas entram em choque com o conservadorismo ali existente. Oscar de filme, diretor, ator (Bing Crosby), ator coadjuvante (Barry Fitzgerald) e canção (Swinging on a star);

–1945: – Farrapo humano  – Direção de Billy Wilder. Um drama profundo sobre o alcoolismo. Excelente performance de Ray Milland no papel de um escritor, que dominado pelo vício chega a ponto de penhorar sua máquina de escrever para comprar bebida, e até roubar. Oscar de filme, diretor, ator (Milland) e roteiro;

–1946: – Os melhores anos de nossas vidas – Direção de William Wyler. Clássico ganhador de sete Oscar, conta a história de três pracinhas que voltam ao lar após a II Guerra Mundial e suas tentativas de adaptar-se à vida civil. Comovente drama sobre os problemas decorrentes dos horrores da guerra. Harold Russel, que perdera realmente as mãos na guerra, tem uma participação extraordinária, lutando para superar sua deficiência física. Oscar de filme, diretor, ator (Fredric March), montagem, ator coadjuvante (Russel), roteiro e trilha sonora;

–1947: – A luz é para todos  – Direção de Elia Kazan. Repórter finge que é judeu a fim de fazer reportagem sobre o antissemitismo. Oscar de filme, diretor, atriz coadjuvante (Celeste Holm);

–1948: – O tesouro de Sierra Madre  – Direção de John Huston. Bela adaptação do romance de 1928 de Bruno Traven (1890-1969). Um estudo da natureza humana diante da cobiça. Neste espetacular faroeste, Huston, mais uma vez, aborda a temática do fracasso (Vide: Relíquia Macabra, 1941), que teria continuidade com Resgate de Sangue (1949) e Segredo das joias (1950): três homens ambiciosos vão a busca de ouro nas montanhas do México, dispostos a fazer fortuna. Enfrentam muitos obstáculos juntos, mas obcecados pela cobiça deixam vir à tona o que de pior existe em suas personalidades. Neste filme, Huston ganhou dois Oscar (direção e roteiro) e dirigiu seu pai, Walter Huston, que levou o Oscar de ator coadjuvante. Humphrey Bogart não ganhou um Oscar, apesar de sua excelente atuação no papel do paranoico Dobbs, uma de suas melhores interpretações;

–1949: – A grande ilusão  – Direção de Robert Rossen. Baseado no romance de 1946 de Robert Penn Warren (1905-1989), ganhador do prêmio Pulitzer, mostra a ascensão e queda de um político antes honesto (Broderick Crawford) e que é seduzido e obcecado pelo poder a ponto de transformar-se num demagogo corrupto, seguindo as artimanhas da política. Oscar de melhor filme, ator (Crawford) e atriz coadjuvante (Mercedes McCambridge).

– 1950: – Crepúsculo dos Deuses – Direção de Billy Wilder. Considerada a melhor obra já feita sobre Hollywood, este clássico está sempre presente nas listas de melhores filmes de todos os tempos. A história de Norma Desmond (brilhantemente interpretada por Gloria Swanson), esquecida atriz do cinema mudo que tenta retornar ao ápice da carreira. Um retrato dramático do mundo crepuscular de atores que um dia estiveram no auge da fama. Filme ganhador de três Oscar: roteiro original, música e direção de arte, foi também finalista na categoria de melhor filme, perdendo o título para A malvada, de Mankiewicz.

– 1951: – Neste ano, foram concedidos dois prêmios pela Associação, nos gêneros drama e “musical ou comédia”: – Drama: – Um lugar ao sol. Direção de George Stevens. Obra-prima baseada na obra do romancista norte-americano Theodore Dreiser (1871-1945), Uma tragédia americana, de 1925. Inescrupuloso jovem procura se descartar de operária que seduziu e está grávida, a fim de se casar com rica herdeira. Junto com Os brutos também amam  e Assim caminha a humanidade, filme compõe a trilogia esboçada por Stevens sobre a formação dos Estados Unidos. Oscar de direção, roteiro adaptado, fotografia, figurinos, trilha sonora e montagem; – Musical ou comédia: – Sinfonia de Paris – Direção de Vincente Minnelli. Tido como um dos maiores musicais de todos os tempos, ganhou os Oscar de filme, roteiro e história, direção de arte, trilha sonora, figurino e fotografia. Uma visão cativante e romântica de Paris. O romance entre um ex-soldado americano que está estudando pintura na cidade e que se apaixona por jovem e solitária balconista, vivida pela bailarina Leslie Caron, em seu primeiro filme no cinema. Na trilha sonora vencedora, uma seleção de canções de George e Ira Gershwin, como: Our love is here to stay, ‘S wonderful, I got rhythm, By Strauss, Embraceable you, e outras. No final do filme, um balé soberbo, com duração de 18 minutos, deu um Oscar especial ao coreógrafo e protagonista, Gene Kelly;

– 1952: – Drama: – O maior espetáculo da Terra – Direção de Cecil B. DeMille. Superprodução abordando dramas, sonhos e realizações dos artistas de circo, com muitos números circenses. Oscar de filme e argumento; – Musical ou comédia: – Meu coração canta. Direção de Walter Lang. Filme sentimental sobre os acontecimentos na vida da popular cantora Jane Froman, cuja carreira foi interrompida quando ela ficou gravemente ferida, num desastre de avião, em Lisboa, em 1943. Oscar para a admirável direção musical de Alfred Newman. Além da canção-título do filme, With a song in my heart, outros números musicais incluem canções consagradas, como: Blue moon, Tea for two, That old feeling, Embraceable you etc.

– 1953: – Só um prêmio, para: – O manto sagrado – Direção de Henry Koster. Baseado em romance de Lloyd C. Douglas. A disputa entre soldados romanos pela posse da túnica de Jesus Cristo, após sua crucificação. Primeiro filme rodado em cinemascope. Teve uma continuação: Demétrio e os gladiadores.

– 1954: – Neste ano, além da premiação para drama e musical ou comédia, quatro filmes estrangeiros foram premiados, com destaque para Genevieve, comédia britânica cheia de charme e humor, dirigida por Henry Cornelius. – Drama: – Sindicato de Ladrões – Direção de Elia Kazan. Os conflitos entre os estivadores e a máfia que organiza e explora o trabalho nas docas de Nova York. Marlon Brando é o truculento ex-lutador que é guarda-costas do sindicato dos estivadores. Oito Oscar: filme, diretor, ator (Brando), atriz coadjuvante (Eva Marie Saint), fotografia, roteiro, direção de arte e montagem; – Musical ou comédia: – Carmen Jones. Direção de Otto Preminger. Tórrido melodrama musical, moderna adaptação do romance Carmen (1845), de Prosper Mérimée (1803-1870), que inspirou a Georges Bizet (1838-1875) a famosa ópera homônima, encenada pela primeira vez em 1875, na Ópera-Cômica de Paris. Entre as músicas mais conhecidas, o filme apresenta: Dat’s love (Habanera) e Stand up and fight (Toreador). O tema inspirou outros cineastas, como o diretor espanhol Carlos Saura, com o musical Carmen, em 1983, e o italiano Francesco Rosi, com a ópera Carmen, em 1984, um dos melhores filmes de ópera já realizados.

– 1955: – Drama: – Vidas amargas. Direção de Elia Kazan. Baseado na segunda parte do livro de John Steinbeck (1902-1968), A leste do Éden, de 1952, filme é centrado na figura de Cal Trask (interpretado por James Dean), um jovem que disputa com seu irmão o amor e o reconhecimento do seu autoritário pai. Prêmio de melhor filme-drama no Festival de Cannes. É o primeiro filme de James Dean e marca sua primeira indicação póstuma ao Oscar, fato inusitado na história da Academia. A trilogia de Dean se completa com Juventude transviada (1955) e Assim caminha a Humanidade (1956); – “Outdoor drama”: – Choque de ódios. Direção de Jacques Tourneau. Western que focaliza o curto período (1875-1876) em que o legendário Wyatt Earp permanece na pequena e selvagem cidade pecuária de Wichita, Kansas, e, devido à sua forte personalidade e perícia no manejo de armas, é eleito xerife, para restaurar a lei e a ordem. – Musical ou comédia: – Eles e elas (Ou Garotos e garotas, título em DVD). Direção de Joseph L. Mankiewicz. Musical ambientado na Nova York dos anos 1920, baseado na peça de sucesso da Broadway Guys and Dolls, mostra a história de jogador ligado a gângsteres que aposta que conseguirá conquistar uma séria representante do Exército da Salvação. Única, mas grandiosa obra musical de Mankiewicz. Destaque para a canção Luck be a lady; – Filme estrangeiro: – Cinco filmes premiados, entre eles, A palavra (Ordet), filme dinamarquês dirigido por Carl Dreyer, baseado na peça Ordet, de 1923, do pastor e escritor dinamarquês Kaj Munk (1898-1944). Diferenças religiosas entre duas famílias de pastores impossibilitam o imediato casamento entre seus filhos. Um olhar sobre o ser humano e a natureza de sua fé, no mundo moderno.

– 1956: – Drama: – A volta ao mundo em 80 dias. Direção de Michael Anderson e Kevin McClory. Grandiosa produção, baseada em história de Júlio Verne sobre a aposta feita por um nobre inglês de que conseguiria dar a volta ao mundo em um balão em 80 dias. Com um elenco all-star, é uma produção rica, embora monótona em alguns trechos. Levou os Oscar de filme, trilha sonora (Victor Young), fotografia, roteiro adaptado e montagem;

– Musical ou comédia: – O rei e eu. Direção de Walter Lang. Baseada na autobiografia de Anna Leonowens, que relatava suas experiências passadas como governanta na exótica corte do rei do Sião, Margaret Landon escreveu o livro Anna e o rei do Sião, transformado em filme homônimo dirigido por John Cromwell, em 1946, com Rex Harrison como protagonista. O rei e eu, versão musical da mesma história, retrata com fidelidade a peça encenada na Broadway e tem como atração as músicas da dupla Richard Rodgers e Oscar Hammerstein II (com destaque para a clássica Shal we dance) e o desempenho de Yul Brynner no papel principal, o que lhe proporcionou o Oscar de melhor ator, um dos seis dados ao filme. A história de Anna Leonowens teve, ainda, uma terceira versão, em desenho animado, e uma quarta em 1999, com o título de Anna e o rei, dirigida por Andy Tennant e com ótima interpretação de Chow Yun-Fat como o rei, em nível considerado superior às atuações de Rex Harrison e de Yul Brynner;

– Filme estrangeiro: cinco filmes premiados, com destaque para: – Ricardo III, dirigido e protagonizado por Laurence Olivier. Transposição para as telas do drama histórico de Shakespeare de 1592-1593, sobre o malvado e sanguinário Ricardo, duque de Gloucester, que, ávido pelo trono da Inglaterra, assassinou seu irmão mais velho e dois sobrinhos para alcançar seu objetivo. Ricardo foi rei a partir de 1483, tendo contra si a oposição liderada por Henrique Tudor, que o derrotou e matou na Batalha de Bosworth, em 1485, pondo fim à dinastia dos plantagenetas.

– 1957: – Drama: – A ponte do rio Kwai . Direção de David Lean. Excelente épico de guerra cheio de suspense, ação e ironia. Num campo japonês de prisioneiros de guerra na Birmânia, decidido comandante britânico (Alec Guinness em espetacular atuação) lidera o grupo de prisioneiros obrigados a construir uma ponte que irá servir aos inimigos e prefere fazê-lo da melhor maneira possível para ressaltar a superioridade e o moral da tropa. O comando aliado, entretanto, instrui um grupo para destruir a obra, o que divide o moral dos soldados. Este filme ganhou sete Oscar: filme, direção, roteiro, ator (Guinness), montagem, fotografia e trilha sonora (composta por sir Malcolm Arnold, a música-tema Colonel Bogey march continua sendo assoviada e executada até hoje);

– Musical ou comédia: Les girls. Direção de George Cukor. Alegre comédia musical sobre a história de três coristas que relatam suas ligações com o seu chefe. Último filme de Gene Kelly na MGM e último grande musical estrelado por ele. Música de Cole Porter, que, por estar muito doente na época, teve a ajuda de Saul Chaplin, para conseguir completar a trilha sonora, cujo único destaque é um número chamado Why am I so gone about that gal?, paródia do filme O selvagem, estrelado por Marlon Brando, em 1953;

– Filme estrangeiro: quatro filmes premiados, com destaque para: – Uma sombra em sua vida, filme inglês dirigido por J. Lee Thompson. Filme convencional sobre o drama de um homem casado de meia idade que fica fascinado por jovem e atraente mulher de seu escritório.

– 1958: – Drama: – Acorrentados. Dirigido por Stanley Kramer. O racismo presente na história de dois condenados – um branco e um negro – que escapam de trabalhos forçados e têm que se ajudar em sua fuga, para escapar ao cerco da polícia, no sul dos EUA;

– Comédia: – A mulher do século. Dirigido por Morton DaCosta. Versão meio teatral da obra de Patrick Dennis sobre sua excêntrica tia e seus extravagantes hábitos, contrários aos princípios estabelecidos pelos tutores da fortuna do menino que passou a morar com ela, após ter ficado órfão;

– Musical: – Gigi. Dirigido por Vincente Minnelli. Grande musical da MGM, conta a história de uma jovem francesa (Leslie Caron) que é treinada por sua tia para ser uma cortesã, mas que acaba conquistando o amor do homem de quem deveria ser simples amante. Versão amenizada de um romance da escritora francesa Colette, levou nove Oscar da Academia: filme, roteiro, fotografia, direção de arte, figurino, montagem, trilha sonora e canção (Gigi). Maurice Chevalier interpretou, entre outras, Thank heaven for little girls e levou um Oscar honorário;

– Filme estrangeiro: nesse ano de 1958, para premiar o melhor filme estrangeiro, foi criado o “Samuel Goldwyn International Award” e o vencedor foi Two eyes, twelve hands , do indiano Rajaram Vankuche Shantaram, ainda inédito no Brasil.

– 1959: – Drama: – Ben-Hur. Direção de William Wyler. Produção de 15 milhões de dólares, conta a epopeia do príncipe judeu Judah Ben-Hur (Charlton Heston), no início da Era Cristã. Quando se torna adulto, Judah entra em conflito com seu amigo de infância, o tribuno romano Messala (Stephen Boyd) que o escraviza e o manda para as galés. Após salvar um nobre romano (Jack Hawkins) durante uma batalha naval, é adotado por ele, volta a Jerusalém, derrota Messala em uma corrida de bigas e salva sua mãe e irmã que tinham contraído a lepra (depois curadas por Cristo, por ocasião da crucificação). O grande momento do filme é a corrida de bigas, coordenada pelos especialistas em segundas unidades Yakima Canutt e Andrew Marton. Filme recordista em número de Oscar (11): filme, diretor, ator (Heston), ator coadjuvante (Hugh Griffith), fotografia, direção de arte, som, efeitos especiais, trilha sonora, figurinos e montagem;

– Comédia: – Quanto mais quente melhor. Direção de Billy Wilder. Com excelente atuação de Jack Lemmon, Tony Curtis, Marilyn Monroe e Joe E. Brown, esta é considerada uma das melhores comédias de todos os tempos. Depois de presenciarem o fuzilamento de um grupo de gângsteres, em plena Lei Seca, dois músicos passam a ser perseguidos pelos bandidos assassinos e são obrigados a se travestir de mulher, passando a integrar uma banda feminina. A partir daí, envolvem-se em confusões e mal-entendidos por causa da troca de sexo. Como atração extra, Marilyn ainda brinda o espectador cantando I wanna be loved by you. E, para encerrar com fecho de ouro, a frase final de Joe Brown: “Ninguém é perfeito”;

– Musical: – Porgy e Bess. Direção de Otto Preminger. Um ano após ter sido criado o prêmio “Samuel Goldwyn International Award”, este filme razoável, o último produzido por Samuel Goldwyn, aos 75 anos, leva o Globo de Ouro. Embora seja uma produção de alto custo – aproximadamente seis milhões e 500 mil dólares –, não atingiu, musical ou dramaticamente, o que Goldwyn desejava;

– Samuel Goldwyn International Award: – Almas em leilão. Direção de Jack Clayton. Poderosa adaptação da obra do escritor inglês John Braine (1922-1986), Room at the top, de 1957, brilhante drama sobre a mobilidade social, em que um homem sacrifica seu amor por uma mulher em troca de ascensão na carreira, visando casar-se com a filha do patrão. Outros filmes indicados para o SGIA neste ano foram: – Morangos silvestres. Direção de Ingmar Bergman. Linda análise da velhice e da tendência do homem para recordações. Velho professor aposentado (interpretado com brilhantismo por Victor Sjöström) relembra as alegrias e tristezas de sua vida ao viajar de volta à cidade natal para receber uma comenda. Filme sério e complexo, com muitas sutilezas psicológicas, ainda hoje é estudado por cineastas de todo o mundo. Prêmios: Urso de Ouro em Berlim, grande prêmio do júri em Mar del Plata, crítica em Veneza, Globo de Ouro de melhor diretor, e outros;

– Orfeu negro/Orfeu do carnaval. Direção de Marcel Camus. Com soberba trilha musical de Vinicius de Moraes, Tom Jobim e Luís Bonfá, esta co-produção franco-brasileira, baseada na peça Orfeu da Conceição, de Vinicius de Moraes, levou o Oscar de filme estrangeiro de 1959 e, também, a Palma de Ouro em Cannes. O filme é uma transposição do mito grego de Orfeu para os morros do Rio de Janeiro.

– 1960: – Drama: – Spartacus. Direção de Stanley Kubrick. História de Espártaco, antigo pastor da Tracia que foi escravizado e vendido como gladiador, mas evadiu-se em 73 a.C. com alguns companheiros e liderou a mais espetacular revolta de escravos do mundo romano, entricheirando-se, com milhares de escravos fugitivos, nas encostas do Vesúvio. No início de 71 a.C., atravessou as linhas romanas, mas foi vencido e morto, na Lucânia, pelo pretor Crasso (futuro membro do primeiro triunvirato, com Pompeu e César) a quem Roma delegara poderes excepcionais e confiara dez legiões de soldados para atacar os revoltosos;

– Comédia: – Se meu apartamento falasse. Direção de Billy Wilder. Funcionário solitário e ambicioso (Jack Lemmon) acha um meio de melhorar sua carreira na companhia onde trabalha: emprestar a chave do seu apartamento aos chefes, para encontros amorosos. Só que ele se apaixona pela ascensorista (Shirley MacLaine), que está envolvida com o chefão (Fred MacMurray), e a tática se torna um suplício. Admirável comédia-drama, misturando sentimentos e um delicioso cinismo, ganhou os Oscar de: filme, diretor, roteiro original, coreografia e montagem;

– Musical: – Sonho de amor. Direção de Charles Vidor, George Cukor. A história do compositor Franz Liszt, com bela trilha sonora, ganhadora do Oscar. O diretor Vidor morreu no período da filmagem, retomada por George Cukor;

Samuel Goldwyn International Award: – Nunca aos domingos. Direção de Jules Dassin. Filme da fase “grega” (com Melina Mercouri) do diretor de Sombras do mal e de Rififi, aqui atuando também como ator. O idílio entre um intelectual e uma prostituta grega a quem tenta transmitir cultura. Outros filmes indicados para o SGIA foram: Glória sem mácula, de Ronald Neame; Os crimes de Oscar Wilde, de Ken Hughes; A verdade, de Henri-Georges Clouzot; e A fonte da donzela, de Ingmar Bergman – drama ambientado na Suécia medieval, sobre jovem que é estuprada e morta, em cena considerada muito violenta à época do lançamento do filme na América –, ganhador do Oscar de filme estrangeiro e de menção especial no Festival de Cannes.

– 1961: – Drama: – Os canhões de Navarone. Direção de J. Lee Thompson. Folclórico filme de ação militarista, baseado na obra de Alistar Maclean, passado na fictícia ilha de Navarone. Grupo de soldados da resistência se empenha para desativar dois enormes canhões estrategicamente colocados pelas forças nazistas em ilha do Mar Egeu. Boa ficção, amparada por elenco de primeira e bastante ação, ganhou o Oscar de efeitos especiais;

– Comédia: – Do outro lado da ponte. Dir. de Mervyn Leroy. Filme da fase decadente do diretor Leroy, importante realizador nos anos 1930. Forçada narrativa do namoro de uma matrona judaica e um japonês viúvo;

– Musical: – Amor, sublime amor. Direção de Robert Wise e Jerome Robbins. Grande musical, o filme evoca a história de Romeu e Julieta, em frenética adaptação transplantada para as ruas de Nova York, nos anos 1950. Homem descendente de italianos (Richard Beymer) se apaixona por mulher descendente de porto-riquenhos (Natalie Wood). Gangues preconceituosas lutam entre si e procuram impedir a concretização da união dos dois enamorados. Filme ganhador de 10 Oscar: filme, direção, ator coadjuvante (George Chakiris), atriz coadjuvante (Rita Moreno), fotografia, figurinos, montagem etc. O ponto alto do filme é a coreografia de Robbins, que ganhou um Oscar especial;

– Samuel Goldwyn International Award: – A marca do cárcere. Dir. de Guy Green. Filme forte e dramático. Criminoso sexual, emocionalmente abatido após cumprir pena, deseja dar um novo sentido à sua vida.

– 1962: – Drama: – Lawrence da Arábia. Direção de David Lean. Ganhador de sete Oscar. O roteiro de Robert Bolt e Michael Wilson baseou-se no livro de Lawrence, Os sete pilares da sabedoria, de 1926. Thomas Edward Lawrence (1888-1935), conhecido como Lawrence da Arábia, renunciou à carreira de agente político britânico para unir e comandar tropas árabes contra o império turco, durante a I Guerra Mundial. O filme, com 206 minutos de duração, mostra inesquecíveis cenas de batalhas no deserto;

– Comédia: – Carícias de luxo. Direção de Delbert Mann. Deliciosa comédia sofisticada em que poderoso empresário playboy tenta conquistar garota do interior. Ele só pensa em se divertir, e ela sonha com um casamento, o que dá origem a diversas situações engraçadas, com atuações seguras de Cary Grant e Doris Day, imbatíveis;

– Musical: – O vendedor de ilusões. Direção de Morton Da Costa. Fiel adaptação de um sucesso da Broadway, conta a história de um artista trapaceiro (Robert Preston) que consegue convencer moradores de pequena cidade de que é capaz de ensinar seus filhos a tocarem em uma banda, quando ele mesmo nem consegue distinguir as notas musicais. No final, tudo dá certo, com a ajuda da bibliotecária da cidade (Shirley Jones), que se apaixonara por ele;

– Samuel Goldwyn International Award: – Sempre aos domingos. Direção de Serge Bourguignon. Filme que narra a amizade de um amnésico e uma garotinha, foi o ganhador do Oscar de melhor filme estrangeiro, deixando para trás o nosso O pagador de promessas, de Anselmo Duarte, que levou a Palma de Ouro em Cannes. Em 1991, o filme Domenica specialmente, de Giuseppe Tornatore, que contém quatro histórias dominicais, também teve o título em português de “Sempre aos domingos”. Falta de imaginação ou esperteza?

– 1963: – Drama: – O cardeal. Direção de Otto Preminger. Drama épico que mostra a ascensão de um padre de uma pequena paróquia até cardeal. Um tema corajoso que revela a luta pelo poder nos bastidores do Vaticano;

– Musical ou comédia: – As aventuras de Tom Jones. Direção de Tony Richardson. Ardente e indecorosa adaptação do romance realista de Henry Fielding (1707-1754), passado na turbulenta Inglaterra do século XVIII, A história de Tom Jones. Ao nascer, filho de empregados é adotado por nobre inglês; quando adulto, passa a ter uma vida de aventuras desventuras e diversão com mulheres. Ganhou os Oscar de filme, direção, roteiro e trilha sonora;

– Samuel Goldwyn International Award: – Ontem, hoje e amanhã. Direção de Vittorio De Sica. Três divertidíssimas comédias em puro estilo italiano. Produção premiada com o Oscar de melhor filme estrangeiro, ganhando do ótimo musical romântico Os guarda-chuvas do amor, que conquistou, merecidamente, a Palma de Ouro em Cannes. Para os apreciadores da música de Michel Legrand, o musical francês é imperdível.

– 1964: – Drama: – Becket. Direção de Peter Glenville. Após a morte do arcebispo de Canterbury, Teobaldo, em 1161, o rei Henrique II (1133-1189) nomeia, em 1162, seu amigo de farras Thomas Becket (1118-1170) para o cargo, acreditando que o nomeado, ao contrário de seu predecessor, iria ser favorável ao governo nas divergências com a Igreja. Mas seu antigo amigo revela-se bem mais rígido e transforma-se no mais sério e ativo defensor dos interesses e da liberdade da Igreja, se opondo mais ao rei do que os prelados que o antecederam. Filme ganhou o Oscar de melhor roteiro adaptado, e Peter O’Toole levou o Globo de Ouro de melhor ator-drama, por sua interpretação como Henrique II. Thomas Becket foi canonizado em 1173, três anos após sua morte, pelo papa Alexandre III;

– Musical ou comédia: – Minha bela dama. Dir. de George Cukor. Agradável versão musical da peça Pigmalião, de George Bernard Shaw (1856-1950), encenada em 1913 e publicada em 1916. É a história de um professor de fonética que, a fim de ganhar uma aposta, treina uma humilde e ignorante florista para tornar-se uma dama da sociedade. Ganhou oito Oscar, incluindo: filme, diretor, ator (Rex Harrison), fotografia, figurinos, trilha sonora adaptada (Andre Previn) e direção de arte;

– Samuel Goldwyn International Award: – Matrimônio à italiana. Direção de Vittorio De Sica. Engraçada e comovente história de amor que começa em Nápoles, em plena Segunda Guerra Mundial, época de comida escassa e muitos bombardeios. Com interpretação segura da dupla de sucessos Sophia Loren e Marcello Mastroiani, que já havia sido dirigida por De Sica em Ontem, hoje e amanhã (1963) e que, posteriormente, atuou em Os girassóis da Rússia (1970), de De Sica, e em Um dia muito especial (1977), de Ettore Scola, o filme conta a história de uma bela prostituta que se retira da profissão ao apaixonar-se por um esperto comerciante, que a leva para viver com ele, mas nunca assume um compromisso matrimonial. E o negócio dela era casar...

– 1965: – Drama: – Doutor Jivago. Dir. de David Lean. Baseado no best-seller  homônimo de Boris Pasternak (1890-1960), cuja publicação fora interditada na Rússia, mas apareceu na Itália em 1957, e levou, em 1958, o prêmio Nobel de Literatura, filme conta a odisseia de um médico e poeta aristocrata de ideais liberais, durante a I Guerra Mundial e os primeiros anos da Revolução Russa, quando se apaixona pela mulher de um líder soviético. Filme ganhou cinco Oscar, inclusive o de roteiro;

– Musical ou comédia: – A noviça rebelde. Dir. de Robert Wise. Às vésperas da II Guerra Mundial, noviça sai do convento para ser governanta e cuidar dos sete filhos de severo aristocrata austríaco antinazista. Acaba se apaixonando e casando com ele. Os filhos se tornam um conjunto vocal famoso, mas têm de escapar da Áustria após a Anexação (o filme é baseado na vida real da família Von Trapp, que saiu da Áustria em 1938, para escapar dos nazistas). Embora um tanto piegas, há que se ressaltar a trilha sonora de Richard Rodgers e Oscar Hammerstein II, romântica e agradável. Oscar de filme, direção, trilha sonora adaptada, montagem e som;

– Filme estrangeiro: – Julieta dos espíritos. Dir. de Federico Fellini. Primeiro longa em cores de Fellini, ganhador do Leão de Prata em Veneza e eleito o melhor filme estrangeiro do ano pela Associação dos Críticos de Nova York. Acreditando que seu marido a trai, mulher entra em crise existencial e passa a ter alucinações. Por meio de viagens oníricas pelo passado, procura elucidar o mistério de seus fantasmas;

– Filme estrangeiro de linguagem inglesa: – Darling, a que amou demais. Dir. de John Schlesinger. Ganhador do Oscar de roteiro, de figurinos, e de melhor atriz para a protagonista Julie Christie, filme mostra a história de jovem, atraente e bela modelo decidida a tornar-se rica e famosa, não hesitando em usar os homens à sua volta para atingir seus objetivos.

– 1966: – Drama: – O homem que não vendeu sua alma. Dir. de Fred Zinnemann. Baseado na obra de Robert Bolt, Um homem para todas as estações (1961), sobre a vida de Thomas More. Acreditando que sua mulher, Catarina de Aragão, não seria capaz de gerar um herdeiro à Coroa, o rei Henrique VIII decide romper com a Igreja e se divorciar para se casar com Ana Bolena, mas Thomas More, seu chanceler, mantém-se fiel a seus princípios e, corajosamente, recusa-se a apoiar a decisão. Ganhador de seis Oscar: filme, diretor, ator (Paul Scofield, como More), roteiro, fotografia e figurinos;

– Musical ou comédia: – Os russos estão chegando! Os russos estão chegando! Dir. de Norman Jewison. Divertida sátira à Guerra Fria. Doido para conhecer a América, comandante russo encalha seu submarino próximo às costas da Nova Inglaterra, causando pânico coletivo na população, que julgava estar sendo invadida;

– Filme estrangeiro: – Um homem, uma mulher. Dir. de Claude Lelouch. Um clássico do cinema romântico, que levou, além do Oscar de filme estrangeiro e roteiro original, a Palma de Ouro em Cannes. Mostra o romance de dois viúvos e com filhos, em busca de outra oportunidade para serem felizes;

– Filme estrangeiro de linguagem inglesa: – Como conquistar as mulheres. Dir. de Lewis Gilbert. Atuação marcante de Michael Caine como um típico motorista londrino que não consegue resistir a um rabo-de-saia. As conquistas efêmeras levam-no a questionar seu modo de vida. A impressionante canção-título (Alfie) é, até hoje, sucesso internacional.

– 1967: – Drama: – No calor da noite. Dir. de Norman Jewison. Audacioso clássico sobre discriminação racial. Xerife racista do sul dos EUA reluta em aceitar ajuda de detetive negro que chegara à cidade para tentar elucidar o caso de um bizarro assassinato. Filme ganhador de cinco Oscar: melhor filme, roteiro, montagem, som e ator (Rod Steiger, no papel do xerife, embora a atuação de Sidney Poitier como o detetive tenha sido soberba). Teria havido discriminação racial também na entrega do Oscar?;

– Musical ou comédia: – A primeira noite de um homem. Dir. de Mike Nichols. Primeiro papel de destaque de Dustin Hoffman, que interpreta um jovem recém-formado que é seduzido e tem sua iniciação sexual feita por uma mulher de meia-idade, esposa do sócio de seu pai. Anne Bancroft interpreta, com muita propriedade, a sensualíssima Mrs. Robinson. Filme bem-humorado e romântico, com trilha sonora com sucessos da dupla Paul Simon e Art Garfunkel, destacando-se a famosa Mrs. Robinson, cujos primeiros versos são: “And here’s to you, mrs. Robinson / Jesus loves you more than you will know (wo, wo, wo)”;

– Filme estrangeiro: – Viver por viver. Dir. de Claude Lelouch. Famoso produtor e noticiarista de TV deixa a esposa após ficar fascinado por uma modelo, com a qual rompe ao ser designado para o Vietnã. Na volta da guerra, decide reatar o casamento, mas talvez seja tarde demais. Razoável filme de Lelouch após sua obra anterior Um homem, uma mulher (1966), que obteve apreciável sucesso;

– Filme estrangeiro de linguagem inglesa: – Apenas uma mulher. Dir. de Mark Rydell. Baseado em romance de D. H. Lawrence (1885-1930), filme mostra o clima de sensualidade que envolve duas mulheres, numa isolada casa de fazenda, no Canadá, abalado quando um homem se introduz em suas vidas, tornando a relação instável.

– 1968: – Drama: – O Leão no inverno. Dir. de Anthony Harvey. A disputa familiar pelo trono inglês, no séc. XII, envolvendo o rei Henrique II (1133-1189), os filhos entre os quais pretendia eleger seu sucessor (Henrique III, João Sem Terra e Ricardo Coração-de-Leão) e a rainha Eleanor (sic) de Aquitânia. Katharine Hepburn, com grande desempenho como a rainha, ganhou o Oscar de melhor atriz. Nota: Alienor ou Eleonora da Aquitânia (1122-1204) casou-se, em 1152, com o futuro rei da Inglaterra (Henrique II), a quem concedeu, como dote, a Aquitânia. Mais tarde, por apoiar seus filhos contra o rei, foi enclausurada por ele de 1173 até 1189. De 1190 a 1194, participou do reinado de seu filho, Ricardo Coração-de-Leão;

– Musical ou comédia: – Funny girl – A garota genial. Dir. de William Wyler. “Ruim como biografia, mas excelente como musical”, segundo Leonard Maltin em seu Movie and video guide – 2001. É a história de Fanny Brice, cantora-comediante judia que se tornou uma das maiores personalidades do Zigfeld’s Follies, luxuoso e elegante espetáculo de variedades surgido a partir de 1909 nos EUA. Barbra Streisand ganhou o Oscar de melhor atriz neste seu filme de estreia, que tem poucos números musicais de qualidade, destacando-se a famosa canção People. Filme teve uma continuação em 1975: Funny lady, sob a direção de Herbert Ross;

– Filme estrangeiro: – Guerra e paz. Dir. de Sergei Bondarchuk. Um filme de 373 minutos produzido em Moscou com custo superior a 100 milhões de dólares. É uma homônima e fidelíssima adaptação da primeira obra-prima de Tolstoi (1828-1910), um painel da vida russa entre 1805 e 1821, período de grandes acontecimentos históricos; em sua monumental novela épica, Tolstoi descreve dezenas de episódios ficcionais e históricos, tendo como pano de fundo um cenário de guerra, com a invasão da Rússia por parte das tropas napoleônicas em 1812, momento de profunda convulsão;

– Filme estrangeiro de linguagem inglesa: – Romeu e Julieta. Dir. de Franco Zeffirelli. A célebre tragédia de amor do jovem casal que se apaixona, apesar de pertencerem a duas famílias rivais de Verona. Com apurada reconstituição de época, é uma das melhores adaptações cinematográficas da obra de Shakespeare. Produção ganhou os Oscar de vestuário e de fotografia.

– 1969: – Drama: – Ana dos mil dias. Dir. de Charles Jarrott. Filme histórico centrado na figura da jovem e bela Ana Bolena, pela qual o rei Henrique VIII abandonou a rainha Catarina de Aragão, que não foi capaz de gerar um herdeiro para a Coroa. Uma obsessão e uma história de amor que mudaram a Inglaterra para sempre. O mesmo assunto já havia sido abordado em O homem que não vendeu sua alma, de Fred Zinnemann, ganhador do Oscar e do Globo de Ouro de 1966;

– Musical ou comédia: – O segredo de Santa Vitória. Dir. Stanley Kramer. A história de Bambolini, um simplório ébrio da pequena cidade italiana de Santa Vitória, no final da II Guerra Mundial. Ao saber que o governo fascista estava em seus últimos dias, ele sobe numa torre para derrubar a bandeira, mas fica com dificuldades para descer. Alguém incita o povo a cantar seu nome para dar-lhe confiança. Os dirigentes fascistas ouvem o vozerio e acreditam que Bambolini é o novo líder da cidade. Rendem-se a ele e fazem dele o novo prefeito. Mas quando ele descobre que os alemães planejam ocupar sua cidade e tomar seu vinho, arma um plano para esconder cerca de um milhão de garrafas...;

– Filme estrangeiro: – Z. Dir. Costa-Gavras. Baseado em fatos reais, aborda o assassinato político de um líder esquerdista, em 1963, durante a ditadura militar na Grécia, por terroristas da direita. Uma denúncia contra os regimes ditatoriais ou de opressão, o filme esteve proibido no Brasil durante um bom tempo, embora tenha ganhado o Oscar de filme estrangeiro;

– Filme estrangeiro de linguagem inglesa: – Oh! Que bela guerra. Dir. Richard Attenborough. Comédia musical em que Attenborough, em seu primeiro filme como diretor, zomba da guerra de 1914 e dos políticos que a provocaram, retratando episódios famosos ou infames (famous or infamous, em inglês), incluindo o assassinato do arquiduque herdeiro da Áustria, Francisco Ferdinando (1863-1914), o Natal entre soldados ingleses e alemães em um território neutro, e outras vinhetas sarcásticas;

– 1970: – Drama: – Love story – Uma história de amor. Dir. Arthur Hiller. Trágico melodrama romântico, excessivamente sentimental. Com um enredo que provocou muitas lágrimas nos espectadores na época de seu lançamento, conta a história de amor entre dois jovens, bruscamente interrompida devido a uma doença fatal na moça;

– Musical ou comédia: – M.A.S.H. – Dir. Robert Altman. Hilariante e irreverente filme antibelicista (mistura humor sarcástico com cenas sangrentas e nojentas, sensualidade e linguajar grosseiro) que envolve médicos anti-sistema, cumprindo sua missão com muita ironia e sangue frio, em uma unidade móvel do exército americano na Guerra da Coreia. Filme foi o ganhador da Palma de Ouro em Cannes, do Oscar de melhor roteiro, e gerou uma ótima série de TV. Para aqueles que não sabem, MASH é abreviatura de Mobile Army Surgical Hospital;

– Filme estrangeiro: – O passageiro da chuva. Dir. René Clément. Prato feito para quem gosta de Charles Bronson, em um de seus melhores filmes. Com bons textos e imagens, Clément realizou um filme policial inteligente. Mulher que matou um agressor que a violentara passa a ser perseguida por um estranho americano que parece saber o que aconteceu e quer que a verdade venha à tona;

– Filme estrangeiro de linguagem inglesa: – Mulheres apaixonadas. Dir. Ken Russel. Baseado no romance homônimo do escritor inglês D. H. Lawrence (1885-1930), é um filme intensamente erótico que retrata dois interessantes casos de amor e os modos diferentes de pensar de seus protagonistas. Primeiro filme de grande circuito a ter uma cena de nu frontal masculino e a ganhar o Oscar de melhor atriz que participou de uma cena de nudez (Glenda Jackson, que, talvez envergonhada, não compareceu à cerimônia de entrega do Oscar);

– 1971: – Drama: – Operação França. Dir. William Friedkin. Com locações reais em Nova York, é um grande filme de ação, baseado em um livro de Robin Moore inspirado em um caso real. Mostra, de forma nua e crua, a atuação de dupla de policiais (Gene Hackman – como Jimmy “Popeye” Doyle – e seu parceiro, Roy Scheider) no violento combate a refinado narcotraficante francês (Fernando Rey) que começa a estender sua organização nos EUA. Ficou célebre a fantástica cena de perseguição de automóveis, uma das melhores até hoje filmadas. Ganhador de cinco Oscar: filme, diretor, ator, roteiro adaptado e montagem;

– Musical ou comédia: – Um violinista no telhado. Dir. Norman Jewison. Transposição não muito feliz para a telona de um dos mais longos musicais da Broadway, conta a história de uma família de judeus tentando honrar suas tradições, em plena Revolução Russa;

– Filme estrangeiro: Azulay the policeman. Dir. Ephraim Kishon. Filme israelense que conta a história de um bondoso, mas incompetente policial de Jaffa. Seus superiores desejam que ele se aposente, mas ele gostaria de permanecer na tropa. Os criminosos locais, que também não desejam ver sua saída, tentam achar um meio de ajudá-lo a conservar seu emprego. DVD disponível somente no site www.judaicawebstore.com, com legendas em inglês;

– Filme estrangeiro de linguagem inglesa: – Domingo maldito. Dir. John Schlesinger. Estranho triângulo amoroso: mulher ama homem, mas este ama outro homem, que, por sua vez, ama os dois primeiros. Numa cena ousada para a época, os dois homens se beijam. Seria essa visão liberal do homossexualismo fonte inspiradora para o ousado O segredo de Brokeback Mountain, filme que ganhou o Globo de Ouro de 2006 e concorreu ao Oscar? O tema da homossexualidade já havia inspirado Schlesinger em Darling, a que amou demais (ganhador do Globo de Ouro de 1965) e em Perdidos na noite (ganhador do Oscar de filme, direção e roteiro de 1969), este com interpretação admirável de Dustin Hoffman e John Voight, mas sem cenas mais escandalosas, talvez porque tivesse sido reduzido dos 113 minutos da cópia original para os 86 minutos em VHS/DVD.

– 1972: – Drama: – O poderoso chefão. Dir.: Francis Ford Coppola. Baseado no best-seller de Mario Puzo (O chefão, 1969), com brilhante direção e elenco impecável, registra a saga da famiglia Corleone, nos Estados Unidos dos anos 1940 e 1950, e sua luta com outros grupos mafiosos pelo controle de negócios ilegais, com destaque para a ascensão de Michael Corleone (Al Pacino), filho do patriarca Don Vito Corleone (Marlon Brando, em excelente atuação). Um grandioso filme, de  proporções épicas, com várias sequências clássicas e memorável música de Nino Rota. Ganhou os Oscar de filme, roteiro e ator principal (Brando, que se recusou a receber);

– Musical ou comédia: – Cabaret. Dir. Bob Fosse. Espécie de metáfora sobre os últimos dias da República de Weimar e da ascensão do nazismo, filme conta a história da frenética Sally Bowles, cantora e dançarina americana atuando nos cabarés de Berlim, durante o surgimento do poder alemão. Bob Fosse soube retratar a Alemanha da época pré-hitlerista com um musical inovador, onde os números musicais – que anteriormente eram integrados à narrativa – foram desenvolvidos nos palcos, à exceção da música Tomorrow belongs do me, que seguiu o esquema antigo. Filme ganhou oito Oscar, incluindo diretor, atriz (Liza Minnelli), trilha sonora adaptada, fotografia e ator coadjuvante (Joel Grey);

– Filme estrangeiro: – Os emigrantes. Dir. Jan Troell, autor de uma grande obra que desmistifica a história da povoação dos EUA, mostrando, em seis horas, a saga de uma família sueca pobre que foi tentar sobreviver na América. O filme é dividido em duas partes: Os emigrantes (1971) e O preço do triunfo (1972). Os emigrantes foi um dos cinco filmes estrangeiros que já concorreram diretamente ao Oscar de melhor filme, e não apenas de filme estrangeiro;

– Filme estrangeiro de linguagem inglesa: – Nas garras do Leão. Dir. Richard Attenborough. A história da juventude do estadista britânico Winston Churchill (1874-1965), desde os dias escolares, passando por sua experiência jornalística na África, até uma primeira eleição para o Parlamento. Este foi o último filme premiado com o “Globo de Ouro de Filme Estrangeiro de Linguagem Inglesa”; a partir de 1973, os membros da Associação da Imprensa Estrangeira de Hollywood (HFPA, na sigla em inglês) passaram a premiar apenas um filme estrangeiro por ano, de linguagem inglesa ou não.

– 1973: – Drama: – O exorcista. Dir. William Friedkin. Um marco na história do cinema de horror, com assustadores e nauseantes efeitos especiais. Baseado no best-seller de William Peter Blatty sobre uma jovem possuída por um espírito demoníaco, ganhou o Oscar de melhor roteiro adaptado;

– Musical ou comédia: – Loucuras de verão. Dir. George Lucas. Hilariante cult movie sobre adolescentes, às vésperas da formatura, e suas preocupações imediatas, como: dirigir, conquistar garotas, os estudos, o serviço militar etc., foi um tremendo sucesso de público e teve várias indicações para o Oscar. Alguns intérpretes do filme ganharam notoriedade: Harrison Ford, Richard Dreyfuss, Ron Howard e Cindy Williams;

– Filme estrangeiro: – O pedestre. Dir. Maximilian Schell. Bem-sucedido industrial vê sua vida complicar-se quando é revelado o fato de ter sido um oficial nazista que participou de ações de extermínio em uma aldeia grega.

– 1974: – Drama: – Chinatown. Dir. Roman Polanski. Ganhador do Oscar de melhor roteiro, este é um excelente drama policial, ambientado na Los Angeles dos anos 1930. Com uma trama complexa, ótimo clima de suspense e inusitada fotografia, filme agrada aos mais exigentes fãs do gênero, seguindo o estilo dos romances policiais de Dashiel Hammett e Raymond Chandler, com memorável desfecho;

– Musical ou comédia: – Golpe baixo. Dir. Robert Aldrich. Antigo profissional de futebol, cumprindo sentença em penitenciária, arma uma equipe de sujos jogadores para enfrentar o selecionado time do diretor. Hilariante comédia, com muita pancadaria e malandragem;

– Filme estrangeiro: – Cenas de um casamento. Dir. Ingmar Bergman. Os encontros e desencontros de um casamento em desintegração, numa visão apaixonada, honesta e investigativa do relacionamento humano.

– 1975: – Drama: Um estranho no ninho. Direção de Milos Forman. Nesta parábola feroz da forma de vida de um hospício do Oregon, ao mesmo tempo divertida e apavorante, condenado esperto (Jack Nicholson), que se fingiu de louco para ser transferido para o manicômio, defronta-se com a tirania da enfermeira-chefe (Louise Fletcher), que trata os pacientes de modo cruel. Diante do absurdo da situação, incita os internos a se rebelarem junto com ele. Filme vencedor de cinco Oscar: filme, diretor, ator (Nicholson), atriz (Fletcher) e roteiro;

– Musical ou comédia: – Uma dupla desajustada. Dir. Herbert Ross. Dois ex-comediantes, depois de anos de separação, são persuadidos a se juntarem novamente, para um especial de TV. Ao formarem novamente a dupla, antigas discórdias vêm à tona. Comédia de humor abrasivo, com ótimas atuações de Walter Mattau e Georges Burns. Burns, famoso por seus charutos e tiradas espirituosas, volta a participar de um filme após um período de 35 anos (seu último filme fora Honolulu, em 1939) e levou o Oscar de melhor ator. Esta comédia foi refilmada em 1995, sob o nome Feitos um para o outro, com Peter Falk e Woody Allen, em rara aparição fora de seus próprios filmes;

– Filme estrangeiro: – Lembranças da minha infância. Dir. de Jan Kadar. Penúltimo filme do diretor tcheco Kadar (1918-1979), refugiado nos EUA após a intervenção russa de 1968. Terna e comovente produção canadense, mostra a história de um garoto de um gueto judaico do Canadá, nos anos 1920, que idolatra seu avô, um homem simples e antiquado.

– 1976: – Drama: – Rocky, um lutador. Dir. John G. Avildsen. Pintura  sinistra e ufanista do mundo do boxe. Boxeador medíocre (Sylvester Stallone), incentivado pela mulher (Talia Shire), treinador (Burguess Meredith) e amigos, aceita desafio de lutar contra o campeão mundial e se recupera de sua fase decadente. Oscar de filme, direção e montagem;

– Musical ou comédia: – Nasce uma estrela. Dir. Frank Pierson. A mais fraca adaptação da história da ascensão de uma estrela (as outras foram em 1937, com Janet Gaynor, e em 1954, com judy Garland). Caso o leitor deseje conhecer a trama, recomendamos a versão de 1954, com direção de George Cukor e brilhantes participações de Judy Garland e de James Mason, indicados para o Oscar;

– Filme estrangeiro: – Face a face. Dir. Ingmar Bergman. Drama de uma psiquiatra vítima de severo colapso nervoso, com brilhante atuação de Liv Ullmann. Originalmente, o filme era uma quarta parte de uma minissérie televisiva.

– 1977: – Drama: – Momento de decisão. Dir. Herbert Ross. Filme para quem gosta de balé (inúmeras cenas), feito, possivelmente, para promover a estreia de Mikhail Baryshnikov no cinema. A quantidade de clichês sobre a liberação feminina compromete o resultado da produção, que conta o reencontro de duas amigas bailarinas, após muitos anos. Uma, agora, é estrela, e a outra, uma dona-de-casa que dá aulas de balé;

– Musical ou comédia: – A garota do adeus. Dir. Herbert Ross. Teatral comédia romântica, com ótimas interpretações de Richard Dreyfuss, que ganhou o Oscar, e Marsha Mason, que estava casada com ele na época. A história reúne um jovem ator e uma corista mais idosa, divorciada e com filha pequena, que sublocara seu apartamento em Nova York para ele. Segundo Globo de Ouro para o diretor Herbert Ross neste ano;

– Filme estrangeiro: – Um dia muito especial. Dir. Ettore Scola. Novamente a dobradinha Sophia Loren e Marcello Mastroianni, em mais uma produção, digamos, especial. Com um tema trivial e intimista, filme conta a história de uma esposa infeliz e seu vizinho, um radialista homossexual, e mostra a repressão às ideias na Itália fascista.

– 1978: –  Drama: – O expresso da meia-noite. Dir. Alan Parker. Filme merecidamente ganhador do Oscar de roteiro, mostra o violento inferno vivido pelo jovem americano Billy Hayes nas prisões da Turquia, após ser preso com carga de haxixe no aeroporto, ao tentar voltar para os EUA;

– Musical ou comédia: – O céu pode esperar (Heaven can wait). Dir. Warren Beatty. Agradável comédia fantástica em que jogador de futebol americano morre em desastre, mas volta do céu para o corpo de outro homem. Refilmagem bem construída, mas inferior ao original Que espere o céu (Here comes mr. Jordan), de 1941, dirigida por Alexander Hall. Nova versão da história foi feita em 2001, com o nome em português O céu pode esperar (Down to Earth), dirigida por Chris e Paul Weitz, dando ênfase ao preconceito racial;

– Filme estrangeiro: – Sonata de outono. Dir. Ingmar Bergman. A confrontação emocional entre mãe e filha que se reencontram após mais de sete anos de ausência. Filme denso, onde amarguras, velhos rancores, recriminações e cobranças afluem, travando-se verdadeiros duelos entre as protagonistas. Uma aula de arte dramática das atrizes Ingrid Bergman e Liv Ullmann.

– 1979: – Drama: – Kramer vs. Kramer. Dir. Robert Benton. Tudo a ver com algumas relações familiares dos tempos modernos, onde a liberação feminina e o divórcio propiciaram mudanças de comportamento nos homens e nas mulheres. Mulher (Meryl Streep) abandona marido (Dustin Hoffman) que consegue, temporariamente, a custódia do filho do casal e é obrigado a continuar trabalhando e, também, a cuidar da criança de 7 anos. Alguns meses depois, ela volta para tentar recuperar o filho. Seguem-se cenas comuns de tribunal, acompanhadas de um sentimentalismo que comoveu as plateias e a Academia de Hollywood. Resultado: cinco Oscar: filme, diretor, ator (Hoffman), atriz coadjuvante (Streep) e roteiro adaptado;

– Musical ou comédia: – Correndo pela vitória. Dir. Peter Yates. Filme ganhador do Oscar de roteiro original, mostra, de modo realista e convincente, a vida de quatro jovens estudantes amigos, indecisos quanto ao rumo que devem dar às suas vidas. Um deles, ciclista, aspira igualar-se a grandes ídolos e treina para ganhar as 100 Milhas de Indianópolis;

– Filme estrangeiro: – A gaiola das loucas. Dir. Édouard Molinaro. Filme que nos traz recordações saudosas das excelentes performances de Jorge Dória e Carvalhinho, em peça de igual nome passada nos teatros do Rio de Janeiro, e que deveria merecer uma versão para a telona. Agora, é tarde; temos de nos contentar com a produção franco-italiana, com Ugo Tognazzi e Michel Serraut. A história é por muitos conhecida: casal homossexual (um, dono de um clube noturno; o outro, “cantora” do tal clube) se mete em diversas trapalhadas ao tentar disfarçar sua condição, quando o filho (heterossexual) de um deles resolve trazer os pais de sua noiva para que seu pai os conheça.

– 1980: – Drama: – Gente como a gente. Dir. de Robert Redford. Impressionante estreia de Redford como diretor, logo ganhando o Oscar por sua soberba e sensível adaptação do romance de Judith Guest. A desintegração tensa e sofrida de uma família de classe média alta, após a morte de seu primogênito. O filho caçula (Timothy Hutton) sente-se culpado pela morte acidental do irmão e, desprezado pela mãe, busca ajuda psiquiátrica para evitar sua tendência ao suicídio, começando a descobrir detalhes sobre si mesmo e sua relação com a família. Quatro Oscar: filme diretor, roteiro (Alvin Sargent) e ator coadjuvante (Timothy Hutton);

– Musical ou comédia: – O destino mudou sua vida. Dir. Michel Apted. A história da cantora de música country  Loretta Lynn, que, apesar de ter um marido ciumento e um pai severo, se tornou uma estrela. Oscar de melhor atriz para Sissy Spacek, que inclusive utiliza a própria voz em algumas músicas. Leonard Maltin (in: Movie and Video Guide, 2001) afirma que o filme se insere entre os melhores musicais biográficos já realizados;

– Filme estrangeiro: – Tess. Dir. Roman Polanski. Baseado no livro de Thomas Hardy (1840-1928), Tess of the D'Urbevilles, de 1891, que conta a história de uma camponesa de família pobre tentando provar sua descendência nobre, numa sociedade hipócrita. Primeiro filme romântico de Polanski, ganhou os Oscar de figurino, direção de arte e fotografia.

– 1981: – Drama: – Num lago dourado. Dir. Mark Rydell. Recordar é viver. Casal, ao comemorar 48 anos de casamento, volta a Golden Pond, para uma casa à beira de um lago na Nova Inglaterra. Ele, beirando os 80 anos, continua o rabugento e dominador de sempre; ela, meiga e devotada esposa. Os protagonistas Henry Fonda e Katharine Hepburn levaram o Oscar por seu desempenho neste calmo e envolvente filme, o último na carreira de Fonda;

– Musical ou comédia: – Arthur, o milionário sedutor. Dir. Steve Gordon. Comédia ao estilo dos anos 1930, em que milionário boa-vida tem a vida complicada quando sua família decide que ele deve casar-se com alguém do mesmo nível social, mas ele conhece e se apaixona por garota de classe inferior. Boas atuações de Dudley Moore, como Arthur, e John Gielgud, que levou o Oscar de ator coadjuvante, no papel do impecável mordomo de Arthur;

– Filme estrangeiro: – Carruagens de fogo. Dir. de Hugh Hudson. Num ano em que o excelente Caçadores da arca perdida concorria ao Oscar, a zebra baixou em Hollywood: a obra de Hudson levou o Oscar de melhor filme. Em outros aspectos, entretanto, ela tem seus predicados: um belo visual, trilha sonora emocionante e ótimo roteiro. A ação se passa na Inglaterra dos anos 1920: um filho de missionário escocês e um estudante judeu disputam a medalha de ouro das Olimpíadas de 1924. Baseada em fatos reais, a trama mostra as razões diferentes pelas quais lutam, suas emoções, frustrações e problemas. Oscar de filme, roteiro (Colin Welland), trilha sonora (Vangelis) e figurinos (Milena Canonero);

– 1982: – Drama: – E. T. – O extraterrestre. Dir. Steven Spielberg. A conhecida história da adorável criança do espaço e seu encontro com o hostil mundo adulto da Terra;

– Musical ou comédia: – Tootsie. Dir. Sydney Pollack. Comédia que reafirma o talento de Dustin Hoffman, aqui interpretando um ator desempregado que se disfarça de mulher para conseguir participar de um teste para um papel feminino de uma telenovela. Tudo se complica quando ele se apaixona por uma bela colega de trabalho (Jessica Lange, que ganhou o Oscar de melhor atriz coadjuvante);

– Filme estrangeiro: – Gandhi. Dir. de Richard Attenborough. Grandiosa biografia épica de Mohandas Karamchand Gandhi (1869-1948), o extraordinário líder político e espiritual, adepto da não-violência e que levou a Índia a libertar-se do domínio inglês. Perfeita atuação do ator britânico Ben Kingsley no papel-título. Filme levou oito Oscar: filme, ator, diretor, roteiro (John Briley e Attenborough), montagem, direção de arte, vestuário e cinematografia;

– 1983: – Drama: – Laços de ternura. Dir. de James L. Brooks. Melodrama amargo e comovente mostra um complicado relacionamento de 30 anos entre mãe (Shirley Maclaine) e filha (Debra Winger), suas brigas, reconciliações e amores, num misto de humor e sofrimento. Os problemas aumentam com a chegada de um ex-astronauta mulherengo (Jack Nicholson) que vive de glórias passadas. Oscar de filme, diretor, atriz (Maclaine), ator coadjuvante (Nicholson) e roteiro adaptado;

– Musical ou comédia: – Yentl. Dir. Barbra Streisand. Adaptação para o cinema do conto do escritor norte-americano de expressão iídiche (língua falada por uma parte dos judeus, e cuja base é o alto-alemão do séc. XIV, acrescido de elementos hebraicos e eslavos. – Dic. Aurélio) Isaac Bashevis Singer (1904-1991), Yentl e outros contos, marca a estreia de Barbra Streisand como diretora-produtora. Jovem judia, no fim do séc. XIX, na Europa Oriental, disfarça-se de garoto para realizar seu sonho de estudar;

– Filme estrangeiro: – Fanny e Alexandre. Dir. Ingmar Bergman. As dores, as alegrias, a exuberância e os tormentos de rica família sueca que se reúne para comemorar o Natal, vistas através dos olhos de duas crianças. Bela fantasia sobre a infância, de uma ternura pouco comum em filmes de Bergman. Acostumados ao ambiente liberal que imperava na casa as crianças não escondem sua tristeza ao ver sua jovem mãe casar-se com um pastor protestante cruel e puritano, que passa a exigir rígidas regras de conduta. Obra de arte de grande amplitude ganhou, merecidamente, o Oscar de filme estrangeiro, fotografia, figurino e direção de arte, além do César (França), Globo de Ouro de melhor diretor, e outros.

– 1984: – Drama: – Amadeus. Dir. Milos Forman. Adaptação de uma peça de Peter Shaffer sobre a vida do grande compositor austríaco Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791), ressalta a perseguição que este sofreu por parte de seu rival, o invejoso Antonio Salieri (1750-1825), compositor oficial da corte do imperador José II. De acordo com a história, Salieri levou Mozart à morte pelo excesso de trabalho (a peça de Shaffer, no entanto, é criticada por alteração de fatos históricos, ao criar, injustamente, uma antipatia contra a obra e o comportamento de Salieri). O filme, entretanto, é suntuoso, com lindas músicas e imagens, figurino de primeira, elenco com excelentes atuações, ótimo roteiro e história dinâmica. Uma festa para os ouvidos e para os olhos. Ganhou oito Oscar: filme, ator (F. Murray Abraham, como Salieri), diretor, som, roteiro, diretor de arte, figurinos e maquiagem;

– Musical ou comédia: – Tudo por uma esmeralda. Dir. Robert Zemeckis. Filme agitado, com muita ação, tipo aventuras de Indiana Jones, mas em nível inferior, não deixando de constituir, entretanto, uma boa diversão. Famosa escritora de romances de aventura vive a realidade de perigosas e excitantes peripécias, ao tentar salvar sua irmã sequestrada por bandidos colombianos;

– Filme estrangeiro: – Passagem para a Índia. Dir. David Lean. Adaptação do livro homônimo de Edward Morgan Forster (1879-1970), de 1924, considerado o escrito mais exato sobre a questão indiana, conflito entre duas culturas: o Império Britânico e a tradição milenar do povo hindu; a complexa relação império-colônia – Ocidente-Oriente. Lean, em apurada direção, mostra a história de jovem mulher inglesa suposta vítima de estupro, em passeio turístico na Índia, nos anos 1920.

– 1985: – Drama: – Entre dois amores. Dir. Sydney Pollack. Baseado em cinco livros autobiográficos da escritora dinamarquesa Karen Blixen (1885-1962), que os assinou sob o pseudônimo de Isak Dinesen, o filme relata seu romance passado numa fazenda africana. Casada por conveniência com um primo indiferente, escritora (Meryl Streep) viaja da Dinamarca para Nairobi, onde se apaixona por aventureiro britânico (Robert Redford). O pecado maior do filme é sua longa duração (150 minutos). Ganhou 7 Oscar: filme, diretor, roteiro, fotografia (um visual belíssimo) e trilha sonora (John Barry);

– Musical ou comédia: – A honra do poderoso Prizzi. Dir. John Huston. Comicidade bizarra em filme policial, mostra um assassino profissional de família mafiosa de Nova York que se apaixona e se casa com uma contratada do grupo, sem saber que ela também é uma assassina de aluguel. Os dois terão uma sórdida missão: eliminarem um ao outro;

– Filme estrangeiro: – A história oficial. Dir. Luis Puenzo. Drama político de importância sobre a violenta ditadura militar que imperou na Argentina. Oscar de melhor filme estrangeiro.

– 1986: – Drama: – Platoon. Dir. Oliver Stone. Retrato emocionante dos horrores da guerra do Vietnã, feito por jovem soldado, em cartas remetidas para sua avó distante, narrando o inferno vivido por ele e seus companheiros, tentando sobreviver num clima de violência e loucura de uma carnificina sem sentido. Oscar de filme, diretor, montagem e som;

– Musical ou comédia: – Hannah e suas irmãs. Dir. Woody Allen. Humor e emoção em filme típico de Allen, um dos mais aclamados pela crítica. Crônica brilhante que mostra o relacionamento entre pessoas que magoam umas às outras e se ajudam a evoluir e a mudar. Mia Farrow é Hannah, dona-de-casa exemplar que se torna o centro de estabilidade de complicada família, ao amparar suas duas irmãs em momentos difíceis. Filme levou o Oscar de roteiro original e de atores coadjuvantes (Michael Caine e Diane Wiest);

– Filme estrangeiro: – O ataque. Dir. Fons Rademakers. Vencedor do Oscar de melhor filme estrangeiro, mostra o trauma de um garoto de uma pequena cidade holandesa que viu seus parentes serem assassinados pelos nazistas que suspeitavam da participação da família na morte de um colaborador, e como as memórias do fato repercutiram em sua vida nas décadas seguintes, quando tenta esclarecer a tragédia.

– 1987: – Drama: – O último imperador. Direção de Bernardo Bertolucci. Filme inspirado na história real de Pu Yi (ou Pu-Ii), o último imperador da China, que subiu ao trono aos 3 anos, em 1908, sob a regência de seu pai, o príncipe Tch’un, e que cresceu em meio à realeza, confinado na Cidade Proibida, em Pequim. Com a tomada do poder pelos comunistas, é deposto quando ainda adolescente e vê-se forçado a cuidar da própria subsistência no novo regime, pela primeira vez. Superprodução vencedora de nove Oscar: filme, diretor, roteiro adaptado, música, som, direção de arte, montagem e figurinos;

– Musical ou comédia: – Esperança e Glória. Dir. John Boorman. Os horrores dos primeiros anos da Segunda Guerra Mundial vistos sob a inocência de uma criança de 9 anos. Enquanto o pai está combatendo as forças nazistas no front, e sua mãe e suas irmãs se apavoram com os bombardeios que devastam Londres, para ele aquilo significa uma grande aventura: dias sem aula, descobertas nas ruínas e festival de fogos de artifício à noite, visto do abrigo anti-aéreo do quintal. Mas, no fim da guerra, sua visão inocente do conflito pode terminar...;

– Filme estrangeiro: – Minha vida de cachorro. Dir. Lasse Hallström. Interessante, afetuoso e comovente filme sobre a infância, mostra a tumultuada vida de travesso garoto de 12 anos que é enviado para viver com parentes, em um povoado rural da Suécia, nos anos 1950.

– 1988: – Drama: – Rain man. Dir. Barry Levinson. Rapaz egoísta (Tom Cruise) viaja para o meio-Oeste americano para o funeral de seu pai e fica sabendo que a herança paterna não é dele e sim de um irmão autista (Dustin Hoffman) – cuja existência ele desconhecia – que está internado em uma instituição. Vai ao asilo com a intenção de aproximar-se do irmão e procurar herdar sozinho a fortuna do pai. Na longa viagem de volta, eles vão reviver antigos sentimentos. O filme ressalta o crescimento da amizade entre os dois irmãos, sem cair no melodrama peculiar ao subgênero de fitas sobre hospitais e doentes. Oscar de filme, ator (Hoffman) direção e roteiro;

– Musical ou comédia: – Uma secretária de futuro. Dir. Mike Nichols. Comédia sofisticada de grande sucesso nos EUA. Ambiciosa secretária, cansada de ser assediada e receber baixo salário, aproveita a ausência de sua esperta chefe para tentar fechar um grande negócio e vencer no competitivo mundo da bolsa de valores de Nova York. Filme levou o Oscar de melhor canção, com Let the river run, de Carly Simon;

– Filme estrangeiro: – Pelle, o conquistador. Dir. Bille August. A saga de dois emigrantes suecos (pai e seu jovem filho) que sonham melhorar suas vidas na Dinamarca, no fim do século XX, mas enfrentam a discriminação dos dinamarqueses. Com excelente fotografia e ótimo roteiro, a produção ganhou o Oscar de melhor filme estrangeiro e a Palma de Ouro em Cannes.

– 1989: – Drama: – Nascido em 4 de julho. Dir. Oliver Stone. Baseado em livro autobiográfico de Ron Kovic. Soldado idealista que defendia seu país no Vietnã é ferido e fica paraplégico. Então, torna-se um ativista político, passando a questionar a posição americana na guerra e abandonando suas ideias conservadoras. Filme ganhou os Oscar de direção e de montagem;

– Musical ou comédia: – Conduzindo miss Daisy. Dir.Bruce Beresford. Sutil discurso anti-racista. Velha judia (Jessica Tandy) rabugenta e excêntrica, da Geórgia (Sul dos EUA), vê-se obrigada a conviver com motorista negro (Morgan Freeman) contratado pelo seu filho. Embora arredia e seca no início, vai, aos poucos, estabelecendo comovente relação de amizade com o empregado, que acaba sendo seu mais fiel companheiro por mais de vinte anos. Filme ganhou quatro Oscar: filme, roteiro adaptado (Alfred Uhry), maquiagem e atriz (Tandy);

– Filme estrangeiro: – Cinema Paradiso. Dir. Giuseppe Tornatore – Cineasta de sucesso retorna à pequena cidade natal e recorda-se da infância e da adolescência, na Sicília. Uma evocação nostálgica do cinema, que extrai emoção de fatos habituais. Prêmio do júri em Cannes e Oscar de melhor filme estrangeiro.

– 1990: – Drama: – Dança com lobos. Dir.Kevin Costner. Western ecológico e a favor da cultura indígena. Jovem tenente da Guerra Civil americana, com medo de amputar o pé após um acidente, se insere entre as tropas inimigas. Tido como herói, abandona a civilização e vai para território dominado pelos índios Sioux, onde faz amigos e, eventualmente, se torna um deles, com sensível mudança de seus conceitos sobre a vida. Sucesso de público, o filme ganhou sete Oscar: filme, diretor, roteiro adaptado (Michael Blake), trilha sonora original (John Barry), fotografia (Dean Semler), montagem (Neil Travis) e som;

– Musical ou comédia: – Passaporte para o amor. Dir. Peter Weir. Em seu primeiro trabalho no cinema americano, Gérard Depardieu interpreta um músico francês que vive ilegalmente nos EUA e se casa, por conveniência, com jovem botânica local, que queria alugar apartamento em prédio exclusivo para pessoas casadas. O nome do filme em inglês é Green Card, uma alusão ao documento que permite a estrangeiros migrar legalmente para os EUA e usufruir dos benefícios reservados aos cidadãos americanos;

– Filme estrangeiro: – Cyrano. Dir. Jean-Paul Rappeneau. Outro filme premiado com Gérard Depardieu, desta vez interpretando o famoso personagem da peça em versos (1897) de Edmond Rostand (1868-1918), baseada na vida do escritor francês Savinien de Cyrano de Bergerac (1619-1655). A conhecida história do poeta e espadachim que ama sua prima Roxanne, mas é incapaz de revelar-lhe seu amor, por ter vergonha do seu enorme nariz. Esta é a melhor versão para o cinema do drama de Bergerac e deu a Depardieu o prêmio de melhor ator no Festival de Cannes. Uma adaptação livre e hilariante da peça de Rostand foi realizada pelo diretor Fred Schepisi, em 1987, sob o nome Roxanne, tendo como protagonistas Steve Martin e Daryl Hannah.

– 1991: – Drama: – Bugsy. Dir. Barry Levinson. Num ano em que o ganhador dos cinco principais Oscar foi o sensacional O silêncio dos inocentes, de Jonathan Demme, esta biografia do gângster Benjamin “Bugsy” Siegel, construtor do primeiro hotel-cassino em Las Vegas, foi o preferido da Associação da Imprensa Estrangeira de Hollywood para receber o Globo de Ouro. O filme tem seus méritos, com Warren Beatty numa de suas melhores performances, grande atuação de coadjuvantes, ótima fotografia e música de Ennio Morricone. Indicado para nove Oscar, ganhou somente os de direção de arte e figurino;

– Musical ou comédia: – A bela e a fera. Dir. Gary Trousdale e Kirk Wise. Produção esmerada dos estúdios Disney, este foi o primeiro desenho animado a ser indicado para o Oscar de melhor filme. A história do príncipe transformado em besta por uma feiticeira, e sua prisioneira (a Bela), da qual ele deveria conquistar o amor, para quebrar o encanto, levou os Oscar de trilha sonora e de canção (Beauty and the beast);

– Filme estrangeiro: – Filhos da guerra. Dir. Agnieszka Holland. Filme conta o drama de um jovem, consagrado como herói alemão, para esconder sua origem judia. A trama foi impedida pelo governo alemão de concorrer ao Oscar.

– 1992: – Drama: – Perfume de mulher. Dir. Martin Brest. Baseado no filme italiano de 1974, de mesmo nome, dirigido por Dino Risi, esta refilmagem deu a Al Pacino seu primeiro Oscar de melhor ator, interpretando um velho e experimentado coronel cego que contrata jovem e inexperiente estudante, para guiá-lo em um inusitado fim de semana em Nova York;

– Musical ou comédia: – O jogador. Dir. Robert Altman. Crítica mordaz a certos vícios de Hollywood, como a ganância e o poder. Produtor, abalado por fracassos de bilheteria, começa a receber ameaças de morte. Obcecado com o fato, acaba matando o roteirista, que achava ser o responsável, e tenta se safar das investigações policiais. Filme com participações especiais de 30 atores conhecidos, ganhou a Palma de Ouro em Cannes de melhor diretor e de melhor ator (Tim Robbins);

– Filme estrangeiro: – Indochina. Dir. Régis Wargnier. Filme apenas razoável, ambientado na época da ocupação francesa na Indochina (hoje Vietnã), mostra a saga da dona de um seringal e de sua filha adotiva, ambas apaixonadas por oficial inimigo. Mistura de política e romance, teve o seguinte comentário de Jean Tulard (in: Dictionnaire du Cinéma – Les Realisateurs): “Folhetim anticolonialista, consternadora exaltação do comunismo na península que nem mesmo belas imagens conseguem salvar”;

– 1993: – Drama: – A lista de Schindler. Dir. Steven Spielberg. Adaptação do livro do romancista australiano Thomas Keneally (1935-). A história do industrial alemão que teria salvado mais de 1000 judeus poloneses do extermínio, durante a Segunda Guerra Mundial, empregando-os em sua fábrica. Uma grandiosa visão do holocausto judeu. Ganhou sete Oscar: filme, roteiro adaptado, diretor, fotografia, direção de arte, montagem e trilha sonora original;

– Musical ou comédia: – Uma babá quase perfeita. Dir. Chris Columbus. Com Robin Williams no auge de sua carreira e com magnífica interpretação, esta comédia ganhou o Oscar de maquiagem, ao mostrar a história de um divorciado que é impedido pela ex-esposa de passar mais tempo com os filhos e decide vertir-se de mulher e pleitear o cargo de babá em seu antigo lar;

– Filme estrangeiro: – Adeus minha concubina. Dir. Chen Kaige. Uma visão da história da China ao longo da vida de dois atores da Ópera de Pequim. Garotos em 1924, na “Era do Grande Guerreiro”, são treinados para divertir o povo, numa disciplina que inclui castigos corporais; às vésperas da guerra entre a China e o Japão, em 1937, eles já são atores consagrados, devido à ópera Adeus minha concubina. A ambígua e idílica amizade entre os dois sofre um abalo quando uma prostituta casa-se com um deles. A rendição dos japoneses, em 1945, e a entrada do Exército Popular de Libertação, em 1949, inauguram os tempos de repressão em Pequim; nessa época, eles se separam e seguem caminhos opostos. Com o início da Revolução Cultural, em 1966, a Ópera de Pequim é substituída por outros espetáculos, resultando, para os dois, os tempos de traição. Palma de Ouro em Cannes e indicação ao Oscar;

– 1994: – Drama: – Forrest Gump – O contador de histórias. Dir. de Robert Zemeckis. Grande sucesso de bilheteria no mundo inteiro, mostra os quarenta anos da vida de um jovem de baixo QI, que se supera e consegue ser um ídolo e herói de guerra. Técnicas digitais mostram Gump participando, em contracena, em eventos da vida real acontecidos com pessoas famosas já falecidas. Ganhou seis Oscar: filme, diretor, ator (Tom Hanks), montagem, roteiro adaptado e efeitos especiais;

– Musical ou comédia: – O rei leão. Dir. Roger Allers e Rob Minkoff. Desenho animado em superprodução dos Estúdios Disney, com muitos efeitos especiais. Uma história envolvente mostra a luta do leão Simba para recuperar seu trono, ocupado por um tio ususpador. Premiado com o Oscar de canção original (Can you feel the love tonight) e de melhor trilha sonora;

– Filme estrangeiro: – Farinelle, il castrato. Dir. Gérard Corbiau. Cinebiografia do cantor lírico italiano Carlo Broschi (1705-1782), um dos mais célebres castrati do séc. XVIII. “Os castrati eram os cantores italianos dos séculos XVI a XVIII  emasculados antes da puberdade, a fim de manterem o registro de soprano ou contralto de um menino, combinado com a força de emissão e o volume de voz de um homem adulto” (Enciclopédia Larousse). Embora com algumas incoerências históricas, a parte musical do filme deve agradar aos amantes da música erudita;

– 1995: – Drama: – Razão e sensibilidade. Dir. Ang Lee. Baseado em romance de Jane Austen (1775-1817) publicado em 1811, filme ganhou o Oscar de melhor roteiro adaptado. A ação acontece em uma casa no campo na puritana Inglaterra do séc. XIX e mostra a vida de uma viúva e de suas três filhas.  As duas irmãs mais velhas sonham e anseiam  por um grande amor. Fita com características das obras de Austen: descrição realista da sociedade e irônicas análises psicológicas;

– Musical ou comédia: – Babe, o porquinho atrapalhado. Dir. Chris Noonan. O filme australiano dá o ar de sua graça nesta encantadora fábula feita para todas as idades. As aventuras começam quando um fazendeiro é premiado numa feira com um porquinho órfão. Ações hilariantes se sucedem, com uma série de efeitos especiais, que levaram o Oscar. Sem dúvida, um ótimo entretenimento;

– Filme estrangeiro: – Os miseráveis. Dir. Claude Lelouch. Versão moderna que tenta traçar um paralelo com a história de Jean Valjean, principal personagem do romance homônimo de Victor Hugo (1802-1885), publicado em 1862. Aqui, Lelouch tenciona mostrar os hábitos dos franceses durante a ocupação alemã. A história é centrada em um ex-pugilista analfabeto que ajuda uma família de judeus, em pleno regime da opressão nazista.

– 1996: – Drama: – O paciente inglês. Dir. Anthony Minguella. Versão livre do romance de 1992 do escritor cingalês Michael Ondaatje (1944-), sobre um homem com sérias queimaduras e desmemoriado que sofreu um desastre de avião no deserto africano, durante a II Guerra Mundial, e é tratado por enfermeira canadense (Juliette Binoche), num mosteiro abandonado da Toscana, na Itália. Sua memória volta aos poucos e ele relembra as aventuras passadas no deserto, incluindo um romance adúltero. Ganhou nove Oscar: filme, diretor, fotografia, atriz coadjuvante (Binoche), som, direção de arte, figurinos, música e montagem;

– Musical ou comédia: – Evita. Dir. Alan Parker. Versão musical da vida da polêmica primeira-dama da Argentina, Eva Perón (1919-1952), figura importante na política daquele país nos anos 1950. Filme ganhou o Oscar de canção, com You must love me. Uma versão mais vigorosa e realista que este filme americano sobre Evita foi produzida na Argentina, também em 1996, sob a direção de Juan Carlos Desanzo: Eva Perón – A verdadeira história;

– Filme estrangeiro: – Kolya – Uma lição de amor. Dir. Jan Sverák. Tocante drama de convívio humano, passado na Tchecoslováquia de 1988, às vésperas da saída dos russos do poder. Vencedor do Oscar de filme estrangeiro.

– 1997: – Drama: – Titanic. Dir. James Cameron. Espetacular superprodução, conta a história de dois jovens apaixonados: ela da classe alta americana (Kate Winslet) e ele um passageiro da terceira classe (Leonardo DiCaprio) que, apesar das diferenças sociais, vivem um grande romance, a bordo da viagem inaugural do luxuoso e imponente transatlântico britânico R.M.S. Titanic, que se chocou contra um iceberg e afundou, na noite de 14 para 15 de abril de 1912, ao sul da Terra Nova, no Atlântico Norte. Efeitos especiais colossais mostram detalhes do drama e da angústia que teriam vivido os passageiros em sua luta pela sobrevivência. Grandiosos cenários e figurinos impecáveis. Ganhou, merecidamente, onze Oscar: filme, diretor, fotografia, montagem, efeitos especiais, trilha sonora, canção (My heart will go on), som, figurino, direção de arte e cenários;

– Musical ou comédia: – Melhor é impossível. Dir. James L. Brooks. Jack Nicholson e Helen Hunt, “impossíveis” (e excelentes) nesta divertida comédia, levaram o Oscar de ator e atriz. A história do amargo e “nervosinho” escritor e sua vizinha, uma meiga garçonete, é cativante e tem ótimos momentos de humor e drama;

– Filme estrangeiro: – Minha vida em cor-de-rosa. Dir. Alain Berliner. Filme belga que trata de um tema delicado e até verossímel: um menino que vai a uma festa vestido de mulher e as consequências desta brincadeira no futuro de sua vida.

– 1998: – Drama: – O resgate do soldado Ryan. Dir. Steven Spielberg. Com uma sequência inicial de quase trinta minutos (uma das mais realistas feitas no cinema), Spielberg retrata os horrores da batalha do Dia D (o desembarque das tropas aliadas na Normandia, em 6 de junho de 1944) e o drama de um capitão e seu grupo de soldados, encarregados de localizar um colega de farda em território francês. Filme levou os Oscar de: edição, direção, fotografia, som e efeitos sonoros;

– Musical ou comédia: – Shakespeare apaixonado. Dir. John Madden. Comédia, romance e filme histórico (vá lá...) juntos, mostra um Shakespeare mulherengo e farrista. Com grande dose de especulação e invenção, filme mistura  fatos e personagens reais e fictícios sobre a vida pouco conhecida do dramaturgo inglês. O roteiro imaginativo pretende preencher a lacuna histórica dos anos obscuros da vida de Shakespeare, insinuando um caso de amor dele com “Viola de Lesseps”, como inspiração para escrever o que viria a ser “Romeu e Julieta”. Só que a tal de “Viola de Lesseps” nunca existiu. Mas, deixando o rigor histórico de lado, é boa diversão e ganhou os Oscar de: filme, roteiro, figurinos, trilha sonora, atriz coadjuvante e atriz;

– Filme estrangeiro: – Central do Brasil. Dir. Walter Salles. O arquipremiado filme brasileiro (mais de trinta prêmios em todo o mundo, entre eles o Urso de Ouro em Berlim) conta uma impressionante história sentimental entre uma professora aposentada que escreve cartas para iletrados e um menino de 9 anos que teve sua mãe assassinada e quer encontrar seu pai, que está em remota região do sertão brasileiro.

– 1999: – Drama: – Beleza americana. Dir. Sam Mendes. Em 1999, a Dream Works, de Steven Spielberg, conseguiu levar a melhor sobre sua rival, a Miramax, que em 1998 levou o Oscar, com Shakespeare apaixonado, suplantando o ótimo O resgate do soldado Ryan, tido como favorito. Spielberg mostrou o roteiro de Beleza americana – que achava “perfeito” –  a Mendes, diretor de teatro britânico, que aceitou dirigir esta atrevida tragicomédia, estreando como diretor de cinema. O título do filme, segundo Mendes, é uma alusão a uma rosa sem espinhos nem perfume, cultivada nos EUA, conhecida como “american beauty”. “Não há sentido na sua beleza, que se revela inútil e vulgar” – diz ele. O filme critica o “sonho americano”, mostrando, numa visão amarga e implacável, os conflitos, sonhos e desejos de uma família de classe média moradora nos ricos subúrbios americanos. Ganhou cinco Oscar: filme, diretor, ator (Kevin Spacey), roteiro original (Alan Ball) e fotografia;

– Musical ou comédia: – Toy Story 2. Dir. John Lasseter / Ash Brannon. Um dos melhores filmes de animação já realizados pelos Estúdios Disney, esta continuação do ótimo Toy Story consegue ser melhor que o original, não só no roteiro, como também nos recursos de computação gráfica, sendo recomendada a espectadores de qualquer idade;

– Filme estrangeiro: – Tudo sobre minha mãe. Dir. Pedro Almodóvar. Dentro do espírito do “almodrama”, o diretor misturou boa quantidade de humor negro num drama que aborda uma história bem bizarra, e conquistou o prêmio de melhor direção no Festival de Cannes. Filme ganhou, ainda, o Oscar de melhor filme estrangeiro

– 2000: – Drama: – Gladiador. Dir. Ridley Scott. Megaprodução épica com espetaculares cenas de batalha. A história do militar “Maximus”, dedicado general do exército romano, que é indicado pelo velho e acabado imperador Marco Aurélio (121-180 d.C.) para sucedê-lo no trono de Roma, o que desperta a ira do herdeiro de sangue do trono, Commodus, que mata o pai e assume o poder. Maximus se recusa a ser leal a ele e é condenado à morte, mas escapa e depois volta a Roma para se vingar. Filme que transporta a plateia para o mundo romano das batalhas e dos gladiadores, mas comete uma liberdade histórica ao dizer que Marco Aurélio foi morto pelo filho Commodus, quando, na realidade, ele morreu de peste numa campanha no Danúbio. Ganhou cinco Oscar: filme, ator, figurinos, efeitos especiais e som;

– Musical ou comédia: – Quase famosos. Dir. Cameron Crowe. Um bom divertimento para quem gosta de rock'n'roll. Uma espécie de semiautobiografia do diretor Cameron Crowe, que aos 16 anos de idade já escrevia para a revista Rolling Stone, a bíblia do rock, e teve a oportunidade de acompanhar de perto turnês de Led Zeppelin, The Who e outras bandas. O filme tenta mostrar o cotidiano de uma banda de rock em turnê, e a fictícia banda Stillwater é uma mistura de várias, inclusive Alman Brothers, Lynyrd Skynyrd, Led Zeppelin e The Eagles. Entre sátira e melodrama, é um filme leve e divertido e um tributo sensível ao rock dos anos 1970. Levou, merecidamente, o Oscar de melhor roteiro original;

– Filme estrangeiro: – O tigre e o dragão. Dir. Ang Lee. Premiado em vários países, este é um dos melhores filmes de artes marciais já realizados. Com um visual belíssimo, a história de uma princesa que sonha em se tornar guerreira e da missão para recuperar uma espada roubada ganhou o Oscar de filme estrangeiro, direção de arte, fotografia e trilha sonora e, também, o Bafta (o Oscar inglês).

– 2001: – Drama: – Uma mente brilhante. Dir. Ron Howard. A história real – com algumas omissões – do ganhador do prêmio Nobel de economia de 1994, o matemático esquizofrênico John Forbes Nash Jr. e suas teorias revolucionárias. Alguns setores da imprensa norte-americana acham que o filme não é totalmente fiel, ocultando passagens sobre o antissemitismo de Nash e de seu suposto homossexualismo. Entretanto, o filme foi o ganhador de quatro Oscar: filme, diretor, roteiro adaptado e melhor atriz coadjuvante, superando O senhor dos anéis: a Sociedade do Anel, que ficou com prêmios secundários;

– Musical ou comédia: – Moulin Rouge – Amor em vermelho. Dir. Baz Luhrmann. Exuberante e belo musical moderno  que conta a história de jovem e pobre escritor inglês que troca Londres pelo mundo boêmio de Paris, em 1899, especialmente a sala de espetáculos Moulin-Rouge, cujos artistas foram imortalizados nas geniais telas de Toulouse-Lautrec, e onde nasceu a dança que se tornaria conhecida como cancã. Filme mostra, com muita emoção e riqueza de detalhes, a história de amor entre o escritor e a estrela da casa noturna – que está comprometida com um certo Duque, que banca o espetáculo –, num triângulo amoroso que começa cômico e caminha para a tragédia. Indicado para oito Oscar, levou dois: figurino e direção de arte. Músicas modernas integram a trilha sonora, como: Like a virgin, de Madonna; Diamond dogs, de David Bowie;e Smell like teen spirit, do Nirvana;

– Filme estrangeiro: – Terra de ninguém. Dir. Danis Tanovic, comédia satírica e política, com muito humor negro, envolvendo, durante a guerra da Bósnia, um soldado sérvio e um bósnio, com suas ideologias, numa trincheira abandonada entre os dois fronts. Filme também ganhou o prêmio de roteiro, em Cannes.

– 2002: – Drama: – As horas. Dir. Stephen Daldry. Baseado no complexo e denso livro As horas, de Michael Cunningham, que recebeu o prêmio Pulitzer  e o Faulkner Awards, na época de seu lançamento em 1998, este drama intimista estabelece uma perfeita sincronia da vida de três mulheres que vivem em épocas e lugares diferentes: Virginia Woolf (1882-1941), escritora inglesa que era sujeita a crises de depressão e que, em momento de isolamento e desespero, escreveu o romance Mrs. Dalloway, em 1925, fonte de inspiração da trama do livro de Cunningham e do filme; Laura Brown, dona de casa frustrada e grávida, moradora num subúrbio de Los Angeles, que o lê, nos anos 1950; e a editora Clarissa Vaughan, que, na Nova York contemporânea, sofre o drama de conviver entre o amor da companheira e o do ex-amante e amigo moribundo e soropositivo. Típico filme do gênero “desgraça pouca é bobagem”, levou também o Globo de Ouro de melhor atriz dramática para Nicole Kidman, que interpreta a escritora;

– Musical ou comédia: – Chicago. Dir. Rob Marshall. Esfuziante e surpreendente adaptação do premiado musical da Broadway, ganhadora de seis das treze indicações para o Oscar: filme, direção de arte e cenários, figurino, montagem, som e atriz coadjuvante (Catherine Zeta-Jones). Primeiro filme para o cinema do diretor Rob Marshall, mostra a vida de duas dançarinas, ambas envolvidas em crimes passionais, uma já estrela e outra aspirante a atriz, que se tornam famosas após a divulgação de seus crimes e passam a disputar o posto de maior celebridade no meio artístico;

– Filme estrangeiro: Fale com ela. Dir. Pedro Almodóvar. A fragilidade masculina exposta num universo melodramático, onde dois desconhecidos se unem para dividir reflexões e angústias sobre as mulheres que amam, ambas em coma num hospital, após a primeira ter sido atingida por um touro e a outra por um carro. Uma exaltação almodovariana ao amor incondicional, numa obra intensa e humana. Caetano Veloso (em Cucurrucucu Paloma) e Elis Regina estão presentes na trilha sonora.

– 2003: – Drama: – O senhor dos anéis – O retorno do rei. Dir. Peter Jackson. Fim da jornada repleta de perigos, suspense e aventuras da Sociedade do Anel pela Terra Média. A terceira (e melhor) parte da trilogia adaptada do best-seller de J. R. R. Tolkien (1892-1973) se encerra de maneira brilhante e perfeita, após nove horas e 18 minutos de aventuras espetaculares. No total, a trilogia conquistou 17 Oscar: 4 por A Sociedade do Anel, 2 por As duas torres e 11 por O retorno do Rei, que igualou o recorde de estatuetas dados a Ben-Hur e a Titanic;

– Musical ou comédia: – Encontros e desencontros. Dir. Sofia Coppola. Bela, sensível e emocionante comédia romântica. Ator veterano, infeliz no casamento, está em Tóquio para fazer um comercial e encontra, em luxuoso hotel da capital nipônica, jovem e linda mulher casada, cujo marido não tem tempo para ela. Sentindo-se solitários, descobrem um amor puro, alguém com quem possam conversar, e vão rodar pela cidade, para fugir do baixo astral;

– Filme estrangeiro: – Osama. Dir. Siddiq Barmak. Primeiro filme produzido no Afeganistão após a queda do regime talibã, no qual as mulheres eram proibidas de deixar suas casas sem a companhia de um homem. Num país destruído pela guerra, muitas famílias eram constituídas apenas por mulheres que haviam perdido seus filhos e maridos. Como agir? O filme apresenta o caso de uma menina de 13 anos que, após a morte de seu pai e de seu irmão, é levada a se passar por rapaz, para poder trabalhar e ajudar a família.

– 2004: – Drama: – O aviador. Dir. Martin Scorsese. Com ótima reconstituição de época, filme retrata parte da vida fantástica do excêntrico magnata americano Howard Hughes (1905-1976), seus projetos megalomaníacos e suas três maiores paixões: pilotar aviões, fazer cinema e conquistar mulheres. Como empreendedor da aviação, elevou a hoje extinta TWA a uma potência, ao impor o sistema de rotas domésticas nos EUA. Tinha ânsia de superação e, ao testar um novo avião, caiu em plena Beverly Hills, ficando com 80% do corpo queimado. Na área cinematográfica, produziu obras importantes como The front page (1931) e Scarface (1932); dirigiu Anjos do Inferno (1930) – com cenas de batalhas aéreas e estrelado por Jean Harlow, a “loura platinada”, um de seus casos –; O proscrito (1943), espécie de sex western, criado especialmente para Jane Russel, para a qual desenhou um modelo de sutiã que provocou escândalo; dono da R.K.O. desde 1948, inseriu-se na direção de Vendetta (1950), que teve cinco diretores, sucessivamente: Preston Sturges, Max Ophuls, Stuart Heisler, Howard Hughes e, por último, Mel Ferrer. Sua paixão por estrelas famosas levou-o a ter casos com  Katharine Hepburn e Ava Gardner, entre outras. O diretor encerra os fatos sobre a vida de Hughes em 1947, antes, portanto, de seu afastamento do convívio social, que iria encerrar-se com sua morte, em 1976;

– Musical ou comédia: – Sideways – Entre umas e outras. Dir. Alexander Payne. Comédia em ritmo de road movie, mostra as ansiedades e expectativas de dois amigos de meia-idade, ambos fracassados em suas profissões: um, enólogo, ainda sentindo a angústia do divórcio; o outro, solteiro, a uma semana de um rico casamento. Para comemorar a despedida de solteiro do noivo, saem em uma viagem etílica e existencial, através dos vinhedos de Santa Barbara, na California, enchendo a cara e arranjando namoradas. Para degustar o filme, é bom estar sóbrio. Ele não chega a ser um Romanée-Conti, mas não é um porre e não dá ressaca. Ganhador do Oscar de roteiro adaptado e, também, Globo de Ouro de melhor roteiro;

– Filme estrangeiro: – Mar Adentro. Dir. Alejandro Amenábar. Viver é um direito ou uma obrigação? Este filme, que discute a eutanásia, retrata a história real do ex-marinheiro Ramón Sampedro, tetraplégico que passou 28 anos com uma batalha jurídica na justiça espanhola, lutando pelo direito de morrer. Três mulheres se destacam no filme: a cunhada, que cuida dele; sua advogada, que tem uma doença degenerativa; e uma vizinha, que luta para lhe provar que vale a pena viver. Oscar de melhor filme estrangeiro.

– 2005: – Drama: – O segredo de Brokeback Mountain. Dir. Ang Lee. Filme que poderia, perfeitamente, ter o título de “Os brutos também amam”, aborda o amor homossexual entre dois caubóis acostumados ao árduo e másculo trabalho braçal de pajear ovelhas nas montanhas rochosas do noroeste americano, na década de 1960. O corajoso e audacioso trabalho de Ang Lee mostra uma história que ainda não havia sido contada: um filme adulto onde uma história de amor sincero e honesto entre dois homens vai se aprofundando e resulta em uma atração sexual. Ganhador dos Oscar de melhor diretor, roteiro adaptado e trilha sonora original e, também, Globo de Ouro de diretor, roteiro e canção original;

– Musical ou comédia: – Johnny & June. Dir. James Mangold. Cinebiografia do cantor country Johnny Cash, um gênio atormentado. A june do título é sua mulher e, muitas vezes, parceira nos palcos, de voz e presença cômica, interpretada magistralmente por Reese Witherspoon, que levou o Oscar de melhor atriz;

– Filme estrangeiro: – Paradise now. Dir. Hany Abu-Assad. Drama sobre dois amigos árabes que trabalham em uma oficina mecânica em Tel Aviv e resolvem largar aquela vida sem futuro e se candidatar a homens-bomba em uma das organizações locais, o que garantiria o futuro financeiro de suas famílias, após suas mortes. Filme revela o ritual preparatório para os atentados, as indecisões, os pensamentos e as consequências que a decisão provoca nos futuros mártires, que deixam de lado suas vidas para se incorporar a uma causa de disputas políticas e territoriais, o secular conflito entre árabes e judeus.

– 2006: – Drama: – Babel. Dir. Alejandro González Iñárritu. Com título derivado da história bíblica sobre a Torre de Babel, o cineasta Iñárritu (de Amores brutos-2000 e 21 gramas-2003) fez um filme com quatro histórias pessoais, que se cruzam em quatro países, três continentes e cinco idiomas. A ação começa no deserto de Marrocos, onde um pastor de cabras compra um rifle Winchester para atirar em chacais predadores e o deixa com seus dois filhos jovens. Os meninos atiram contra um ônibus de turistas, e uma bala atinge uma americana que estava viajando com seu marido. A partir daí, temos marido desesperado, incidente internacional, empregada atravessando fronteira mexicana com os filhos do casal, e, em Tóquio, o drama de jovem surda-muda, após morte da mãe por suicídio. As histórias, entremeadas com competência, são o universo de Babel, num crescente suspense e chocante painel sobre a incomunicabilidade. Filme ganhou o Oscar de trilha sonora.

– Musical ou comédia: – Dreamgirls – Em busca de um sonho. Dir. Bill Condon. Prato feito para quem gosta de música americana da década de 1960, gritada ou cantada. Versão cinematográfica de um musical da Broadway, de 1981, inspirado na banda The Supremes, onde surgiu Diana Ross, que aqui seria “Deena Jones”, interpretada por Beyoncé Knowles. Há semelhanças e divergências nos fatos relacionados ao trio ficcional do filme (The Dreamettes) e o real The Supremes. Digamos que é uma ficção com algumas verdades e mentiras, que, aliás, não agradaram à musa Diana Ross, pois, no Late Show de David Letterman, ao responder se havia visto o filme, deu uma resposta irônica: – “Ainda vou assistir. Com meus advogados”. Eis a síntese do filme: não se pode acreditar em tudo que ali está. Afinal, é uma ficção...

– Filme estrangeiro: – Cartas de Iwo Jima. Dir. Clint Eastwood. Segunda obra-prima do diretor (depois de Os imperdoáveis), é uma produção japonesa, com atores japoneses, inteiramente falada em japonês e, ainda, trata de um importante episódio da II Guerra Mundial com foco no ponto de vista dos japoneses: a defesa encarniçada da Ilha de Iwo Jima, em 1945. Uma vitória penosa dos EUA, que tiveram 6.800 fuzileiros navais mortos e 19.000 feridos. As perdas japonesas foram totais: 21.000 mortos, depois de acirrada resistência nos 13 km^2  da estratégica ilha, que iria ser usada como futura base de aviões de caça dos EUA, para escoltar os bombardeiros norte-americanos em seus ataques ao Japão. Devido à tenacidade japonesa, o combate, que, segundo o comando americano, deveria durar quatro dias, se estendeu por um mês. Uma epopeia digna de um grande filme épico, como este.

PREMIADOS NO FESTIVAL DE CANNES

Em 1938, Philippe Erlanger cria o Festival de Cannes. A estreia seria em 20 de setembro de 1939. Só não contavam com uma coisa: um certo Adolf Hitler resolveu invadir a Polônia e deflagrar a II Guerra Mundial, levando ao cancelamento do evento, que só foi acontecer em 1946. Era uma necessidade política: fazer frente à Mostra de Veneza, instituída em 1938 por Benito Mussolini para divulgar os êxitos do fascismo italiano.

Em seu primeiro ano, Cannes resolveu premiar o melhor longa-metragem de cada país. Onze filmes mereceram o Grande Prêmio no ano de 1946:

–1946: Grande Prêmio:

–Farrapo humano, de Billy Wilder (EUA);

–Desencanto, de David Lean (Inglaterra);

–Roma cidade aberta, de Roberto Rosselini (Itália);

–De rode enge, de Bodil Ipsen e Lau Lauritzen (Dinamarca);

–A sinfonia pastoral, de Jean Delannoy (França);

–Maria Candelária, de Emílio Fernandez (México);

–Neecha Nagar, de Chetan Anand (Índia);

–L’Épreuve, de Alf Sjoberg, (Suécia);

–A última porta, de Leopold Lindtberg (Suíça);

–Veliki Perelom, de Frederic Ermler, (URSS);

–Les hommes sans ailes; de M. Cap (Tchecoslováquia).

Já em 1947, o critério foi premiar o melhor filme de cada gênero com o Prêmio Especial do Júri:

–Musical: Ziegfeld follies, de Vincente Minnelli (EUA);

–Desenho animado: Dumbo, de Walt Disney (EUA);

–Filme psicológico e de amor: Antônio e Antonieta, de Jacques Becker (França);

–Filme social: Rancor, de Edward Dmytryk (EUA);

–Aventura e policial: Os malditos, de René Clément (França);

–Documentário: Inundations em Pologne (Polônia).

Em 1948 e em 1950 não houve festival.

Em 1949, o premiado com o Grande Prêmio foi: O Terceiro homem, de Carol Reed (Inglaterra).

A partir de 1951 o festival seguiu normalmente, premiando os seguintes filmes:

–1951: Grande Prêmio:

–Milagre em Milão, de Vittorio de Sica (Itália);

–Senhorita Julia, de Alf Sjorberg (Suécia).

–1952: Grande Prêmio:

–Due soldi di speranza, de Renato Castellani (Itália);

–Othello, de Orson Welles (Marrocos).

–1953: Grande Prêmio:

–O Salário do medo, de Henri-Georges Clouzot (França);

–Filme de aventura: O cangaceiro, de Lima Barreto (Brasil).

–1954: Grande Prêmio: O Portal do Inferno, de Teinosuke Kinugasa (Japão).

–1955: Palma de Ouro: Marty, de Delbert Mann (EUA).

–1956: Palma de Ouro: O Mundo do silêncio, de Jean-Yves Cousteau e Louis Malle (França).

–1957: Palma de Ouro: Sublime tentação, de William Wyler (EUA).

–1958: Palma de Ouro: Quando voam as cegonhas, de Michel Kalatozov (URSS).

–1959: Palma de Ouro: Orfeu do carnaval, de Marcel Camus (França).

–1960: Palma de Ouro: A Doce vida, de Federico Fellini (Itália).

–1961: Palma de Ouro:

–Viridiana, de Luis Buñuel (México);

–Une aussi longue absence, de Henri Colpi (França).

–1962: Palma de Ouro: O Pagador de promessas, de Anselmo Duarte (Brasil).

–1963: Palma de Ouro: O Leopardo, de Luchino Visconti (Itália).

–1964: Grande Prêmio: Os guarda-chuvas do amor, de Jacques Demy (França).

–1965: Grande Prêmio: A bossa da conquista, de Richard Lester (Inglaterra)

–1966: Grande Prêmio:

–Um homem, uma mulher, de Claude Lelouch (França);

–Confusões à italiana, de Pietro Germi (Itália);

–Prêmio do 20o Aniversário: Orson Welles, por sua contribuição ao cinema mundial.

–1967: Grande Prêmio: Blow-up - Depois daquele beijo, de Michelangelo Antonioni (Itália-Inglaterra).

–1968: neste ano, o festival foi interrompido.

–1969:Grande Prêmio: Se..., de Lindsay Anderson (Inglaterra).

–1970: Grande Prêmio: M*A*S*H*, de Robert Altman (EUA).

–1971: Grande Prêmio: O mensageiro, de Joseph Losey (Inglaterra);

–Prêmio do 25o aniversário: Luchino Visconti, por Morte em Veneza (Itália) e conjunto da obra.

–1972: Grande Prêmio:

–A Classe operária vai ao Paraíso, de Elio Petri (Itália);

–O Caso Mattei, de Francesco Rosi (Itália).

–1973: Grande Prêmio:

–Espantalho, de Jerry Schatzberg (EUA);

–O assalariado, de Alan Bridges (Inglaterra)

–1974: Grande Prêmio: A conversação, de Francis Ford Coppola (EUA).

–1975: Palma de Ouro: Crônicas dos anos ardentes, de Mohammed Lakhdar Hamina (Argélia).

–1976: Palma de Ouro: Taxi driver, de Martin Scorsese (EUA).

–1977: Palma de Ouro: Pai, patrão, de Paolo e Vittorio Taviani (Itália).

–1978: Palma de Ouro: A Árvore dos tamancos, de Ermanno Olmi (Itália).

–1979: Palma de Ouro:

–O tambor, de Volker Schloendorff (Alemanha);

–Apocalypse now, de Francis Ford Coppola (EUA).

–1980: Palma de Ouro:

–Kagemusha, a sombra do samurai, de Akira Kurosawa (Japão);

–All that Jazz - O show deve continuar, de Bob Fosse (EUA).

–1981: Palma de Ouro: O homem de ferro, de Andrzej Wadja (Polônia).

–1982: Palma de Ouro:

–Desaparecido - Um grande mistério, de Costa-Gravras (EUA);

–Yol, de Yilmaz Guney (Turquia);

–Prêmio do 35o aniversário: Michelangelo Antonioni, por Identificação de uma mulher (Itália) e pelo conjunto de sua obra.

–1983: Palma de Ouro: A Balada de Narayama, de Shohei Imamura (Japão).

–1984: Palma de Ouro: Paris, Texas, de Wim Wenders (EUA).

–1985: Palma de Ouro: Quando papai saiu em viagem de negócios, de Emir Kusturica (Iugoslávia).

–1986: Palma de Ouro: A missão, de Roland Joffé (Inglaterra).

–1987: Palma de Ouro:

–Sob o sol de Satã, de Maurice Pialat (França);

–Prêmio do 40o aniversário: Federico Fellini, por Entrevista.

–1988: Palma de Ouro: Pelle, o conquistador, de Bille August (Dinamarca).

–1989: Palma de Ouro: Sexo, mentiras e videotape, de Steven Soderbergh (EUA).

–1990: Palma de Ouro: Coração selvagem, de David Lynch (EUA).

–1991: Palma de Ouro: Barton Fink - Delírios de Hollywood, de Joel Coen e Ethan Coen (EUA).

–1992: Palma de Ouro: As melhores intenções, de Bille August (Dinamarca);

–Prêmio do 45o aniversário: Retorno a Howards End, de James Ivory, (Inglaterra).

–1993: Palma de Ouro:

–O Piano, de Jane Campion (EUA);

–Adeus minha concubina, de Chen Kaige (China).

–1994: Palma de Ouro: Pulp Fiction - Tempo de violência, de Quentin Tarantino (EUA).

–1995: Palma de Ouro: Underground - Mentiras de guerra, de Emir Kusturica (ex-Iugoslávia - Sérvia/Montenegro)

–1996: Palma de Ouro: Segredos e mentiras, de Mike Leigh (Inglaterra).

–1997: Palma de Ouro:

–A enguia, de Shohei Imamura (Japão);

–Gosto de cereja, de Abbas Kiarostami (Irã).

–1998: Palma de Ouro: A eternidade e um dia, de Theo Angelopoulos (Grécia).

–1999: Palma de Ouro: Rosetta, de Luc e Jean-Pierre Dardenne (Bélgica).

–2000: Palma de Ouro: Dancer in the darc, de Lars Von Trier (Dinamarca).

–2001: Palma de Ouro: O quarto do filho, de Nanni Moretti (Itália).

–2002: Palma de Ouro: O pianista, de Roman Polanski.

–2003: Palma de Ouro: Elefante, de Gus Van Sant.

–2004: Palma de Ouro: Fahrenheit 11 de Setembro, de Michael Moore.

–2005: Palma de Ouro: A criança, dos irmãos belgas Jean Pierre e Luc Dardenne.

PREMIADOS NO FESTIVAL DE VENEZA

O primeiro Festival de Veneza ocorreu em 24 de maio de 1932, premiando quatro filmes. Não se realizou em 1933. De 1934 a 1942, o prêmio passou a ter o nome de Copa Mussolini. Em virtude da guerra, não foi realizado nos anos de 1943 a 1945. Em 1946 foi apontado o melhor filme por uma comissão de jornalistas. O Grande Prêmio foi concedido aos filmes de 1947 e 1948. De 1949 até 1953, o melhor filme passou a ser premiado com o Leão de São Marcos. De 1954 até hoje, os prêmios máximos são o Leão de Ouro e o Leão de Prata. Em 1939, 1953 e 1956, nenhum filme foi premiado; de 1969 a 1979 realizou-se apenas uma mostra não-competitiva, sem julgamento ou premiação. Os vencedores, desde 1932, foram:

–1932:

–A nós a liberdade, de René Clair;

–O pecado de Madelon Claudet, de Edward Selwin;

–O médico e o monstro, de Rouben Mamoulian;

–Senhoritas de uniforme, de Leontine Sagan.

–1933: não foi realizado.

–1934: O homem de Aran, de Robert Flaherty.

–1935: Ana Karenina, de Clarence Brown.

–1936: O imperador da Califórnia, de Luiz Tranker.

–1937: Um carnê de baile, de Julien Duvivier.

–1938: Olimpíadas, de Leni Riefenstahl.

–1939: sem premiação.

–1940: Nostalgia, o caminho da perdição, de Gustav Ucicky.

–1941: O presidente Kruger, de Hans Steinhoff.

–1942: O grande rei, de Veit Harlan.

–1943 a 1945: não foi realizado.

–1946: Amor à terra, de Jean Renoir.

–1947: Sirena, de Karel Stekley.

–1948: Hamlet, de Laurence Olivier.

–1949: Anjo perverso, de Henri-Georges Clouzot.

–1950: O direito de matar, de André Cayatte.

–1951: Rashomon, de Akira Kurosawa.

–1952: Brinquedo proibido, de René Clement.

–1953: sem premiação.

–1954: Romeu e Julieta, de Renato Castellani.

–1955: A palavra (Ordet), de Carl Dreyer.

–1956: sem premiação.

–1957: O invencível, de Satyajit Ray.

–1958: O homem do riquixá, de Hiroshi Inagaki.

–1959: De crápula a herói, de Roberto Rosselini.

–1960: A passagem do Reno, de André Cayatte.

–1961: O ano passado em Marienbad, de Alan Resnais.

–1962: A infância de Ivan, de Andrei Tarkóvski.

–1963: Le mani sulla città, de Francesco Rosi.

–1964: O dilema de uma vida, de Michelangelo Antonioni.

–1965: Vagas estrelas da Ursa, de Luchino Visconti.

–1966: A batalha de Argel, de Gillo Pontecorvo.

–1967: A bela da tarde, de Luis Buñuel.

–1968: Artistas na cúpula do circo: perplexos, de Alexander Kluge.

–1969 a 1979: mostra não-competitiva.

–1980:

–Glória, de John Cassavetes;

–Atlantic City, de Louis Malle.

–1981: Os anos de chumbo, de Margarethe von Trotta.

–1982: O estado das coisas, de Wim Wenders.

–1983: Prenome: Carmen, de Jean-Luc Godard.

–1984: O ano do sol tranquilo, de Krzysztof Zanussi.

–1985: Os desajustados, de Agnès Varda.

–1986: O raio verde, de Eric Rohmer.

–1987: Adeus, meninos, de Louis Malle.

–1988: A lenda do santo beberrão, de Ermanno Olmi.

–1989: Cidade da tristeza, de Hou Hsiao-Hsien.

–1990: Rosencrantz e Guildenstein estão mortos, de Tom Stoppard.

–1991: Urga – Uma paixão do fim do mundo, de Nikita Mikhálkov.

–1992: A história de Qui Ju, de Zhang Yimou.

–1993: A liberdade é azul, de Krzysztof Kieslowski.

–1994:

–Antes da chuva, de Milcho Manchevski;

–Vive l’amour, de Tsai Ming-Liang.

–1995: O ciclista e o poeta, de Tran Anh Hung.

–1996: Michael Collins, de Neil Jordan.

–1997: Hana-bi – Fogos de artifício, de Tadeshi Kitano.

–1998: Assim é que se ria, de Gianni Amelio.

–1999: Nenhum a menos, de Zhang Yimou.

–2000: O círculo, de Jafar Panahi.

–2001: O casamento das monções, de Mira Nair.

–2002: Em nome de Deus, de Peter Mullan.

–2003: O retorno, de Andrei Zvyagintsev.

–2004: O segredo de Vera Drake, de Mike Leigh.

–2005:  O segredo de Brokeback Mountain, de Ang Lee.

PREMIADOS NO FESTIVAL DE BERLIM

Voltado para o mercado europeu, o festival foi criado em 1951. A competição internacional iniciou-se em 1956. Realizado normalmente nos meses de fevereiro, seu prêmio máximo é o Urso de Ouro. Os premiados são:

–1956: Convite à dança, de Gene Kelly.

–1957: Doze homens e uma sentença, de Sidney Lumet.

–1958: Morangos silvestres, de Ingmar Bergman.

–1959: Os primos, de Claude Chabrol.

–1960: O menino aventureiro, de César Ardavin.

–1961: A noite, de Michelangelo Antonioni.

–1962: Ainda resta uma esperança, de John Schlesinger.

–1963:

–O sermão da obediência, de Tadashi Imai;

–O diabo, de Gian-Luigi Polidori.

–1964: Sasu vs. Yaz, de Ismail Metin.

–1965: Alphaville, de Jean-Luc Godard.

–1966: Armadilha do destino, de Roman Polanski.

–1967: A partida, de Jerzy Skolimowski.

–1968: Quem o viu morrer? – de Jan Troell.

–1969: Rani Radovi, de Zelimir Zilnik.

–1970: sem premiação.

–1971: O jardim dos Finzi-Contini, de Vittorio De Sica.

–1972: Os cantos de Canterbury, de Pier Paolo Pasolini.

–1973: Trovão distante, de Satyajiti Ray.

–1974: O grande vigarista, de Ted Kotcheff.

–1975: Adoção, de Marta Meszaros.

–1976: Buffalo Bill e os índios, de Robert Altman.

–1977: A promoção, de Larissa Chepitko.

–1978: premiou o conjunto dos filmes espanhóis que foram ao festival.

–1979: David, de Peter Lilienthal.

–1980: Heartland, de Richard Pearce.

–1981: Deprisa, deprisa, de Carlos Saura.

–1982: O desespero de Veronika Voss, de Rainer Werner Fassbinder.

–1983:

–Ascendancy, de Edward Bennett;

–A colmeia, de Mario Camus.

–1984: Amantes, de John Cassavetes.

–1985:

–Wetherby, de David Hare;

–A mulher e o estranho, de Rainer Simon.

–1986: O julgamento, de Reinhard Hauf.

–1987: Tema, de Gleb Panfilov.

–1988: O sorgo vermelho, de Zhang Yimou.

–1989: Rain man, de Barry Levinson.

–1990: Muito mais que um crime, de Costa Gravas.

–1991: A casa do sorriso, de Marco Ferreri.

–1992: Grand Canyon – Ansiedade de uma geração, de Lawrence Kasdan.

–1993:

–As mulheres do lago das almas perfumadas, de Xie Fei;

–Banquete de casamento, de Ang Lee.

–1994: Em nome do pai, de Jim Sheridan.

–1995: A isca, de Bertrand Tavernier.

–1996: Razão e sensibilidade, de Ang Lee.

–1997: O povo contra Larry Flynt, de Milos Forman.

–1998: Central do Brasil, de Walter Salles Jr.

–1999: Além da linha vermelha, de Terrence Malick.

–2000: Magnólia, de Paul Thomas Anderson.

–2001: Intimidade, de Patrice Chéreau.

–2002:

–Viagem de Chihiro, de Hayao Miyazaki, e

–Domingo Sangrento, de Paul Greengrass.

–2003: Neste mundo, de Michael Winterbottom;

–2004: Contra a parede, de Fatih Akin.

–2005: Carmen na África, de Mark Dornford-May.

OS VENCEDORES DO FESTIVAL DE GRAMADO

Tudo começou com as mostras que eram promovidas durante a Festa das Hortênsias, de 1969 a 1971, na cidade de Gramado (RS). Em janeiro de 1973, o Instituto Nacional de Artes Cênicas (Inacen) torna oficial o Festival do Cinema Brasileiro de Gramado, que desde aquela época vem documentando as crises e os sucessos da cinematografia tupiniquim, firmando-se como um dos maiores eventos da América Latina, após adotar o nome de Festival de Gramado do Cinema Latino e Brasileiro. Os filmes premiados foram:

–1973 – Toda nudez será castigada, de Arnaldo Jabor.

–1974 –Vai trabalhar, vagabundo, de Hugo Carvana.

–1975 – O amuleto de Ogum, de Nelson Pereira dos Santos.

–1976 – O predileto, de Roberto Palmari.

–1977 – À flor da pele, de Francisco Ramalho Júnior.

–1978 – Doramundo, de João Batista de Andrade.

–1979 – Raoni, de Luís Carlos Saldanha e Jean-Pierre Dutilleux.

–1980 – Gaijin, caminhos da liberdade, de Tizuka Yamasaki.

–1981 – Cabaret mineiro, de Carlos Alberto Prates Correia.

–1982 – Pra frente, Brasil, de Roberto Farias.

–1983 – Sargento Getúlio, de Hermano Penna.

–1984 – O Baiano fantasma, de Denoy de Oliveira.

–1985 – A Marvada carne, de André Klotzel.

–1986 – O Homem da capa preta, de Sérgio Rezende.

–1987 – Anjos do arrabalde, de Carlos Reichenbach.

–1988 – A Dama do Cine Shanghai, de Guilherme de Almeida Prado.

–1989 – Festa, de Ugo Giorgetti.

–1990 – Stelinha, de Miguel Faria Jr.

–1991 – Não quero falar sobre isso agora, de Mauro Farias.

–1992 – Técnicas de duelo, de Sergio Cabrera (Colômbia).

–1993 – Um lugar no mundo, de Adolfo Aristarain (Argentina).

–1994 – Morango e chocolate, de Tomás Gutierrez Alea e Juan Carlos Tabio (Cuba).

–1995 – Amnésia, de Gonzalo Justiniano (Chile).

–1996:

–Quem matou Pixote? – de José Joffily (Brasil);

–Guantanamera, de Tomas Alea e Juan Tabio (Cuba).

–1997:

–For All, o trampolim da vitória, de Luiz Carlos Lacerda e Buza Ferraz (Brasil);

–O testamento do senhor Napumoceno, de Francisco Manso (Am. Latina).

–1998 – Pizza, birra, faso, de Bruno Stagnaro e Israel Caetano Diretor (Argentina).

–1999 – À sombra dos abutres, de Leonel Vieira (Portugal).

–2000 – Pantaleão e as visitadoras, de Francisco Lombardi (Peru).

–2001 – Memórias póstumas de Brás Cubas, de André Klotzel.

–2002 – Durval Discos, de Anna Muylaert.

–2003 – De passagem, de Ricardo Elias.

–2004 – Vida de menina, de Helena Solberg.

–2005 – Gaijin – Ama-me como sou, de Tizuka Yamasaki.

–2006:

– Anjos do Sol, de Rudi Lagemann;

– Serras da desordem, de Andrea Tonacci.

PREMIADOS NO FESTIVAL DE CINEMA DE BRASÍLIA

Os premiados, desde o primeiro festival, em 1965:

–1965: A hora e a vez de Augusto Matraga, de Roberto Santos.

–1966: Todas as mulheres do mundo, de Domingos de Oliveira.

–1967: Proezas de Satanás na Vila do Leva e Traz, de Paulo Gil Soares.

–1968: O bandido da luz vermelha, de Rogério Sganzerla.

–1969: Memória de Helena, de David Neves.

–1970: Os deuses e os mortos, de Ruy Guerra.

–1971: A casa assassinada, de Paulo César Saraceni.

–1972 a 1974: não houve festival.

–1975: Guerra conjugal, de Joaquim Pedro de Andrade.

–1976: Xica da Silva, de Carlos (Cacá) Diegues.

–1977: Tenda dos milagres, de Nelson Pereira dos Santos.

–1978: Tudo bem, de Arnaldo Jabor.

–1979: Muito prazer, de David Neves.

–1980: Iracema, de Jorge Bodanzky.

–1981: O homem do pau-brasil, de Joaquim Pedro de Andrade.

–1982: Tabu, de Júlio Bressane.

–1983: O mágico e o delegado, de Fernando Coni Campos.

–1984: Nunca fomos tão felizes, de Murilo Salles.

–1985: A hora da estrela, de Suzana Amaral.

–1986: A cor do seu destino, de Jorge Duran.

–1987: Anjos da noite, de Wilson Barros.

–1988: Memória viva, de Octávio Bezerra.

–1989: Que bom te ver viva, de Lucia Murat.

–1990: Beijo 2348/72, de Walter Rogério.

–1991: O corpo, de José Antônio Garcia.

–1992: A maldição de Sampaku, de José Joffily.

–1993: Alma corsária, alma gêmea, de Carlos Reichenbach.

–1994: Louco por cinema, de André Luiz de Oliveira.

–1995: O judeu, de Tom Job Azulay.

–1996: Baile perfumado, de Paulo Caldas e Lírio Ferreira.

–1997:

–Miramar, de Júlio Bressane;

–Anahy de las missiones, de Sérgio Silva.

–1998: Amor & Cia. de Helvécio Ratton.

–1999: Santo Forte, de Eduardo Coutinho.

–2000: Bicho de sete cabeças, de Laís Bodanzky.

–2001:

–Lavoura arcaica, de Luiz Fernando Carvalho;

–Samba Riachão, de Jorge Alfredo.

–2002: Amarelo manga, de Claudio Assis.

–2003: Filme de amor, de Julio Bressane.

–2004: Peões, de Eduardo Coutinho.

OS CEM MELHORES FILMES, SEGUNDO OS USUÁRIOS DO IMDB

O IMDB (Internet Movie Data Base) publica regularmente em seu site a relação dos filmes mais votados por seus usuários. Na relação divulgada em janeiro de 2002, os 100 melhores foram:

01 – O poderoso chefão (1972)

02 – O senhor dos anéis – A Sociedade dos Anéis (2001)

03 – Um sonho de liberdade (1994)

04 – O poderoso chefão 2 (1974)

05 – Cidadão Kane (1941)

06 – A lista de Schindler (1993)

07 – Casablanca (1942)

08 – Os sete samurais (1954)

09 – Guerra nas estrelas (1977)

10 – Amnésia (2000)

11 – Dr. Fantástico (1964)

12 – Um estranho no ninho (1975)

13 – O fabuloso destino de Amélie Poulain, (2001)

14 – Caçadores da arca perdida (1981)

15 – Janela indiscreta (1954)

16 – Os suspeitos (1995)

17 – Star Wars – Episódio V (1980)

18 – Beleza Americana (1999)

19 – Psicose (1960)

20 – Pulp fiction – Tempo de violência (1994)

21 – Intriga internacional (1959)

22 – O silêncio dos inocentes (1991)

23 – A felicidade não se compra (1946)

24 – Os bons companheiros (1990)

25 – Lawrence da Arábia (1962)

26 – Doze homens e uma sentença (1957)

27 – O tigre e o dragão (2000)

28 – Um corpo que cai (1958)

29 – Taxi driver (1976)

30 – O resgate do soldado Ryan (1998)

31 – O sol é para todos (1962)

32 – Três homens em conflito (1966)

33 – Crepúsculo dos deuses (1950)

34 – Apocalypse now (1979)

35 – O terceiro homem (1949)

36 – Glória feita de sangue (1957)

37 – Los Angeles, cidade proibida (1997)

38 – Clube da luta (1999)

39 – Matrix (1999)

40 – Quanto mais quente melhor (1959)

41 – O barco, inferno no mar (1981)

42 – Réquiem para um sonho (2000)

43 – Relíquia macabra (1941)

44 – A vida é bela (1997)

45 – O mágico de Oz (1939)

46 – M, o vampiro de Dusseldorf (1931)

47 – Chinatown (1974)

48 – A ponte do rio Kwai (1957)

49 – Touro indomável (1980)

50 – Cantando na chuva (1952)

51 – O sexto sentido (1999)

52 – Toy Story 2 (1999)

53 – A malvada (1950)

54 – 2001 – Uma odisseia no espaço (1968)

55 – Monty Python – Em busca do cálice sagrado (1975)

56 – A outra história americana (1998)

57 – Alien, o oitavo passageiro (1979)

58 – Laranja mecânica (1971)

59 – Sob o domínio do mal (1962)

60 – Seven – Os sete pecados capitais (1995)

61 – A marca da maldade (1958)

62 – Coração valente (1995)

63 – Cães de aluguel (1992)

64 – Fargo (1996)

65 – Pacto de sangue (1944)

66 – Blade Runner – O caçador de androides (1982)

67 – Rashomon (1950)

68 – O tesouro de Sierra Madre (1948)

69 – O profissional (1994)

70 – Tubarão (1975)

71 – Golpe de mestre (1973)

72 – A mulher faz o homem (1939)

73 – Amadeus (1984)

74 – Lola Rennt (1998)

75 – Era uma vez no Oeste (1969)

76 – Ran (1985)

77 – Noivo neurótico, noiva nervosa (1977)

78 – Shrek (2001)

79 – Sindicato de ladrões (1954)

80 – Aliens, o resgate (1986)

81 – Tempos modernos (1936)

82 – À espera de um milagre (1999)

83 – A General (1927)

84 – Quero ser John Malkovich (1999)

85 – Diabo a quatro (1933)

86 – A princesa prometida (1987)

87 – Fugindo do inferno (1963)

88 – Luzes da cidade (1931)

89 – O iluminado (1980)

90 – Quase famosos (2000)

91 – Ladrões de bicicleta (1948)

92 – Se meu apartamento falasse (1960)

93 – Traffic (2000)

94 – Matar ou morrer (1952)

95 – Festa de família (1998)

96 – Uma aventura na África (1951)

97 – O franco-atirador (1978)

98 – Pacto sinistro (1951)

99 – Nascido para matar (1987)

100 – Rebecca, a mulher inesquecível (1940).

OS 100 MELHORES FILMES BRITÂNICOS, DE ACORDO COM O BFI

Baseando-se numa pesquisa feita com importantes pessoas da sociedade inglesa ligadas ao meio cinematográfico, o BFI (British Film Institute) elaborou, há poucos anos atrás, uma lista dos 100 melhores filmes de todos os tempos, que, em ordem de votação, são os seguintes:

01 – O terceiro homem (1949) – Carol Reed

02 – Desencanto (1945) – David Lean

03 – Lawrence da Arábia (1962) – David Lean

04 – Os 39 degraus (1935) – Alfred Hitchcock

05 – Grandes esperanças (1946) – David Lean

06 – As oito vítimas (1949) – Robert Hamer

07 – Kes (1969) – Ken Loach

08 – Inverno de sangue em Veneza (1973) – Nicolas Roeg

09 – Sapatinhos vermelhos (1948) – M. Powell / E. Pressburger

10 – Trainspotting (1996) – Danny Boyle

11 – A ponte do rio Kwai (1957) – David Lean

12 – Se... (1968) – Lindsay Anderson

13 – O quinteto da morte (1955) – Alexander Mackendrick

14 – Tudo começou no sábado (1960) – Karel Reisz

15 – Rincão de tormentas (1947) – John Boulting

16 – Carter, o vingador (1971) – Mike Hodges

17 – O mistério da torre (1951) – Charles Crichton

18 – Henrique V (1944) – Laurence Olivier

19 – Carruagens de fogo (1981) – Hugh Hudson

20 – Neste mundo e no outro (1946) – M. Powell / E. Pressburger

21 – Caçada na noite (1980) – John Mackenzie

22 – O criado (1963) – Joseph Losey

23 – Quatro casamentos e um funeral (1994) – Mike Newell

24 – Alegrias a granel (1949) – Alexander Mackendrick

25 – Ou tudo ou nada (1997) – Peter Cattaneo

26 – Traídos pelo desejo (1992) – Neil Jordan

27 – Dr. Jivago (1965) – David Lean

28 – A vida de Brian (1979) – Terry Jones

29 – Os desajustados (1987) – Bruce Robinson

30 – Gregory’s girl (1980) – Bill Forsyth

31 – Zulu (1964) – Cy Endfield

32 – Almas em leilão (1958) – Jack Clayton

33 – Como conquistar as mulheres (1966) – Lewis Gilbert

34 – Gandhi (1982) – Richard Attenborough

35 – A dama oculta (1938) – Alfred Hitchcock

36 – Um golpe à italiana (1969) – Peter Collinson

37 – Momento inesquecível (1983) – Bill Forsyth

38 – The Commitments – Loucos pela fama (1991) – Alan Parker

39 – Um peixe chamado Wanda (1988) – Charles Crichton

40 – Segredos e mentiras (1995) – Mike Leigh

41 – 007 contra o satânico dr. No (1962) – Terence Young

42 – As loucuras do rei George (1994) – Nicholas Hytner

43 – O homem que não vendeu sua alma (1966) – Fred Zinnemann

44 – Narciso Negro (1947) – M. Powell / E. Pressburger

45 – Coronel Blimp – Vida e morte – M. Powell / E. Pressburger

46 – Oliver Twist (1948) – David Lean

47 – Papai é nudista (1959) – John Boulting

48 – Performance (1970) – N. Roeg / D. Cammell

49 – Shakespeare apaixonado (1998) – John Madden

50 – Minha adorável lavanderia (1985) – Stephen Frears

51 – As aventuras de Tom Jones (1963) – Tony Richardson

52 – This sporting life (1963 – Lindsay Anderson

53 – Meu pé esquerdo (1989) – Jim Sheridan

54 – Brazil – O filme (1985) – Terry Gilliam

55 – O paciente inglês (1996) – Anthony Minghella

56 – Um gosto de mel (1961) – Tony Richardson

57 – O mensageiro (1971) – Joseph Losey

58 – O homem do terno branco (1951) – Alexander Mackendrick

59 – Ipcress, o arquivo confidencial (1965) – Sidney J. Furle

60 – Blow-up – Depois daquele beijo (1966) – Michelangelo Antonioni

61 – The loneliness of the long distance runner (1962 – Tony Richardson

62 – Razão e sensibilidade (1995) – Ang Lee

63 – Um país de anedota (1949) – Henry Cornelius

64 – Vestígios do dia (1993) – James Ivory

65 – Domingo maldito (1971) – John Schlesinger

66 – Quando o coração bate mais forte (1970) – Lionel Jeffries

67 – Monalisa (1986) – Neil Jordan

68 – Labaredas do inferno (1955) – Michael Anderson

69 – Hamlet (1948) – Laurence Olivier

70 – 007 contra Goldfinger (1964) – Guy Hamilton

71 – Elizabeth (1998) – Shekhar Kapur

72 – Adeus, mr. Chips (1939) – Sam Wood

73 – Uma janela para o amor (1985) – James Ivory

74 – O dia do Chacal (1973) – Fred Zinnemann

75 – The cruel sea (1952) – Charles Frend

76 – O mundo fabuloso de Billy Liar (1963) – John Schlesinger

77 – Oliver (1968) – Carol Reed

78 – A tortura do medo (1960) – Michael Powell

79 – Longe deste insensato mundo (1967) – John Schlesinger

80 – The Draughtsman’s Contract (1982) – Peter Greenaway

81 – A laranja mecânica (1971) – Stanley Kubrick

82 – Vozes distantes (1988) – Terence Davies

83 – Darling, a que amou demais (1965) – John Schleesinger

84 – O despertar de Rita (1983) – Lewis Gilbert

85 – Brassed off (1996) – Mark Herman

86 – Genevieve (1953) – Henry Cornelius

87 – Mulheres apaixonadas (1969) – Ken Russel

88 – Os reis do iê-iê-iê (1964) – Richard Lester

89 – Fires were started (1943) – Humphrey Jennings

90 – Esperança e glória (1987) – John Boorman

91 – My name is Joe (1998) – Ken Loach

92 – Nosso barco, nossa alma (1942) – David Lean / N. Coward

93 – Caravaggio (1986) – Derek Jarman

94 – The belles of St. Trinian’s (1954) – Frank Launder

95 – Life is sweet (1990) – Mike Leigh

96 – O homem de palha (1973) – Robert Hardy

97 – Violento e profano (1997) – Gary Oldman

98 – Small Faces – Fúria nas ruas (1995) – Gilles Mackinnon

99 – Diabo de saias (1968) – Gerald Thomas

100- Os Gritos do silêncio (1984) – Roland Joffé.

100 ANOS, CEM FILMES – OS MELHORES, SEGUNDO O AFI

Em comemoração aos 100 anos de cinema, o AFI (American Film Institute) submeteu a 1500 personalidades ligadas à indústria cinematográfica americana uma pré-seleção que fizera dos 400 melhores filmes americanos do período de 1896 a 1996, para que escolhessem os 100 melhores. O resultado, que interessa a todos os estudiosos da história do cinema, foi o seguinte, em ordem de votação:

01 – Cidadão Kane (1941)

02 – Casablanca (1942)

03 – O poderoso chefão (1972)

04 – ...E o vento levou (1939)

05 – Lawrence da Arábia (1962)

06 – O mágico de Oz (1939)

07 – A primeira noite de um homem (1967)

08 – Sindicato de ladrões (1954)

09 – A lista de Schindler (1993)

10 – Cantando na chuva (1952)

11 – A felicidade não se compra (1946)

12 – Crepúsculo dos deuses (1950)

13 – A ponte do rio Kwai (1957)

14 – Quanto mais quente melhor (1959)

15 – Guerra nas estrelas (1) (1977)

16 – A malvada (1950)

17 – Uma aventura na África (1951)

18 – Psicose (1960)

19 – Chinatown (1974)

20 – Um estranho no ninho (1975)

21 – As vinhas da ira (1940)

22 – 2001 - Uma odisseia no espaço (1968)

23 – Relíquia macabra (1941)

24 – Touro indomável (1980)

25 – E.T. – O Extraterrestre (1982)

26 – Dr. Fantástico (1964)

27 – Bonnie and Clyde – Uma rajada de balas (1967)

28 – Apocalypse now (1979)

29 – A mulher faz o homem (1939)

30 – O tesouro de Sierra Madre (1948)

31 – Noivo neurótico, noiva nervosa (1977)

32 – O poderoso chefão 2 (1974)

33 – Matar ou morrer (1952)

34 – O sol é para todos (1962)

35 – Aconteceu naquela noite (1934)

36 – Perdidos na noite (1969)

37 – Os melhores anos de nossas vidas (1946)

38 – Pacto de sangue (1944)

39 – Dr. Jivago (1965)

40 – Intriga internacional (1959)

41 – Amor sublime amor (1961)

42 – Janela indiscreta (1954)

43 – King Kong (1933)

44 – Nascimento de uma nação (1915)

45 – Uma rua chamada pecado (1951)

46 – Laranja mecânica (1971)

47 – Taxi driver (1976)

48 – Tubarão (1975)

49 – Branca de Neve e os sete anões (1937)

50 – Butch Cassidy (1969)

51 – Núpcias de escândalo (1940)

52 – A um passo da eternidade (1953)

53 – Amadeus (1984)

54 – Sem novidade no front (1930)

55 – A noviça rebelde (1965)

56 – M*A*S*H* (1970)

57 – O terceiro homem (1949)

58 – Fantasia (1940)

59 – Juventude transviada (1955)

60 – Caçadores da arca perdida (1981)

61 – Um corpo que cai (1958)

62 – Tootsie (1982)

63 – No tempo das diligências (1939)

64 – Contatos imediatos do terceiro grau (1977)

65 – O silêncio dos inocentes (1991)

66 – Rede de intrigas (1976)

67 – Sob o domínio do mal (1962)

68 – Sinfonia de Paris (1951)

69 – Os brutos também amam (1952)

70 – Operação França (1971)

71 – Forrest Gump – O contador de histórias (1994)

72 – Ben-Hur (1959)

73 – O morro dos ventos uivantes (1939)

74 – Em busca do ouro (1925)

75 – Dança com lobos (1990)

76 – Luzes da cidade (1931)

77 – American Graffiti – Loucuras de verão (1973)

78 – Rocky (1) – Um lutador (1976)

79 – O franco atirador (1978)

80 – Meu ódio será sua herança (1969)

81 – Tempos modernos (1936)

82 – Assim caminha a humanidade (1956)

83 – Platoon (1986)

84 – Fargo – Uma comédia de erros (1996)

85 – Diabo a quatro (1933)

86 – O grande motim (1935)

87 – Frankenstein (1931)

88 – Sem destino (1969)

89 – Patton – Rebelde ou herói? (1970)

90 – O cantor de jazz (1927)

91 – My fair lady – Minha bela dama (1964)

92 – Um lugar ao Sol (1951)

93 – Se meu apartamento falasse (1960)

94 – Os bons companheiros (1990)

95 – Pulp fiction – Tempo de violência (1994)

96 – Rastros de ódio (1956)

97 – Levada da breca (1938); 98 – Os imperdoáveis (1992)

99 – Adivinhe quem vem para jantar? (1967)

100- A canção da vitória (1942).

AS MELHORES COMÉDIAS, SEGUNDO O AFI

O AFI (American Film Institute) realizou, em 13 de junho de 2000, uma enquete com 1800 pessoas ligadas ao cinema, que elegeram as 100 melhores comédias americanas de todos os tempos. O resultado foi:

01 – Quanto mais quente melhor (1959), de Billy Wilder

02 – Tootsie (1982), de Sydney Pollack

03 – Dr. Fantástico (1964), de Stanley Kubrick

04 – Noivo neurótico, noiva nervosa (1978), de Woody Allen

05 – Diabo a quatro (1933), de Leo McCarey

06 – Banzé no Oeste (1974), de Mel Brooks

07 – M*A*S*H (1970), de Robert Altman

08 – Aconteceu naquela noite (1934), de Frank Capra

09 – A primeira noite de um homem (1967), de Mike Nichols

10 – Apertem os cintos! O piloto sumiu (1980), de Jim Abrahams, David e Jerry Zucker

11 – Primavera para Hitler (1968), de Mel Brooks

12 – Uma noite na ópera (1935), de Sam Wood

13 – Jovem Frankenstein (1974), de Mel Brooks

14 – Levada da breca (1938), de Howard Hawks

15 – Núpcias de escândalo (1940), de George Cukor

16 – Cantando na chuva (1952), de Stanley Donen e Gene Kelly

17 – O estranho casal (1968), de Gene Saks

18 – A General (1927), de Buster Keaton

19 – Jejum de amor (1940), de Howard Hawks

20 – Se meu apartamento falasse (1960), de Billy Wilder

21 – Um peixe chamado Wanda (1988), de Charles Crichton

22 – A costela de Adão (1949), de George Cukor

23 – Harry e Sally – Feitos um para o outro (1989), de Rob Reiner

24 – Nascida ontem (1950), de George Cukor

25 – Em busca do ouro (1925), de Charles Chaplin

26 – Muito além do jardim (1979), de Hal Ashby

27 – Quem vai ficar com Mary? (1998), de Peter e Bobby Farrelly

28 – Os caça-fantasmas (1984), de Ivan Reitman

29 – This is Spinal Tap (1984), de Rob Reiner

30 – Este mundo é um hospício (1944), de Frank Capra

31 – Arizona nunca mais (1987), de Joel Coen

32 – A ceia dos acusados (1934), de W. S. Van Dyke

33 – Tempos modernos (1936), de Charles Chaplin

34 – Feitiço do tempo (1993), de Harold Ramis

35 – Meu amigo Harvey (1950), de Henry Koster

36 – Clube dos cafajestes (1978), de John Landis

37 – O grande ditador (1940), de Charles Chaplin

38 – Luzes da cidade (1931), de Charles Chaplin

39 – Contrastes humanos (1941), de Preston Sturges

40 – Deu a louca no mundo (1963), de Stanley Kramer

41 – Feitiço da Lua (1987), de Norman Jewison

42 – Quero ser grande (1988), de Penny Marshall

43 – American Graffiti – Loucuras de verão (1973), de George Lucas

44 – Irene, a teimosa (1936), de Gregory La Cava

45 – Ensina-me a viver (1972), de Hal Ashby

46 – Manhattan (1979), de Woody Allen

47 – Shampoo (1975), de Hal Ashby

48 – Um tiro no escuro (1964), de Blake Edwards

49 – Ser ou não ser (1942), de Ernst Lubitsch

50 – Dívida de sangue (1965), de Elliot Silverstein

51 – O pecado mora ao lado (1955), de Billy Wilder

52 – Ninotchka (1939), de Ernst Lubitsch

53 – Arthur – O milionário sedutor (1981), de Steve Gordon

54 – Papai por acaso (1944), de Preston Sturges

55 – As três noites de Eva (1941), de Preston Sturges

56 – Abbott and Costello meet Frankenstein (1948), de Charles Barton

57 – Quando os jovens se tornam adultos (1982), de Barry Levinson

58 – It’s a gift (1934), de Norman Z. McLeod

59 – Um dia nas corridas (1937), de Sam Wood

60 – Topper e o casal do outro mundo (1937), de Norman Z. McLeod

61 – Essa pequena é uma parada (1972), de Peter Bogdanovich

62 – Sherlock Junior (1924), de Buster Keaton

63 – Um tira da pesada (1984), de Martin Brest

64 – Nos bastidores da notícia (1987), de James L. Brooks

65 – Os gênios da pelota (1932), de Norman Z. McLeod

66 – Um assaltante bem trapalhão (1969), de Woody Allen

67 – Uma babá quase perfeita (1993), de Chris Columbus

68 – Cupido é moleque teimoso (1937), de Leo McCarey

69 – Bananas (1971), de Woody Allen

70 – O galante mr. Deeds (1936), de Frank Capra

71 – Clube dos pilantras (1980), de Harold Ramis

72 – Lar, meu tormento (1948), de H. C. Potter

73 – Os quatro batutas (1931), de Norman Z. McLeod

74 – Como eliminar seu chefe (1980), de Colin Higgins

75 – Uma loira para três (1933), de Lowell Sherman

76 – Victor ou Victoria (1982), de Blake Edwards

77 – Mulher de verdade (1942), de Preston Sturges

78 – A sedução do Marrocos (1942), de David Butler

79 – O calouro (1925), de Sam Taylor e Fred Newmeyer

80 – O dorminhoco (1973), de Woody Allen

81 – Marinheiro por descuido (1924), de Buster Keaton

82 – A recruta Benjamin (1980), de Howard Zieff

83 – O papai da noiva (1950), de Vincente Minnelli

84 – Relax (1985), de Albert Brooks

85 – Jantar às oito (1933), de George Cukor

86 – Amigos, sempre amigos (1991), de Ron Underwood

87 – Picardias estudantis (1982), de Amy Heckerling

88 – Os fantasmas se divertem (1988), de Tim Burton

89 – O panaca (1982), de Carl Reiner

90 – A mulher do dia (1942), de George Stevens

91 – Corações em alta (1972), de Elaine May

92 – Bola de fogo (1941), de Howard Hawks

93 – Fargo – Uma comédia de erros (1996), de Joel Coen

94 – A mulher do século (1958), de Morton Dacosta

95 – O expresso de Chicago (1976), de Arthur Hiller

96 – Os filhos do deserto (1933), de William A. Seiter

97 – Sorte no amor (1988), de Ron Shelton

98 – O bobo da corte (1956), de Melvin Frank e Norman Panama

99 – O professor aloprado (1963), de Jerry Lewis

100 – Bom dia, Vietnã! (1987), de Barry Levinson.

BIBLIOGRAFIA

DICIONÁRIOS GERAIS E GUIAS

–AUGÉ, Paul. Encyclopédie Larousse Méthodique. Trad. Editora Delta, Rio de Janeiro, 1960.

–Grande Enciclopédia Larousse Cultural. São Paulo: Nova Cultural, 1995.

–Enciclopédia Universo. São Paulo: Editora Delta / Editora Três, 1973.

–1000 Que Fizeram 100 Anos de Cinema -The Times. Trad. revista Isto É. São Paulo: Editora Três, 1995.

–Vídeo Guia 88. São Paulo: Nova Cultural, 1988.

–Vídeo 1998. São Paulo: Nova Cultural, 1998.

–MALTIN, Leonard. Movie & Video Guide. Nova York: New American Library, 2001.

–HIRSCHHORN, Clive. The Hollywood Musical. 2. Ed. Londres: Pyramid Books, 1991.

–EWALD FILHO, Rubens. Vídeo News Filmes. São Paulo: Sigla Editora, 1985.

– Guia de Filmes, vol. 2. São Paulo: NBO Editora, 2002.

–História do século 20. São Paulo: Abril Cultural, 1968.

–Nova Enciclopédia Ilustrada Folha. São Paulo: Editora Folha de São Paulo, 1996.

–Almanaque Abril 2000. São Paulo: Abril Cultural, 2000.

–Enciclopédia Encarta. CD-rom, 2000.

–Nosso século. São Paulo: Abril Cultural, 1980.

–Novo dicionário Aurélio da língua portuguesa. Rio de Janeiro: Nova Fronteira, 1975.

ESTUDOS ESPECÍFICOS:

–COHEN, Daniel. 500 Grandes Filmes. Trad. Oswaldo Luiz Feital. Rio de Janeiro: Ao Livro Técnico, 1994.

–SILVA, Alberto.Cinema e Humanismo. Rio de Janeiro: Pallas, 1975.

–AZEREDO, Ely.Infinito Cinema. Rio de Janeiro: Unilivros Cultural, 1988.

–HAUSTRATE, Gaston. Le Guide du Cinema – Initiation à l’Histoire et l’Esthétique du Cinema. Trad. de Rui de Moura. Portugal: Editora Pergaminho, 1991.

–MERTEN, Luiz Carlos. Cinema – Um Zapping de Lumière a Tarantino. Porto Alegre: Artes e Ofícios,

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–CIRNE, Moacy. Para Ler os Quadrinhos - Da Narrativa Cinematográfica à Narrativa Quadrinizada.

Petrópolis: Vozes, 1972.

–IKOMA, Fernando. A Técnica Universal das Histórias em Quadrinhos. São Paulo: Editora Edrel, sem

data.

–GRIECO, Alfredo. Onde Estão os Heróis de Outrora? In: O Livro de Cabeceira do Homem, ano II,

volume 7. Rio de Janeiro: Civilização Brasileira, 1968, p. 47.

–MAY, Renato. A aventura do cinema. Trad. Noêmio Spínola e Nemésio Salles. Rio de Janeiro, 1967.

–BURNS, Edward McNall. História da Civilização Ocidental. Trad. Lourival Gomes Machado e Lourdes Santos Machado. Porto Alegre: Globo, 1952.

SITES ÚTEIS DA INTERNET:

IMDB: www.imdb.com

OSCAR: www.oscar.com

AFI: www.afionline.org/home.html

CANNES: www.festival-cannes.fr

http://txt.estado.com.br/edicao/especial/cinema/abrecine.html www.mgmua.com

http://adorocinema.cidadeinternet.com.br/filmes.htm

http://www.allmovie.com/index.htm

http://www.cineweb.com.br/claquete/

http://www.estacaovirtual.com/

http://www.filmsite.org/

www2.uol.com.br/revistadecinema

www.scoretrack.net/artigos.html

www.1000films.com/

www.sessao.com.br/filmeslista

www.orizamartins.com

dvdmagazine.virgula.com.br

ESTÚDIOS:

www.mca.com/Universal

www.miramax.com

www.sony.com

www.warnerbros.com

www.tristar.com

www.paramount.com

FICHA CATALOGRÁFICA DA EDIÇÃO IMPRESSA

Table of Contents

INTRODUÇÃO

O PODEROSO CINEMA NORTE-AMERICANO - PRIMÓRDIOS

O CINEMA DOS EUA NA DÉCADA DE 1920

EUA, 1930/1939 – A DÉCADA DE GRANDES PRODUÇÕES

OS GRANDES FILMES NORTE-AMERICANOS DA DÉCADA DE 1940

MELHORES FILMES DOS EUA, DE 1950 EM DIANTE

O CINEMA DIVIDIDO – 1o EPISÓDIO

O CINEMA DIVIDIDO – 2o EPISÓDIO

O CINEMA DIVIDIDO – 3o EPISÓDIO

OSCAR: OS PREFERIDOS E OS PRETERIDOS

O EXPRESSIONISMO NO CINEMA ALEMÃO

O NOVO CINEMA ALEMÃO A PARTIR DOS ANOS 1960

CHINÊS, O CINEMA CENSURADO

O MELHOR DO CINEMA DINAMARQUÊS

CINEMA DA ESPANHA

O CINEMA FRANCÊS DOS ANOS 1930/1940

A NOUVELLE VAGUE

O CINEMA DA GRÃ-BRETANHA

A EXPLOSÃO DO CINEMA IRANIANO A PARTIR DOS ANOS 1990

O NEORREALISMO ITALIANO

O CINEMA ITALIANO PÓS-NEORREALISMO

O PREMIADO CINEMA DO SOL NASCENTE

A RENOVAÇÃO DO CINEMA POLONÊS

A ÉPOCA DE OURO DO CINEMA SOVIÉTICO

O AUDACIOSO CINEMA SUECO

CINEMA DE OUTRAS PARTES DO MUNDO

ANOS 1950, UMA DÉCADA DE GRANDES FILMES

OS BONS FILMES DA DÉCADA DE 1960

A DÉCADA DE 1970

AS TENDÊNCIAS CONTEMPORÂNEAS - CINEMA DOS ANOS 1980

CINEMA DOS ANOS 1990: UM COMPUTADOR NA MÃO E UMA IDEIA NA CABEÇA

GRANDES CINEASTAS BRASILEIROS

FILMES BRASILEIROS PREMIADOS

O PERÍODO DA CHANCHADA

CINEMA ARRETADO – O CICLO DO CANGAÇO

O CINEMA NOVO - BRASIL

EROTISMO E CHANCHADA NO CINEMA BRASILEIRO

OS BONS FILMES DA NOVA SAFRA DO CINEMA BRASILEIRO

O CINEMA E A REALIDADE BRASILEIRA

Jacques Tati – Um atento olhar sobre a vida

CHAPLIN, UM GÊNIO E UM SÍMBOLO

Cinema e sociedade – As ideias humanísticas – A preocupação social

A HISTÓRIA E OS FILMES HISTÓRICOS – ANTIGUIDADE

A HISTÓRIA E OS FILMES HISTÓRICOS – IDADE MÉDIA

A HISTÓRIA E OS FILMES HISTÓRICOS – IDADE MODERNA

A HISTÓRIA E OS FILMES HISTÓRICOS - REVOLUÇÃO FRANCESA E PERÍODO N...

A HISTÓRIA E OS FILMES HISTÓRICOS - A REVOLUÇÃO RUSSA

A HISTÓRIA E OS FILMES HISTÓRICOS – A PRIMEIRA GUERRA MUNDIAL

A HISTÓRIA E OS FILMES HISTÓRICOS – A SEGUNDA GUERRA MUNDIAL

A GUERRA DO VIETNÃ

“SUPER SIZE ME – A DIETA DO PALHAÇO”

CINEMA E GASTRONOMIA

FILME NOIR – O CINEMA SOMBRIO

OS CLICHÊS NO CINEMA

OS PREMIADOS COM O OSCAR

O OSCAR DE FILME ESTRANGEIRO

O GLOBO DE OURO

PREMIADOS NO FESTIVAL DE CANNES

PREMIADOS NO FESTIVAL DE VENEZA

PREMIADOS NO FESTIVAL DE BERLIM

OS VENCEDORES DO FESTIVAL DE GRAMADO

PREMIADOS NO FESTIVAL DE CINEMA DE BRASÍLIA

OS CEM MELHORES FILMES, SEGUNDO OS USUÁRIOS DO IMDB

OS 100 MELHORES FILMES BRITÂNICOS, DE ACORDO COM O BFI

100 ANOS, CEM FILMES – OS MELHORES, SEGUNDO O AFI

AS MELHORES COMÉDIAS, SEGUNDO O AFI

BIBLIOGRAFIA